Nur wenige Schauspieler haben mehr getan, um die Macht der Unschuld zu fördern, als Brendan Fraser. Gehen Sie zurück zur ersten Welle seines Ruhms und zu dem Gag, der sich durch seine drolligsten Rollen zog. In „Encino Man“ (1992) war er ein früher Mensch, der während einer Eiszeit festgefroren, von Highschool-Kids aufgetaut und zum Feiern eingeladen wurde. In „George of the Jungle“ (1997) war er ein in San Francisco losgelassener Tarzanesque-Weinschwinger. Und in dem charmanten „Blast from the Past“ (1999) wurde er in einem Atombunker geboren, wuchs mit purem Americana auf und war begierig darauf, jemanden aus Pasadena zu heiraten, als er nach fünfunddreißig Jahren wieder herauskam. In jedem Fall wurde Kalifornien als der Höhepunkt der Zivilisation hingestellt und Fraser als eine Figur, die fast nichts wusste, keinen bösen Willen hegte und bereit war, sich glücklich überraschen zu lassen. Holen Sie sich eine Ladung dieser Spanner, die zum Platzen bereit sind! Und dieses Comic-Grinsen! Wenn die Sanftmütigen wie Johnny Weissmüller gebaut sind, scheint es etwas einfacher zu glauben, dass sie die Erde doch erben könnten.
Fraser schwang dann aus der Umlaufbahn und verschwand teilweise aus der Öffentlichkeit. Wenn Sie ihn in dem verwirrend betitelten „The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor“ (2008) oder in „The Poison Rose“ (2019), wo er unter John Travolta und Morgan Freeman in Rechnung gestellt wurde, verpasst haben, fühlen Sie sich nicht allzu schlecht . Jetzt ist Fraser jedoch zurück und spielt in „The Whale“ eine große Rolle. Er spielt Charlie, der alleine lebt und online Literaturunterricht gibt und seinen Schülern, die ihn nicht sehen können, erklärt, dass die Kamera seines Computers kaputt ist. Das ist falsch. Charlie nicht wollen um gesehen zu werden, weil sein Verstand, so flink er auch sein mag, in einem Körper untergebracht ist, der so stark fettleibig ist – der Schauspieler ist in Fettprothesen gehüllt –, dass ein einfacher Gang ins Badezimmer zu einer Odyssee wird. Nur wenn er isst, bewegt sich Charlie schnell, wühlt auf der Suche nach Schokoriegeln durch eine Schublade, ist so beschäftigt wie ein Juwelendieb, oder reißt Stücke von einer Pizza und schiebt sie eilig in sein Kuchenloch.
„The Whale“ ist unter der Regie von Darren Aronofsky und geschrieben von Samuel D. Hunter, der sein gleichnamiges Stück adaptiert hat. Der größte Teil der Handlung spielt sich in zwei oder drei Räumen ab, und Aronofsky bemüht sich, jeden Hauch von Theatralik zu vertreiben; Gleich zu Beginn werden wir auf eine geführte Tour durch Charlie mitgenommen, umkreisen ihn wie Reisende, die einen Berg bestaunen, und es gibt Zeiten, in denen seine prallen Gesichtszüge in Nahaufnahme den Bildschirm fast überlasten. Keinem Theaterbesucher würde solch ein intimes Privileg gewährt werden. Was den Film jedoch bremst, ist weniger der enge Raum, in dem er sich entfaltet – Hitchcock hat sich in „Rope“ (1948) und „Rear Window“ (1955) mit weniger begnügt – als vielmehr das plumpe Klopfen, mit dem andere Figuren ein- und ausgehen Verlassen Sie diesen Raum. Ich erwartete halb, dass Charlie ausrufen würde: „Du meine Güte! Wer könnte das sein, um diese Stunde?“ als wir ein Klopfen an der Tür hören.
Eine Besucherin ist Charlies gute Freundin Liz (Hong Chau), die ebenfalls Krankenschwester ist und keinen Hehl aus dem Schicksal seines Fleisches macht. Wer sonst würde seinen Blutdruck messen, verkünden, dass er bald an Herzversagen sterben wird, und Bring ihm ein Sub zum Fressen? Dann haben wir einen jungen Missionar, Thomas (Ty Simpkins), der zufällig vorbeischaut, Charlie fragt: „Kennen Sie das Evangelium von Jesus Christus?“ und am Ende Gras raucht. Noch schwieriger ist die Ankunft von Charlies Tochter Ellie (Sadie Sink) und später seiner Ex-Frau Mary (Samantha Morton). Beide waren ihm jahrelang entfremdet, nachdem er sich in einen Mann verliebt hatte, aber jetzt tauchen sie auf und verwickeln Charlie in ein hochentwickeltes Gespräch. „Du bist ekelhaft“, sagt Ellie zu ihm, aber er bietet ihr an, ihr bei einem Aufsatz für die Schule zu helfen, und ihre Wut schmilzt langsam. Könnte es sein, dass Charlie, allein in seiner Weite, doch geschätzt wird?
„The Whale“ ist lächerlich ernst, gespickt mit Melodrama und darauf ausgelegt, die langjährige Assoziation von menschlicher Masse und Übermut zu beenden. Vergessen Sie den tumiden Witz von Falstaff – „diese riesige Sackbombe, dieser vollgestopfte Umhängesack“, wie Prinz Hal ihn nennt – oder die finstere Bonhomie von Sydney Greenstreet. Der Film zeigt uns Fettleibigkeit als Tragödie und als vermeidbare Geißel, die dem Helden von einer feindseligen und traumatisierenden Welt zugefügt wird. (Der Bösewicht ist natürlich das evangelikale Christentum.) Kurz gesagt, hier ist ein selbstbezogenes Drama des Selbsthasses: kaum die appetitanregendste Aussicht. Wenn es sich dennoch als mitreißend sehenswert erweist, haben wir Brendan Fraser zu danken. Er kehrt ins Rampenlicht zurück und strahlt weiterhin eine essentielle Süße der Natur aus. Seine Zeilenlesungen haben nichts von ihrer sanften Frage verloren, und er wagt sogar ein Kichern; wie Charlie entschuldigt er sich so oft, dass ich anfing, ihn zu verdächtigen, insgeheim Brite zu sein. Im Innern des Wals ist eine stille leise Stimme der Ruhe.
Wie beginnt die Geschichte von Pinocchio? Für Carlo Collodi, dessen Geschichten über das Holzkind 1883 als Buch veröffentlicht wurden, begann alles mit Gewalt – mit einem Baumstamm, der vor Angst stöhnte, von Zimmermannswerkzeugen getroffen zu werden, und mit zwei alten Männern, die sich darum stritten. Walt Disney setzte 1940 auf Gemütlichkeit: die singende Grille und die mock-alpine Fantasie von Geppettos Laden, dessen Ruhe nur durch tickende Uhren unterbrochen wurde. In der neuesten Nacherzählung mit dem offiziellen Titel „Guillermo del Toros Pinocchio“ ist der Ton der Wahl Pathos. Wir treffen Geppetto zum ersten Mal, als er um einen echten Jungen trauert: seinen Sohn Carlo, den er liebte und verlor. Pinocchio, mit anderen Worten, in einem betrunkenen Anfall gestaltet, ist ein Ersatz.
Es ist ein verdammt guter Vorschlag, und er erklärt die emotionale Schubkraft dessen, was folgt. Dieser Pinocchio wird sich während seiner Heldentaten so verhalten, als hätte er viel zu beweisen und nichts zu verlieren, wie jemand, der weiß, dass er von Anfang an nur halb gewollt war. Seine grundlegende Fortbewegung ist ein Kick-and-Hop, und dieses rücksichtslose Vorwärtsstürmen passt ideal zu der Animation, die den Film vorantreibt. Die Technik ist die der Stop-Motion, und der Effekt ist weitaus glatter als in den alten Epen von Ray Harryhausen – obwohl das Ruckeln der Stop-Motion-Skelette in „Jason und die Argonauten“ (1963) sie gruseliger machte , nicht weniger – aber es bleibt ein willkommener Beigeschmack von Selbstgemachtem, Knorrigen und Stockigen. Das ist die Art von Film, die Geppetto in seinen Träumen erschaffen würde.
Teile der Erzählung werden vertraut erscheinen, besonders für jeden, der mit Disney entwöhnt ist. Wieder einmal wird Pinocchio (von Gregory Mann geäußert) von Geppetto (David Bradley) weggelockt und von einem gemeinen Schurken (Christoph Waltz) in den Zirkus rekrutiert. Es ist immer noch eine Grille in Sicht, aber sein Name ist Sebastian (Ewan McGregor), nicht Jiminy, und es ist eine grausame Farce, wie er immer wieder umgestoßen und zerschmettert wird. Diese Unerbittlichkeit und die Fähigkeit der Charaktere, sich nach den Schicksalsschlägen wieder zu erheben, erreichen in Pinocchios regelmäßigen Todesfällen einen sehr seltsamen Höhepunkt. Immer wieder findet er sich in einer düsteren Unterwelt wieder, in der Kaninchen als Sargträger fungieren und wo eine leuchtend blaue Sphinx (Tilda Swinton), die mit Büffelhörnern und einem peitschenden Schwanz ausgestattet ist, ihn über Ewigkeit und Trauer belehrt. Daraufhin erwacht der Junge wieder zum Leben: eine Gummiseele in einem Rahmen aus Holz.
Wie kann man darauf reagieren? Nun, die Leser von Collodi werden sich für die Mischung aus Fatalismus und Hoffnung erwärmen – „Wenn die Toten weinen, bedeutet das, dass sie auf dem Weg der Genesung sind“, wie eine Krähe in dem Buch sagt. Und Eltern werden sich fragen, ob es das war ziemlich was für eine gute Idee, ihren jüngsten Sprössling in den neuen Film zu schleppen, und wie stehen die Chancen, ihn am Abend zum Einschlafen zu bringen. (Es ist sicherlich mehr ein Albtraum als „Nightmare Alley“, del Toros letztes Werk, das letztes Jahr veröffentlicht wurde.) Oh, und seien Sie gewarnt: Der Film spielt während des Aufschwungs des Faschismus und bietet einen vernichtenden Cameo-Auftritt für Mussolini, der verspottet wird von Pinocchio mit Poop-Witzen. Wenn Sie also die Kinder mitnehmen, müssen Sie sie natürlich über die italienische politische Geschichte des 20. Jahrhunderts informieren, während Sie sich für Cherry Vanilla Cokes anstellen. Kein Druck.
Um ehrlich zu sein, hat del Toro zu viel in die Mischung geworfen. Zum Beispiel ist der Film ohne zwingenden Grund und mit undurchdringlicher Wirkung auch ein Musical. Überfluss an Fantasie ist jedoch immer ansprechender als ein Mangel, und obwohl die abgerundete Schönheit von Disneys Zeichenkunst – denken Sie an die kathedralenartige Höhle im Inneren des Wals – niemals ausgelöscht werden kann, hat die Kantigkeit dieses neuesten Versuchs einen durchdringenden Durchschlag besitzen. Nirgendwo mehr als wenn Pinocchio, der im Kirchenschiff steht, zu einer Kreuzigung hinaufstarrt. Wie er wurde es von Geppetto geschnitzt, und zu Ehren dieser Affinität krümmt und krümmt sich Pinocchio plötzlich, um die Haltung Jesu in seinem Todeskampf nachzuahmen. Es ist ein erstaunlicher Moment, zweifelsohne blasphemisch, aber doch eher verwundert als verspottet. Leiden kleine Kinder, auch die aus Kiefernholz.
Wie viel Netflix im vergangenen Jahr genau für den Erwerb des Anwesens von Roald Dahl bezahlt hat, ist unbestätigt. Niedrige Schätzungen murren von sechshundert Millionen Dollar. Nach dieser Transaktion kommt „Matilda the Musical“ – ein neuer Film unter der Regie von Matthew Warchus, vollgestopft mit larky Songs von Tim Minchin und basierend auf der Show, die auf einem Roman von Dahl basiert. Und wie herrlich unbequem es ist, darf ich sagen, zu beobachten, wie Mrs. Wormwood (Andrea Riseborough), die Mutter der Heldin, ihre Klebrigkeit bezeugt, indem sie mit Geldbündeln wedelt und schreit: „Geld! Geld!” Pfui. Schreckliches Zeug.
Während Geppetto durch die Ankunft von Pinocchio beunruhigt war, sind Mrs. Wormwood und ihr Ehemann (Stephen Graham) entsetzt über die Geburt ihrer Tochter. Niemand wünschte sie sich auf einem Stern. Als junges Mädchen (Alisha Weir) wird sie von ihren Eltern verabscheut, nicht zuletzt wegen ihrer Bildung; In Anlehnung an Dahl ist der Film eine Ode an die Glückseligkeit des Lesens („wie ein Urlaub im Kopf“, sagt Matilda), die einen entfesselt und für Tyrannen gefährlich macht. Bislang Autodidakt, geht Matilda zur Schule in Crunchem Hall, wo sie sich als Freidenkerin auszeichnet, zur Freude ihrer Lehrerin Miss Honey (Lashana Lynch) und zum tosenden Ärger der Schulleiterin Miss Trunchbull (Emma Thompson). Als ehemalige Hammerwerferin begnügt sich Miss Knüppelkuh nun damit, ihre Pupillen auf ein angrenzendes Feld zu werfen.
Wie „Pinocchio“ geht die Saga von Matilda dorthin, wo „The Whale“ sich fürchtet zu treten, in die düstere und Dickens’sche Komödie des Missbrauchs. Miss Trunchbull stammt von anderen Schulleitern ab, deren Namen nach Folter riechen, wie Thomas Gradgrind in „Hard Times“ oder Wackford Squeers in „Nicholas Nickleby“ – dem ersten Buch, das Matilda im Film erwähnt, wenn sie gefragt wird, was sie gelesen hat von spät. Von allen Nutznießern von Dickens war keiner einflussreicher als Disney und Dahl. Beide beschäftigen sich mit der von Herzen kommenden populären Groteske; Verkommenheit bringt moralische und physische Wasserspeier hervor, die die Tugendhaften (vorzugsweise nicht lächerlich, sondern schelmisch, wie Matilda) zu verprügeln lernen müssen. Es erscheint daher passend, dass das Beste an Warchus’ Film die Energie der Kinder sein sollte. Selbstbewusst geführt von Weir schwärmen sie über den Bildschirm. Abholen, wo die Bengel von „Oliver!“ (1968) aufgehört, besingen sie ihre kulminierende Befreiung mit einer Hymne, die das Unordentliche mit dem Aufständischen verbindet, und rühmen sich des dahlischsten aller Worte: „Wir revoltieren!“ ♦