Models auf Ozempic, umwerfende Typen in Pailletten, Superstars, wohin man auch blickt: Schauen Sie, es ist King James! Meine Güte, da ist Rihanna! OMG, Beyoncé! Diese Schreie, die du hörst? Fangirls verlieren den Verstand für Cha Eun-woo, die hübsche Sängerin der K-Pop-Boygroup Astro.
Die vergangene Woche stand ganz im Zeichen der Mode als SEO-Experiment, als Testfeld für eine sich ständig weiterentwickelnde, zunehmend monokulturelle globale Ökologie von Luxusgütern. Ja, es gab talentierte Indies. Es gab große Meister außerhalb des Mainstreams, allen voran Rei Kawakubo. Es gab einige erfahrene und gefeierte, wenn auch nicht ausreichend anerkannte Talente wie Grace Wales Bonner. Es gab Überlebende wie Kim Jones bei Dior Homme und viele begabte Neulinge, die Herren- und Damenmode und, nun ja, alles dazwischen zeigten.
Nehmen wir zum Beispiel Marine Serre, die ihr bislang kommerziellstes Riff über recycelte Garnabfälle und Restbestände serviert hat, hier als Rüstung für Krieger der urbanen Nacht dargestellt (sowie als Molls im Trash Drag). Wir hören einen Applaus für ein Abendkleid aus Granny Afghan. Versuchen Sie mal, das bei der Met Gala zu rocken, Lil Nas X.
Stellen Sie sich Rick Owens vor, der im völligen Untergangsmodus draußen auf dem Flussuferplatz des Palais de Tokyo zu sehen ist, als hätte er keinen Wetterbericht gesehen. Die vorhergesagten Gewitter kamen nie, und dennoch überschüttete Herr Owens die Gäste mit Schießpulver und schwefelhaltigen Nebelkränzen von Feuerwerkskörpern, die auf Gerüsten montiert und in den Pariser Himmel geschossen wurden.
Die Show trug den Titel „Lido“ nach Mr. Owens‘ Badeurlaub in Venedig, hatte aber mehr als nur einen Hauch von Burning Man. Einem Beobachter würde es schwer fallen, klare Verbindungen zwischen der sanften Küstenlandschaft der venezianischen Lagune und Mr. Owens’ streng einengenden Opfergaben zu finden: spitze Schultern wie die knospenden Flügel dunkler Engel; hoch taillierte Hosen mit langen Säumen, die wie die abgewickelten Wickel eines Mumieleichens herabhängen; High-Top-Versionen von therapeutischen Beinstützen und brutalistischen „Betonsandalen“ – vielleicht das Richtige für einen endgültigen Sprung in die Adria.
Es gab auch Studien zu kühler Eleganz, wie bei Dries Van Noten. Wie der berühmte Geysir kann man sich darauf verlassen, dass dieser Designer liefert, manchmal mit Ausbrüchen aus dem kreativen Kern, manchmal mit flüchtigen Stößen. Dieser Anlass wurde als etwas dazwischen registriert.
Das heißt, er lieferte unumstrittene Gabardine-Hosen, die unter Trenchcoat-Röcken getragen werden, Twin-Sets für Männer, gestrickte Samtstoffe, Mousseline-Hemden mit Brustwarzenblitzen und vor allem paillettenbesetzte Shorts. Wir haben bereits Versionen davon von anderen Designern gesehen. Doch die Unbeständigkeit der Mode ist so groß, dass sie plötzlich äußerst tragbar wirkten.
Ein Teil davon ist der Paris-Effekt. Neben Tokio hat diese Stadt unter den großen Hauptstädten der Welt die größte Fähigkeit, das Ausgefallene zu rahmen. Vor diesem Hintergrund wirken die Scharen von Rei-Kawakubo-Anhängern, die in Hosen mit Glockensäumen oder dekonstruierten Gehröcken oder anderen ausgefallenen Gewändern über den Moderialto der Rue St.-Honoré schlendern, wie willkommene Gesandtschaften aus fernen Galaxien.
Janet Flanner, die brillante Paris-Korrespondentin des New Yorker, bemerkte einmal, dass Picasso selbst als Genie mehr Begabungen hatte, als er einsetzen konnte. Möglicherweise lässt sich das Gleiche auch von Frau Kawakubo sagen, die wie Picasso in seinen 80ern kaum Anzeichen einer Verlangsamung des Tempos zeigt.
„Um eine neue Welt zu finden, müssen wir über die Realität hinausgehen“, sagte Frau Kawakubo in einer gnomischen Notiz, die ihren Comme des Garçons-Kollektionen beigefügt war. Natürlich könnte man argumentieren, dass auch das Gegenteil der Fall ist.
Für die aktuelle Kollektion zeigte Frau Kawakubo schwarze Gehröcke mit Kragen, deren Taillenbund die Säume umgekehrter Shorts darstellte; doppellagige Jacken; umgedrehte Hosen; Dschungeldrucke; und Gary Card-Stirnbänder, in die etwas eingebettet war, das wie Treibgut aussah. Oh, und da waren die Oxford-Schuhe direkt von Meret Oppenheim. Kamen oder gingen die Träger in richtig angefertigten, wenn auch surrealistischen Oxfords mit zwei Schuhen pro Fuß, entweder geschichtet oder in unterschiedliche Richtungen gerichtet?
Wo Frau Kawakubo kühl und geistig ist, trägt Mike Amiri Aufrichtigkeit im Ärmel. Als er sich am Ende seiner Show mit seiner Familie verbeugte, war es schwer, der Begeisterung für diesen kalifornischen Selfmade-Designer zu widerstehen, der mehrere Saisons lang in Paris ausstellte und seine treuen Kunden dazu drängte, mit ihm mitzumachen Der Geschmack verschiebt sich weg von Streetwear hin zu Soft Tailoring und lässt den stets jugendlichen Kult der Sneakerheads hinter sich.
Offiziell war Mr. Amiris Inspiration ein entspannter Los-Angeles-Stil. Was es eher ähnelte – Hemden und lange Shorts aus Leder, geflochten wie Bistrostühle, alberne Blumenverzierungen, Shorts und Hemden wie Cabana-Sets – war Kleidung für reiche Miamier. Wenn Sie akzeptieren, dass die Geografie ein kommerzielles Schicksal ist, ist Südflorida die nächste Station der Modekarawane.
In einem vollen Terminkalender, der bewies, dass die Modenschau nicht in Gefahr ist, zu verschwinden, gab es einige Shows, die scheiterten, wie zum Beispiel Showroom-Termine, die sich als etwas anderes ausgaben. (Ja, Sie, Officine Générale.) Es gab bombastische Statements wie die Jubiläumskollektion von Kim Jones bei Dior Homme (er hat dort fünf Jahre überlebt, ein Leben lang im Luxusgüterhandel), vollgestopft mit feiner, kastenförmiger Schneiderkunst, die einen fast an seine nächste denken ließ Halt kann Chanel sein.
Und es gab Momente puren Theaters und gehobenen Designs. Das Beste davon wurde von Jonathan Anderson bei Loewe produziert und im Stallhof der Elite-Garde Républicaine aus dem 18. Jahrhundert aufgeführt – Frankreichs Version der Royal Horse Guards.
Herr Anderson scheint oft der seltene Vordenker der Branche zu sein, ein Designer, der auf eine Weise mit der Kultur verbunden ist, die wenig mit dem trashigen Windschatten der sozialen Medien zu tun hat. Die Springbrunnen, die das Herzstück seiner Ausstellung bildeten, waren ein Werk der amerikanischen Bildhauerin Lynda Benglis, große Bronze-Extrusionen, die an organische Eruptionen oder gefrorene Wellen erinnerten. Sie bildeten einen schönen Ausgleich zur Strenge von Mr. Andersons Entwürfen, zu denen Hosen mit einer so eng anliegenden und hohen Taille gehörten, dass der Oberkörper in eine Brust verwandelt wurde, kastenförmige graue Pullover wie die Colorforms-Modelle und komplett mit Pailletten besetzte Hemd- und Hoseneinzelteile.
Sie erinnerten an die glitzernden 60er Jahre, insbesondere an Andy Warhols mit Folie bedeckte Silberfabrik, die zufällig von einer Ausstellung in der Gagosian Gallery am Place Vendôme heraufbeschworen wird. „Es war die perfekte Zeit, über Silber nachzudenken“, schrieb Warhol später über diese Zeit und sein sagenumwobenes Atelier. Silber sei sowohl die Zukunft als auch die Vergangenheit, stellte er fest. Astronauten trugen es. Darin wurden Hollywood-Schauspielerinnen aus dem Goldenen Zeitalter fotografiert. Am wichtigsten ist, dass die Spiegel mit Silber hinterlegt sind. „Silber war Narzissmus“, sagte Warhol. Kann irgendjemand daran zweifeln, dass er wie üblich das nächste Zeitalter des Narzissmus prophezeite, das von TikTok und Instagram?
Angesichts dessen erscheint die kommerzielle Logik, nach der der neue CEO von Louis Vuitton, Pietro Beccari, Pharrell Williams mit der Gestaltung seiner Herrenkollektion beauftragt hat, so unwiderstehlich wie ein Bulldozer.
Lassen Sie die Kritiker über die Designvorschläge von Mr. Williams schimpfen, die in gewisser Weise inmitten eines zig Millionen Dollar teuren Spektakels an einem Abend verloren gegangen sind, an dem Vuitton das Zentrum von Paris kolonisierte und den sagenumwobenen Pont Neuf eroberte. Bemalen Sie es im Muster seines Markenzeichens Damier-Druck; und den Gospelchor „Voices of Fire“ aus Virginia, dem Heimatstaat von Mr. Williams, zu importieren, um eine mitreißende Komposition von ihm mit dem Titel „Joy (Unspeakable)“ zu singen, die die schwarze Spiritualität als Werbeträger für unverfrorenen Materialismus nutzte. („Wenn du es willst, kannst du es haben!“, schmetterten sie. „Wenn du es brauchst, kannst du es haben!“)
In einer konsolidierten Luxusgüterbranche, in der drei Gruppen (LVMH, Kering und Richemont) fast das gesamte Ökosystem kontrollieren, kommt die Markteroberung der einzig wahren Religion gleich. Designer sind seine Missionare, und am Dienstagabend schien Mr. Williams genau die Person zu sein, die uns alle auf dem Weg zur Bank zur Kirche begleitete.
Zur Überraschung von niemandem, der mit Mr. Williams‘ Wohlfühlmusik vertraut war, waren die Kleidungsstücke rein kommerziell („Jedes einzelne Ding wird sich verkaufen“, wie ein Einzelhändler sagte). Vieles davon war in einem gepixelten Damouflage-Muster wiedergegeben, das eine Schuld darstellte zu einem früheren Experiment von Mr. Williams’ Freund Nigo bei Kenzo; Versionen der mittelhohen Regenstiefel mit Stollensohle, die Kanye West schon seit einiger Zeit verkauft; Damier Denim-Trenchcoats, Anzüge, Biker- und College-Jacken; Mary-Jane-Schuhe; und die überaus wichtigen Keepall-, Alma-, Neverfull- und Speedy-Taschen, um die es, seien wir ehrlich, bei den Louis Vuitton-Shows wirklich geht.