BRIDGEHAMPTON — Stanley Whitney beginnt jedes Gemälde auf die gleiche Weise. Wie ein Maurer malt der 74-jährige Künstler ein horizontales Band entlang der oberen Kante der Leinwand und legt dann satte Farbblöcke von links nach rechts quer und abwärts in einem lebendigen, wackeligen, improvisatorischen Raster ab.
„Es ist wie Anruf und Antwort – die Bilder sagen mir, was ich zu tun habe“, sagte Whitney, die mit einem Schlag durch die Schritte gehen oder nach vorne oder hinten springen kann, wie es die Leinwand erfordert. In den letzten drei Jahrzehnten hat er jedes Mal, wenn er malt, Miles Davis’ „Bitches Brew“ aufgedreht. “Es bringt mich in die Zone”, sagte er. „Du wirst sozusagen zur Musik.“
Auf großen und kleinen Leinwänden, die die Wände seines geräumigen neuen Ateliers umgaben, erreichte Whitney eine herrliche Vielfalt in Palette, Rhythmus, Nebeneinanderstellung und Berührung. Viele dieser im letzten Jahr entstandenen Gemälde werden am 2. November in „Stanley Whitney: TwentyTwenty“ in der Lisson Gallery in Chelsea zu sehen sein.
Der Künstler Adam Pendleton, der eine Reihe von Gemälden und Zeichnungen von Whitney besitzt, bewundert die „beharrliche Hingabe seines älteren Kollegen an einen Werkzeugkasten, der fest erscheint, aber in all seinen Möglichkeiten, wie er ihn auflöst, unendlich ist“, sagte er. In Whitneys langjähriger Beschäftigung mit dem Raster geht es darum, „wie man visuelle Ordnung aufbricht und sie mit Musik, mit Leben, mit einer Art Poetik durchdringt“.
Whitney und seine Frau, die Malerin Marina Adams, haben gerade ein zweijähriges Projekt mit dem Bau ihrer beiden benachbarten Studios und ihres Hauses in Bridgehampton abgeschlossen, allesamt hohe scheunenförmige Strukturen aus wartungsarmem industriellem Black Metal. Whitney malte jahrzehntelang im Flur der Wohnung des Paares am Cooper Square in Manhattan. Der Erfolg ließ nur langsam auf sich warten.
Whitney kam 1968 zum ersten Mal nach New York, um abstrakt zu malen, zu einer Zeit, als von schwarzen Künstlern erwartet wurde, gegenständliche Werke zu schaffen, die das afroamerikanische Leben widerspiegelten, und die Malerei selbst in der Kunstwelt in Ungnade geriet. „Als junger schwarzer Künstler war das an sich schon eine sehr radikale Position“, sagte Alex Logsdail, Executive Director von Lisson.
„Ich war schon immer ein Colorist“, sagte Whitney, der 1972 seinen MFA in Yale machte und sich von Künstlern wie Matisse, Cezanne, Pollock und Rothko ausborgte, als er herausfand, wie er malen wollte und wie er in die New Yorker Szene passte ignorierte ihn weitgehend. „Ich ging in alle Galerien, ging in mein Studio und sagte: ‚Nun, Stanley, du siehst, was sie mögen, willst du das weiter machen?’“, erzählte er. “Und ich würde sagen: ‘Ja, ich möchte das weiter machen.'”
Die Kunstwelt hat endlich aufgeholt.
Gleichzeitige Ausstellungen im Jahr 2015 im Studio Museum in Harlem und in der Karma Gallery in der Innenstadt brachten Whitney Kritikerlob ein, als Museen und Händler im Großen und Ganzen begannen, die Arbeit marginalisierter Künstler neu zu bewerten. Lisson begann kurz darauf mit seiner neunten Einzelausstellung von Whitney in den Räumen der Galerie in New York und Europa. „Light a New Wilderness“ (2016) stellte für den Künstler in diesem Jahr bei Christie’s London mit 525.000 Pfund (mehr als 700.000 US-Dollar) einen Auktionsrekord auf, fast das Dreifache seiner hohen Schätzung. Und Whitneys erste Retrospektive ist für 2023 im Buffalo AKG Art Museum (ehemals Albright-Knox Art Gallery in Buffalo) geplant, organisiert von seiner Chefkuratorin Cathleen Chaffee.
„Mir wurde klar, wie wichtig es wäre, eine größere Ausstellung dieser Werke zu schaffen, von seinen formalen Experimenten in den 70er Jahren bis zu diesen iterativen Gemälden der letzten 20 Jahre, die sich in Raum und Zeit in Beziehung zueinander entfalten können“, sagte Chaffee. Sie verglich Whitneys ausgereifte Praxis mit der von Giorgio Morandi, Josef Albers und Agnes Martin, die alle ihre Freiheit innerhalb einer Reihe von Grenzen fanden, die sie selbst geschaffen hatten.
Im April organisiert Chaffee für die Biennale in Venedig mit dem Kurator Vincenzo de Bellis im Palazzo Tiepolo Passi eine Präsentation von Whitneys Gemälden, die seit den frühen 1990er Jahren in Italien entstanden sind, ein entscheidender Wendepunkt in seiner Praxis. Frustriert über seine Unsichtbarkeit in New York, nutzte Whitney, der seit 1973 wöchentlich nach Philadelphia pendelte, um an der Tyler School of Art and Architecture zu unterrichten, die Gelegenheit, ab 1992 mit seiner Frau für fünf Jahre nach Rom zu ziehen. Dort begann Whitney, inspiriert von der Masse, Dichte und einfachen Geometrie des Kolosseums und des Pantheons sowie der Pyramiden auf einer Reise nach Ägypten, in seinen Allover-Kompositionen den Raum um die Elemente zu kollabieren und zu verdichten.
“Ich hatte die Idee, Dinge zu stapeln”, sagte Whitney. „Ich wollte ein System, das man sofort sehen kann.“
Die Ausstellung in Venedig umfasst Werke aus den 1990er Jahren, die in ihren klirrenden, gestischen Rastern eine klare Beziehung zur antiken Architektur zeigen, und raffiniertere Leinwände, die in den letzten zwei Jahrzehnten während der Sommer gemalt wurden, die Whitney und Adams in einem Haus verbrachten, das sie außerhalb von Parma gekauft hatten, und dies widerspiegeln den Einfluss von Morandis meditativen Stillleben.
Whitneys erster Museumsauftrag wird nächsten Monat mit der Eröffnung des neuen Ruth R. Marder Center for Matisse Studies des Baltimore Museum of Art bekannt gegeben. Dort hat Whitney seine Liebe zu Matisses organischer Linie und lebendigen Farben in drei großformatige Buntglasfenster mit dem Titel „Dance With Me Henri“ kanalisiert.
„Stanleys Arbeit dreht sich so sehr um durch Farbe gebaute Strukturen, er ist ein Naturtalent für einen großen Architekturauftrag“, sagte Katy Siegel, leitende Kuratorin des Museums für Forschung und Programmierung. In Interviews hat Whitney oft darauf hingewiesen, dass Matisse während des Krieges seine sinnlichen Arbeiten in Nizza malte, mit Nazis auf den Straßen – ein Bild, das Whitney nicht unähnlich beschreibt, wie er sich Mitte der 60er Jahre als Student im Keller des Kansas City Art Institute beschrieb , da draußen die Bürgerrechtsbewegung tobte.
“Er bezieht sich auch auf dieses Gefühl von Matisse”, sagte Siegel, “dass man diese sehr herausfordernden Zeiten durchleben kann, aber Arbeiten macht, die von Ihrer eigenen Freiheit als Künstler handeln und nicht von bestimmten politischen Botschaften, die leicht lesbar sind.”
Letztes Jahr machte eine Ausstellung von Whitneys Skizzenbuchzeichnungen in Lisson mit dem Titel „No to Prison Life“ zugunsten des Art for Justice Fund der Philanthropin Agnes Gund „offensichtlich die politische Aussage in den Werken, die man nicht als politisch bezeichnen würde, “ sagte Logsdail, der Händler des Künstlers. Umrahmt vom Thema Inhaftierung „verwandelten sich plötzlich die ursprünglichen Gitter und abstrakten Formen in eine klaustrophobische und verschlossene Zelle“, schrieb Gund in einer Erklärung zu der Show. (Whitneys Leinwand „Von der Liebe der Ungeliebten“ von 2004 hängt prominent in Gunds Wohnung, anstelle des Gemäldes von Roy Lichtenstein, das sie verkaufte, um ihren Fonds zur Reform des Strafrechtssystems zu gründen.)
Eine Zeichnung mit umständlichen Graphitlinien mit dem Titel „Always Running From the Police – NYC 2020“ verweist auf Whitneys eigene Erfahrungen, die in Bryn Mawr, Pennsylvania, aufgewachsen sind, wo seine Familie über dem Schuhgeschäft seines Vaters lebte. “Sobald wir aus dem Zug stiegen, hielt uns die Polizei an”, sagte Whitney, der als junger Teenager gerne mit seinem Freund nach Philadelphia ging, um zu zeichnen. „Ein Polizist hat mich jeden Tag nach der Schule angehalten. Es war ein Spiel, das wir gespielt haben. Ich dachte, das wäre das Leben.“
An der Kunsthochschule im Mittleren Westen kombinierte Whitney Aspekte neuer Entdeckungen wie Munch, Courbet und Velazquez mit seinem Selbstporträt. Aber das psychologische Gespräch rund um diese Arbeit gefiel ihm nicht und er hörte auf. 1968 wurde er in einem Sommerprogramm am Skidmore College zum Liebling seines Lehrers Philip Guston, damals ein Abstrakter Expressionist an der Schwelle zu einem radikalen Stilwandel. „Ich traf ihn, als er sich verirrte und ich war verloren, obwohl ich von der Figuration zur Abstraktion überging und er in die andere Richtung ging“, sagte Whitney, der Guston zuschreibt, dass er ihm beigebracht hat, wie man ein Gemälde zusammensetzt, und ihn für eine Programm, das ihn nach New York City brachte.
Whitney beschrieb, ein „Zeuge“ der Kunstwelt zu sein, der ein Jahrzehnt lang mit Robert Rauschenberg eng verbunden war, der ihn vielen Menschen in seinem Haus vorstellte. “Rasse war immer ein Faktor”, sagte Whitney. „Sie wollten, dass du ihr angesagter Schwarzer bist und ich war kein Entertainer.“ Er kannte die anderen schwarzen Künstler, die in den 1970er Jahren in der Innenstadt arbeiteten, darunter Jack Whitten, Al Loving, McArthur Binion und James Little. „Aber wir waren wirklich auf uns allein gestellt“, sagte er. “Alle hatten so viel zu kämpfen.”
Whitney hat von Whitten gelernt, wie man gut lebt. „Jack ging jeden Sommer nach Griechenland und hatte ein gutes Leben, egal ob die Kunstwelt mit ihm zu tun hatte oder nicht“, sagte Whitney, der seinem Beispiel folgte und jeden Sommer nach Italien reiste. Über Whittens eigenen dramatischen Vermögenswechsel, der vor seinem Tod im Jahr 2018 durch die Mega-Galerie Hauser & Wirth dargestellt wurde, sagte Whitney: “Jack wusste, dass er es geschafft hat.”
Zu beobachten, wie sich Whitney mit dem Alter verbessert, war für den Maler Odili Donald Odita inspirierend, der sich mit dem Künstler anfreundete, nachdem er 1995 seine Ausstellung in der Skoto Gallery gesehen hatte. „Ich sehe ihn immer noch als Mentor und Maßstab dafür, was es heißt, als Handwerker erfolgreich zu sein und großartige Gemälde zu machen und zu versuchen, sie besser zu entwickeln“, sagte Odita.
Whitney sagte, er erwarte seine Retrospektive mit einer Mischung aus Aufregung und Beklommenheit. „Es wird interessant sein zu sehen, was ich getan habe“, sagte er. “Du willst sehen, ob du mit den großen Jungs abhängen kannst.”