Wie die meisten Menschen kenne ich einige von Taylor Swifts Liedern allein durch die Tatsache, dass ich lebe, aber es ist eine Sache, Musik zu hören, und eine andere, ihr zuzuhören. Der Hauptvorteil ihres Konzertfilms „Taylor Swift: The Eras Tour“, der letzten August während dreier Aufführungen im SoFi Stadium in Inglewood, Kalifornien, gedreht wurde, besteht darin, die Aufmerksamkeit zweidreiviertel Stunden lang auf ihre Musik zu konzentrieren. wie in einer Abhörkabine. Was es über ihr künstlerisches Schaffen verrät, steigert nur meine Wertschätzung für die Substanz und die Vorstellungskraft, die in die Entstehung – ja, das Sein – dieses Pop-Superstars einfließen. Die Konzerte sind Megaspektakel, intim und kolossal zugleich; Swift beherrscht das Stadion während des gesamten Bühnengeschäfts. Sie ist oft allein, manchmal begleitet von einer Handvoll Tänzern, gelegentlich von einer Brigade unterstützt, während riesige Videobildschirme und Bühnenbilder als kunstvolle Kulissen dienen, die mit Lichtshows und Raucheffekten geschmückt sind. (Was die Band betrifft, so ist sie weit weg, in einem eigenen Fahrerlager.) Der Film dieser Show stellt ihr Songwriting in den Vordergrund, als wäre ihre Musik ein Drehbuch, das durch ihren Auftritt zu dramatischem Leben erweckt wird.
Es gibt Filmregisseure, die es schaffen, Studiofilme mit großem Budget in persönliche Werke zu verwandeln, und als ich sie mir ansah, hatte ich das Gefühl, dass Swift auf ähnliche Weise den mächtigen Mechanismus der Berühmtheit beherrscht. Das Konzept des Konzerts ist autobiografisch: Swift blickt Album für Album auf ihre Karriere zurück, jedes davon ordnet sie einer anderen „Ära“ in ihrem Leben zu und jedes davon stellt einen Abschnitt der Show dar. Sie schreibt in der Ich-Perspektive, mit aussagekräftigen Details und Offenheit, lässt sich aber auch auf eine Mythologie der modernen amerikanischen jungen Weiblichkeit ein, die ihrem Selbstporträt erzählerischen Reichtum verleiht: junge Romanzen und Freunde, Freunde und Feinde, Schule und Nachbarschaft und vieles mehr Familie. Die Lieder spiegeln den unbändigen Wunsch wider, die Leidenschaften des Augenblicks voll und ganz auszuleben, ein Bewusstsein für die Barrieren, die die Konventionen des täglichen Lebens hierfür darstellen, und das Gefühl, diese mit der bloßen Kraft der Emotionen zu überwinden, hin zu hart erkämpften Selbstvertrauen. Wissen. Swift ist eine Melodramatikerin im besten Sinne, die in gewöhnlichen Leben und Umständen heroische Größe findet und ihre Erfahrungen als eine Form naturalistischer Legende begreift, in der ihr Publikum, bestehend aus Mädchen und jungen Frauen, ihre eigenen Erfahrungen so ernst genommen sieht, wie sie es verdienen . Ungeachtet des „Eras“-Konzepts sind Swifts Lieder seltsamerweise losgelöst von ihrer Zeit: Indem sie die Besonderheiten ihres Lebens auf eine Quasi-Universalität ausdehnt, filtert sie kulturelle Besonderheiten heraus, als würde sie die Zuhörer einladen, die Lücken mit ihren persönlichen Referenzen zu füllen .
Ich dachte an die romantischen Melodramen von Douglas Sirk, wie „Written on the Wind“, und diese Vorstellung wurde durch Swifts Aufführung von „The Last Great American Dynasty“, einem Lied aus ihrem Album „Folklore“, in dem sie erzählt die Geschichte der verstorbenen Prominenten und Kunstmäzenin Rebekah Harkness (deren Villa in Rhode Island Swift 2013 kaufte). Während sie das Lied singt – über eine „geschiedene Mittelschicht“, die den Erben eines Industrievermögens heiratet und in den Mittelpunkt eines Skandals gerät – wird sie nicht nur von Tänzern, sondern auch von einer Schauspielerin begleitet, die Harkness im glamourösen Fünfziger-Jahre-Stil darstellt Kleid und ellenbogenlange Handschuhe. Diese Nummer, eine Art impressionistische Brechung einer glänzenden Hollywood-Romanze aus der klassischen Ära, ist der Höhepunkt der Inszenierung des Films, wenn auch nicht die einfallsreichste Sequenz. (Die Inszenierung einiger Songs zu Beginn vor einem riesigen, abstrakt geometrisch ausgeschnittenen, dioramaartigen Haus, das an Jerry Lewis‘ „The Ladies Man“ – und an die Hollywood Squares – erinnert, hat einen eher unmittelbar ins Auge fallenden Reiz.)
Das Konzept der Tour – die „Epochen“ von Swifts Karriere – könnte leicht selbstverherrlichend wirken, aber es wirkt nicht so, weil es einen Kern authentischer Erfahrung vermittelt. Swift ist in der Öffentlichkeit aufgewachsen und die begeisterte Reaktion ihrer Fans auf jede neue Facette ihrer Arbeit entspricht den großen (inneren und äußeren) Veränderungen im Leben, die ihre künstlerische Entwicklung begleiten. (Niemand, der darüber nachdenkt, wie sich John Coltrane oder Franz Schubert Jahr für Jahr musikalisch verändert, wirft den Grundstein.) Der Film zeigt, dass Swifts Auftritt sowohl kunstvoll als auch bescheiden ist; Sie zeigt erstaunliches Talent, aber keine einschüchternde Virtuosität. Obwohl ihr Tanz geschickt ist, vermittelt sie mit ihrem theatralischen Repertoire aus Schritten, Gesten und Blicken weitaus mehr. Ihr Gesang ist stark, aber nicht opernhaft, ausdrucksstark, aber nicht extravagant, angesiedelt an der Grenze eines Konversations- oder Beichttons. Tatsächlich handelt es sich um eine Stimme, die genau auf den Text abgestimmt ist – weder überwältigend noch unterdrückend, sondern eine Intensivierung und Destillation dessen, was im gewöhnlichen Leben außergewöhnlich ist.
Kurz gesagt, die Faszination von Swifts Auftritt ist persönlicher Natur. Deshalb bleibt der Film letztendlich hinter ihrer Ästhetik zurück. Konzertfilme sind selten einfache Dokumentarfilme; Vielmehr erstellen sie im Allgemeinen einen Image-Track, der zu einem Musiktitel passt, ähnlich wie bei einem Musikvideo, wobei die feierlichen und werblichen Aspekte im Vordergrund stehen. Aber dieser Film (Regie: Sam Wrench) fügt den Aufführungen kaum eine weitere Erlebnisebene hinzu, da seine visuelle Komposition von Moment zu Moment durch Konventionen und Selbstgefälligkeit belastet ist. Der Musik steht das nicht im Weg, aber es lässt die Authentizität von Swifts Präsenz, die physische Seite ihres Auftritts außer Acht.
Was dem Film fehlt, ist sowohl ein Gefühl der Nähe als auch ein Gefühl für die Zeit. „The Eras Tour“ bietet nur sehr wenige bildschirmfüllende Nahaufnahmen von Swift und sie vergehen wie im Flug. Tatsächlich besteht der Film fast ausschließlich aus sehr kurzen Aufnahmen, sei es Swift, die in Bewegung singt, während sie über die Bühne schreitet, oder auf der Stelle, während sie sich selbst auf der Gitarre oder am Klavier begleitet und Lieder mit gesprochenen Kommentaren einleitet. Die Entscheidung, den Film auf diese Weise zu filmen und zu schneiden, ist kein bloßes Zugeständnis an die kurze Aufmerksamkeitsspanne und die Ungeduld gegenüber dem Stillstand. Kurze Aufnahmen, wie Wrench oder Sergei Eisenstein oder Ridley Scott, dienen einem Zweck: sicherzustellen, dass jedes Bild genau eine Sache aussagt, und die Komplexität auf eine sofort greifbare Einheit zu reduzieren. Um aus solchen Bildern ein komplexes Ganzes zu machen, bedarf es einer virtuosen Bearbeitung, aber die Bearbeitung von „The Eras Tour“ ist dieser Herausforderung nicht gewachsen und bietet von Bild zu Bild wenig Abwechslung oder Kontrast.
Die Unpersönlichkeit der Dreharbeiten steht im diametralen Gegensatz zu Swifts Kunstfertigkeit. Die visuelle Monotonie des Films – seine uninspirierten Blickwinkel, sein gleichbleibendes Tempo, sein hartnäckiges Abschneiden von der Handlung – macht das Kinoerlebnis ermüdend, auch wenn man sieht, dass die Live-Aufführungen belebend waren. Zu den Faszinationen von Swifts Bühnenpräsenz gehört der offensichtliche Mangel an Spontaneität – die Art und Weise, wie die Band an die Seitenlinie gedrängt wird, außer in ein paar theatralischen Momenten, in denen Gitarristen kurz neben ihr jammen. Aber ich sage „offensichtlich“, weil ich es nicht glaube: Trotz all der sorgfältigen Proben, die dafür sorgen, dass die Nummern wie am Schnürchen funktionieren, ist Swift sehr im Moment. Der Film fängt diese Leidenschaft jedoch nur in Glitzern und Blitzen ein, wie in Standbildern, nie in Bewegung. Ein freierer und kreativerer Regieansatz – beispielsweise längere und eindringlichere Nahaufnahmen oder geduldigere und neugierigere Gesamtaufnahmen – würde die Spontaneität, die Unmittelbarkeit und die Menschlichkeit von Swifts Darbietungen offenbaren. Ein solcher Film würde ihre Kombination aus Konzentration und Hingabe, Gedanken und Gefühlen widerspiegeln und im Innenleben der Künstlerin im Mittelpunkt des Spektakels zusammenlaufen.
Stattdessen wird der Film wie ein Werbespot gedreht und geschnitten – und er ist offensichtlich effektiv, denn er bietet einer Kohorte von Filmkritikern mittleren Alters, darunter auch mir, die Möglichkeit, sich auf eine Art und Weise über ihre Arbeit lustig zu machen, die das Risiko eingeht, es zu tun Ungerechtigkeit. Wie so viele Eltern, Großeltern, Tanten und Onkel gurren Filmautoren vielleicht: „Sie ist so ein nettes Mädchen“, als ob sie sie damit implizit von ausgefalleneren Rockern und Rappern oder von rücksichtsloseren Berühmtheiten unterscheiden würden. Und sie mag zwar ein netter Mensch sein, aber ihre Kunst beinhaltet viel mehr als das, und sie gibt ihrer Kunst noch viel mehr als das. Um die Leidenschaft und die Kraft von Taylor Swift zu erreichen, wäre ein viel besserer Film erforderlich; Diejenige, die sie verdient, würde nicht nur zeigen, wie sie es abschüttelt, sondern auch, wie sie es abschüttelt. ♦