Im September 2021, zwei Monate bevor Stephen Sondheim im Alter von einundneunzig Jahren starb, nahm er an einer Lesung seines damals noch unvollständigen Abschlussmusicals teil. Basierend auf zwei zerreißenden, surrealistischen Luis-Buñuel-Filmen, „Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ und „Der vernichtende Engel“, wurde es in seinem Entwicklungsjahrzehnt zu verschiedenen Zeiten „Buñuel“ genannt, ein Titel, den Sondheim in einem bekannt gab Fernsehinterview – „Square One“, eine Anspielung auf die Beschäftigung des Werks mit Rekursion und Stillstand.
Sondheim, ein schwindelerregend komplexer Lyriker mit einem beispiellosen Gespür für Synkopen und süß-säuerliche Harmonien, konnte scheinbar alles in ein Musical verwandeln: ein Stück von Kaufman und Hart aus dem Jahr 1934 („Merrily We Roll Along“), ein viktorianisches Penny-Dreamful („Sweeney Todd“) ), ein postimpressionistisches Gemälde („Sonntag im Park mit George“). Laut David Ives, einem komischen Dramatiker, der vor allem für das klaustrophobische „Venus in Fur“ bekannt ist, und dem Regisseur Joe Mantello, der 2004 einen Tony für seine Regie bei der Sondheim-Inszenierung „Assassins“ gewann, war der Komponist immer noch kreativ und dennoch irgendwie scharfsinnig Ich konnte beim zweiten Akt der Buñuel-Show keine Fortschritte machen. Beflügelt von der Lektüre überzeugten Ives und Mantello Sondheim offenbar davon, dass sie es vervollständigen könnten, indem sie auf das zurückgriffen, was er bereits geschrieben hatte, und die zweite Hälfte größtenteils ohne Lieder ließen. Die Situation selbst ist surreal: Der legendäre Sondheim webt und entwirrt, verspricht und zögert wie Penelope in der Odyssee – und schaut dann, nachdem alle Verzögerungstaktiken fehlgeschlagen sind, zu, wie der Wandteppich vom Webstuhl abgeschnitten wird.
Dieser Wandteppich mit den dazugehörigen losen Fäden wurde zu „Here We Are“, jetzt in einer hübschen, sternenklaren Produktion im Shed in Hudson Yards. Es ist gleichzeitig das letzte Sondheim-Musical und das verlorene und enthält vertraute Texturen: Widersprüche, die auf seine eigene erlesene soziale Gruppe abzielen (es gibt eine scharfe Behandlung für diejenigen, die ihre Hunde klonen), ein Maß für die liebevoll-verletzenden Freunde von „Company“ und „ Merrily’s bittere Überzeugung, dass Reichtum die Kreativität tötet. Trotz der vielseitigen Talente von Ives und Mantello kann das Stück, das ohne Sondheim fertiggestellt wurde, die durch seine Abwesenheit zerrissene Kante nicht heilen.
Für den ersten Akt wurde Buñuels Traumfilm „Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ aus dem Jahr 1972 über Korruption in der Oberschicht gestrafft und modernisiert. Wir treffen den dreisten Leo (Bobby Cannavale), der einen Trainingsanzug trägt, und seine verrückte Frau Marianne (Rachel Bay Jones), die immer noch ihr Nachthemd trägt. Es ist Vormittag und sie erwarten keine Gesellschaft. Doch das Telefon klingelt, die Tür läutet, und ihre liebsten Freunde kommen herein: der plastische Chirurg Paul (Jeremy Shamos), seine Frau Claudia (Amber Gray), eine Agentin, und Raffael (Steven Pasquale), ein lüsterner Botschafter der erfundenen Welt Land Moranda – alle bestehen darauf, dass sie zum Brunch eingeladen wurden. Mariannes Schwester Fritz (Micaela Diamond), eine selbsternannte antikapitalistische Revolutionärin, wird von der Meute getragen, die sich auf absurde Weise zu einer Reihe von Cafés aufmacht, von denen jedoch aus irgendeinem Grund keines sie ernähren kann .
Der Bühnenbildner David Zinn präsentiert Leos und Mariannes Wohnung als strahlend weißen Kasten, so glasig wie ein Apple Store, mit einem gefälschten Punktgemälde von Damien Hirst in einer Ecke. (Zinn entwarf auch die Kostüme, und Hirsts gelato-helle Farbtöne tauchen in der Kleidung der Charaktere auf, wie bei Leo Frutti di Bosco (Trainingsanzug.) Beim ersten Stopp des Klatschs, dem Café Everything, ist in der Küche absolut nichts. „Es tut mir so leid, Madam“, singt der Kellner (Denis O’Hare, so schleimig wie zwei Aale) in der knackigsten und schwülstigsten Nummer der Show: „Wir erwarten später noch ein bisschen Latte / Aber wir haben nicht viel Latte Jetzt.” (Ich saß in einer Reihe mit anderen Kritikern; dieser Text löste eine große Schreiberei aus.)
Unterwegs wird die Gruppe von einer trauernden Kellnerin (Tracie Bennett, deren Stimme wunderschön erschöpft ist) begleitet und von einem Rat-a-tat-Oberst (François Battiste) und einem Leutnant (dem beschwingten Jin Ha) begleitet, der sich sofort in Fritz verliebt . Marianne bleibt die Fröhlichste der Truppe – selbst Hinweise darauf, dass die Gesellschaft um sie herum zusammenbricht, können ihre Begeisterung nicht schmälern. „Kauf diesen Tag für uns, Schatz!“ sie singt für Leo. Nach jedem Café sagt Leo zu seinem Gefolge: „Zurück zum Anfang, alle ins Auto!“ Mantello bringt diese Neuausrichtung zum Ausdruck, indem er die Charaktere auf der leeren weißen Bühne aufstellt, flankiert von Dioramen einer Wiese. Es ist ein von Buñuel entlehntes Bild, aber es lässt die Abenteurer auch so aussehen, als ob sie auf dem Weg wären, den Zauberer zu sehen. Marianne, in einem babyblauen Seidenpeignoir, ist unsere Dorothy; Sie scheint sicherlich diejenige zu sein, die den Traum hat.
Die Gruppe landet in Raffaels Botschaft, wo sich ihnen ein nervöser Bischof anschließt, der über einen Karrierewechsel nachdenkt (David Hyde Pierce, anziehend freundlich wie immer). Im zweiten Akt, der den „No Exit“-ähnlichen „Exterminating Angel“ von 1962 adaptiert, ist die ganze Schar, einschließlich des Bischofs, auf mysteriöse Weise in Raffaels schwarzgetäfelter Bibliothek gefangen, zusammen mit zwei Dienern, gespielt von Bennett und O ‘Hase. Nachdem sie ein Leben lang wie Banditen rumgemacht haben, müssen die Reichen vorlieb nehmen. Nach einer letzten herrlich gesungenen Hymne von Marianne setzt eine existenzielle Lähmung ein und die Lieder hören auf. In den letzten 45 Minuten wird Sondheims musikalische Präsenz dank seines talentierten langjährigen Arrangeurs Jonathan Tunick und eines seiner in der Mitte unterbrochenen Arpeggien, die die Charaktere bei jedem Versuch schockieren, hauptsächlich durch Untermalung kommuniziert verlassen. Diese Fegefeuersituation ist natürlich absichtlich frustrierend, und andere Perversitäten von „Here We Are“ dienen gelegentlich dieser Stimmung: zum Beispiel die Entscheidung, die Nicht-Sänger wie O’Hare und Pierce im ersten Akt Soli vortragen zu lassen , während die Stimmen der Generationen wie Gray und Pasquale nur kleine Teile der Ensemblenummern spielen. (Die Hölle ist, bei einem Sondheim-Musical zu sein, wenn so viele großartige Sänger nicht singen.)
Noch mehr jedoch empfand ich die Abwesenheit des Komponisten als leitenden Intellekt. Sicherlich war der Stimmungsumschwung in der zweiten Hälfte untypisch? Schließlich war Sondheim unser Barde der Ambivalenz. In den Buñuel-Filmen glänzt der Klassenkampf: In einer Traumsequenz in „Bourgeoisie“ werden die parasitären Reichen beim Abendessen erschossen; In „Angel“ laufen im wahrsten Sinne des Wortes Lämmer ihrer Schlachtbank entgegen, gegrillt auf den verkohlten Splittern eines Cellos. Aber „Here We Are“ hat die gleiche Dramaturgie als Bajonett genommen und abgeschwächt – vor allem durch Sympathie für die süße Marianne und den sanften Bischof, der endlich ein Talent für die Seelsorge entdeckt. Ives hat die Geschichte außerdem verfälscht und entpolitisiert, bis zu dem Punkt, dass der einzige eindeutig bösartige Charakter einer der Diener ist, was Buñuels Gesellschaftskritik auf den Kopf stellt. Die zentrale Metapher bewegt sich von der Komplizenschaft des Patriziers mit dem Totalitarismus hin zur scheinbaren „Quatsch“ von COVID Isolation, in der viele von uns unseren inneren Ressourcen ausgeliefert waren. Es gibt sogar eine kleine Coda, in der die Charaktere uns erzählen, was sie am meisten „an dem Raum vermissen“. Niemand sagt Sauerteig, aber ich mache mir Sorgen, dass sie es gedacht haben.
Im Shed entstehen unglückliche Resonanzen zwischen dem „Here We Are“-Szenario und dem Veranstaltungsort selbst, einem kühlen Kulturpalast, der eine verwirrende Reihe von Rolltreppen enthält, die die Richtung wechseln, wenn man nicht hinschaut. Wenn Sie die Hudson Yards verlassen, strahlen Sie jedoch Wärme mit sich. Der Rest der Stadt ist jetzt wie eine riesige singende Totenwache voller Sondheim, mit atemberaubenden Wiederaufnahmen von „Sweeney“ und „Merrily“ am Broadway und einer Konzertaufführung von „The Frogs“, einem seiner tieferen Stücke, das zum Jazz kommt im Lincoln Center. Auch wenn das Sondheimiest-Material bei „Here We Are“ nach zwei Dritteln abfließt, ist der Abend immer noch von einem gewissen vertrauten Klangmuster geprägt, einem Intervall, das nur Steve schaffen kann und das in der Mitte erschütternd nach oben hüpft Mitte einer Phrase. Es ist ein Ohrwurm, also folgt es Ihnen aus dem Schuppen, in die U-Bahn und den ganzen Weg nach Hause. Man hört es und weiß, dass Sondheim irgendwo in der Nähe war. Vielleicht war er hier und du hast ihn vermisst? Vielleicht ist er nur in einem anderen Raum. ♦