Es wäre ein Irrweg, die besten Filme von Jean-Luc Godard aufzulisten, der Anfang dieser Woche im Alter von einundneunzig Jahren starb. Godard selbst war ein begeisterter Listenersteller, als er noch als Kritiker tätig war, und er war bis zuletzt ein beachtlicher Verfechter von Werturteilen, selbst gegenüber den Großen des Kinos. Aber der Anlass für eine solche Liste ist falsch. Nur wenige Tage nach seinem Tod ist es nicht der Moment für objektive Bewertungen, sondern für ehrliche Emotionen, die mich dazu bringen, so etwas wie meine Favoriten seiner Filme zu teilen, die durch den Prüfstein der Erfahrung gebrochen wurden. Dies sind die Filme von Godard, die mich in gewisser Weise gefesselt haben – diejenigen, die mir am häufigsten von alleine in den Sinn kommen. Als erstaunlicher neunzehnjähriger Kritiker behauptete Godard: „Im Kino denken wir nicht, wir werden gedacht.“ In der majestätischen Videoserie seiner späten Jahre „Histoire(s) du Cinéma“ wird seine Unterwerfung unter die Macht des Kinos als eine im religiösen Sinne verklärende Leidenschaft dargestellt. Die Filme, die ich zum Streamen empfehle, sind die von Godard, die es haben Gedanke mich am tiefsten; Ich habe sie nicht ausgewählt, sie haben mich ausgewählt.
Diese Liste hätte länger sein sollen. Aber die Filme von Godard, die sich am stärksten in mein limbisches System eingeprägt haben, sind nicht alle zum Streamen verfügbar. Am meisten vermisse ich „In Praise of Love“ von 2001, das ich zehnmal in der Eröffnungswoche in Paris gesehen habe, und zwar nicht aus Pflichtgefühl, sondern aus Zwang. Es ist eine der großen filmischen Liebesgeschichten, die sich inmitten der Erforschung der politischen Geschichte und der Filmgeschichte abspielt, mit dem Zweiten Weltkrieg und dem Holocaust sowie der aktuellen Politik der Armut und Ungleichheit, und sie bringt einige der wichtigsten von Godard hervor originelle Dramaturgie und hinreißendste Bilder. Es ist auch seine fortschrittlichste und gelungenste Arbeit mit Schauspielern und repräsentiert so etwas wie sein eigenes Ideal der filmischen Performance. Das kritische Scheitern dieses Films, der Godard zurück ins Rampenlicht und an die Spitze des modernen Filmemachens hätte treiben sollen, ist ein nachhaltiger Makel für den Beruf.
Was ebenfalls fehlt, ist Godards Videoserie „Histoire(s) du Cinéma“, entstanden zwischen 1989 und 1999. Hier fruchtete die analytische, laborartige Arbeit, die er Ende der sechziger, Anfang der siebziger Jahre mit Jean-Pierre Gorin machte: eine Herangehensweise an Archivclips, die durch ästhetische Intervention den endgültigen Standard für visuelle Analyse und intellektuelle Autobiografie setzt. Und da ist „Keep Your Right Up“ (1987), eine Komödie mit Godard über das Filmemachen, Politik und den Tod, die die einzige Szene in jedem Film enthält, die ich irgendwo von irgendjemandem gesehen habe, die mir unweigerlich Tränen in die Augen treibt immer wenn ich es sehe. Es ist eine Szene mit dem Tagebucheintrag von André Malraux, der beschreibt, wie er in seinem Roman „Das Schicksal des Menschen“ über einen Selbstmord schrieb. Angesichts von Godards Tod durch assistierten Suizid ist es umso trauriger.
Es gibt noch viel mehr, was ich hier nicht erwähne. Als ich 2013 über eine Godard-Retrospektive schrieb, empfahl ich „Hail Mary“, Godards moderne Version der Beziehung zwischen Mary (die an einer Tankstelle arbeitet) und Joseph (der ein Taxi fährt), die zu weit verbreiteten Protesten führte und Verbote forderte , und sogar Gewalt aufgrund ihrer angeblichen Blasphemie. Begeistert hat mich auch „Jeder für sich“, ein innovativer, quasi-autobiografischer Blick auf ein Filmemacher-Ehepaar in der Schweiz, das neben dem Außergewöhnlichen auch vom Geist einer Generation junger Schauspieler (Isabelle Huppert, Nathalie Baye und Jacques Dutronc) durchdrungen ist Anwesenheit von Marguerite Duras. Ich schrieb das Booklet-Essay für die Criterion-Veröffentlichung von „Pierrot le fou“ mit Anna Karina (die mit Godard verheiratet war) und Jean-Paul Belmondo (der in Godards „Atemlos“ zum Star wurde), in dem Godard einen Brei adaptiert -Roman zu einem gebrochenen Film Noir in Farbe über filmische Ambitionen und ekstatische Romantik, politische Gewalt und intimen Verrat, kommerzielle Kultur und hohe Kunst, Liebe und Tod. Und ich schrieb weiter Der New Yorkerüber „Le Petit Soldat“, Godards zweiten Spielfilm mit Karina und Michel Subor, einem romantischen Thriller über Spionage und Folter während des französischen Algerienkriegs, der von der französischen Regierung drei Jahre lang verboten wurde.
„Atemlos“, das mein Leben (endgültig und zum Besseren) veränderte, als ich siebzehn war, braucht meine Empfehlung nicht. Ebensowenig „Contempt“, das dem Transfer von Godards Kunstfertigkeit in die High-Budget-Reiche Hollywoods (mit Brigitte Bardot und Jack Palance unter dem Einfluss seiner Regie) so nahe wie möglich kommt. Meine folgende Liste enthält auch keine anderen großartigen und gefeierten Filme von Godard, insbesondere die aus seinen blühenden Jahren der Berühmtheit in den sechziger Jahren. Natürlich „empfehle“ ich sie („Vivre Sa Vie“, „2 or 3 Things I Know About Her“, „La Chinoise“, „Weekend“ und viele mehr); Es gibt keinen richtigen Ausgangspunkt und keinen besten Einstiegspunkt. Aber die wichtigste Entdeckung in meiner lebenslangen Besessenheit von Godards Filmen ist, dass sie besser wurden – sein Sinn für Komposition wurde komplexer, sein Umgang mit Filmtechnologie wurde raffinierter, sein Selbstbewusstsein in Bezug auf die Geschichte des Kinos und seinen eigenen Platz darin wuchs akuter. So spannend und zeitgemäß seine Filme der sechziger Jahre auch waren, seine Filme der achtziger Jahre und darüber hinaus erreichen, was er früher nur angedeutet hat: die Verbindung seiner Arbeit mit der hohen Kunst und der klassischen Kultur, in der er sich befand erzogen.
„Eine verheiratete Frau“
Eine der entscheidenden Errungenschaften Godards in den sechziger Jahren war es, die Höhen der Hochkultur mit dem massenmedialen Milieu des Hollywood-Films zu vereinen, und in „A Married Woman“ von 1964 erweitert er diese Errungenschaft in eine dritte Dimension. Godard war besessen von Beethovens Streichquartetten, und hier vereint er Beethoven und das Genrekino mit dem verführerischen und umwerfenden Glanz moderner Medien, der schroffen Grafik und der hektischen Rhetorik der Werbung im Interesse einer subtilen Neuerfindung der eigentlichen Natur des Kinos Realismus.
Die Geschichte, die in Paris spielt, ist ein klassisches Dreieck: eine Frau, ihr Ehemann Pierre und ihr Liebhaber. Doch die Geschichte ist nicht genau die von Menschen aus dem wirklichen Leben. Trotz der erkennbaren Schauplätze, der Dreharbeiten und der weitgehenden Verankerung der Handlung in den aktuellen Ereignissen und der Popkultur des Augenblicks ist der Film ein soziologisches Röntgenbild – eine körperliche Sammlung von Abstraktionen, die ihre Charaktere auf den Kopf stellt, um das zu dramatisieren Atmosphäre und die Wirkung der Medienkultur, die sie beeinflusst und sogar formt. Der Film ist sowohl eine sprudelnde Sammlung unbeschwerter, lebhafter, werbe- und modezentrierter Popkultur als auch eine spöttische Verurteilung derselben. Godard fügt den Beethoven und andere Elemente der hohen Kunst hinzu, um außerhalb der medialen Immersion seiner Protagonisten zu stehen und sie einer strengen und reuevollen moralischen Analyse zu unterziehen. (Godard und Karina, seine damalige Frau, sollten sich nach ihrer Affäre mit einem Schauspieler Ende 1964 scheiden lassen. Ich wusste das erst Jahrzehnte, nachdem ich den Film zum ersten Mal gesehen hatte, aber es verdeutlicht die übertriebene Energie hinter dem Film Furien des Films.)
Der visuelle und stilistische Einfallsreichtum des Films ist erstaunlich. Der Film ist implizit sexuell explizit – seine Sexszenen sind visuelle Metaphern, mit fragmentierten Körpern der Schauspieler und stilisierten Gesten vor weißen oder leeren Hintergründen. Godard bietet ausgedehnte Monolog- oder Interviewszenen mit verschiedenen Charakteren, die dem Drama das Gefühl einer Dokumentation verleihen. Dieses Element des Dokumentarfilms erstreckt sich auf authentische Dokumente: Straßenplakate und Werbetafeln, Werbebroschüren, Zeitschriften und Zeitungen; Eine einzige erweiterte Montage, die auf eine sentimentale Pop-Platte eingestellt ist, füllt den Bildschirm jazzig mit einer Polyphonie aus Schriften und Illustrationen, Slogans und Wortspielen. Godard enthält Untertitel für öffentlich belauschte Äußerungen: ein Riff über das Drama des 17. Jahrhunderts, ein Auszug aus einem Roman von Céline, eine handlungsleitende Lesung von Dialogen aus einem Stück von Racine, ein Segment, das sich auf den Frankfurter Prozess gegen Personen konzentriert, die als gedient haben Beamten in Auschwitz und ein Ausschnitt aus Alain Resnais’ bahnbrechendem Holocaust-Dokumentarfilm „Night and Fog“. Diese überwältigende Mediencollage destilliert sowohl eine bittere Vision von Massenindoktrination als auch eine mitfühlende Vision von Freiheit. Sein exemplarisches Bild zeigt die titelgebende verheiratete Frau, die von einem Stelldichein davoneilt, aber unterwegs das Taxi wechselt, aus Angst, von einem Privatdetektiv verfolgt zu werden, während ein Beethoven-Quartett auf dem Soundtrack ihrem Flug klassische Erhabenheit verleiht.