Steven Spielberg hat während seiner gesamten Karriere Filme gemacht, die sich wie Musicals anfühlen. Nein, der furchterregende Hai von Kiefer und Dinosaurier von Jurassic Park schmetterten keine Melodie, und Helden wie Indiana Jones und Tintin tanzten nicht durch ihre Versatzstücke, aber sie hätten es genauso gut sein können. Spielberg ist ein Experte für die sorgfältige Choreographie von Camera Blocking; Seine Gabe, komplizierte Bewegungsabläufe massenhaft leserlich zu kommunizieren, sucht seinesgleichen. Die Ankündigung, dass er endlich ein ausgewachsenes Musical in Angriff nimmt, war also vollkommen logisch – eine Herausforderung, der er eindeutig gewachsen wäre.
Eine noch größere Herausforderung hat sich Spielberg mit dem Remake gestellt West Side Story, eine bahnbrechende Show, die bereits in einen Best Picture-Gewinner verwandelt wurde. Filmmusicals sind so schon selten genug, und sie werden selten neu gemacht. Aber die 1961 West Side Story, unter der Regie von Robert Wise und Jerome Robbins, ist visuell immer noch so dynamisch, dass sich einige seiner Rahmen in unser kollektives kulturelles Gedächtnis eingebrannt haben. Gibt es nach 60 Jahren Raum für Erweiterungen oder Neuinterpretationen? Ich hätte mir keine Sorgen machen sollen: Spielbergs West Side Story ist ein charismatisches Schaufenster für alles, was er auf der großen Leinwand am besten kann, und ein wirklich durchdachtes Update, das sanfte und prägnante Neuanordnungen vornimmt, um seine blecherne Rückkehr in die Kinos zu rechtfertigen.
Dies West Side Story ist geschrieben von Tony Kushner, der mit Spielberg an den würdigen, grübelnden historischen Dramen zusammengearbeitet hat München und Lincoln, die beide erfolgreich verworrene Biografien moralischer Entscheidungsfindung in große Massenunterhaltung übersetzten. Leonard Bernstein und Stephen Sondheims gefeiertes musikalisches Update von Romeo und Julia ist nicht ganz so kompliziertes Ausgangsmaterial, aber Kushners Herausforderung hier war delikater. Er musste einen Weg finden, um eine Geschichte zu optimieren, die einige Kritiker für hoffnungslos veraltet halten, eine Saga von Ganglandkriegen auf Manhattans Upper West Side zwischen den weißen Jets und den Puerto Rican Sharks, die Messerkämpfe mit balletischen Wirbeln mischt.
Es ist ihm meisterhaft gelungen. In der Eröffnung des Films kontextualisiert Kushner das Gebiet der West Side, um das die Jets und Sharks streiten: Das Viertel wurde gepflastert, um das Lincoln Center zu bauen, als Teil eines umfassenderen Vorstoßes für die „Stadterneuerung“, die ganze Viertel und Lebensweisen auslöschte. Er unterstreicht die Sinnlosigkeit der Bandenfehde, aber auch die Verzweiflung, die sie antreibt – dieses Land wird von der Stadt verraten, aber es ist immer noch von enormer Bedeutung für seine Bewohner. Die Jets, angeführt von dem funkelnden, wütenden Riff (Mike Faist), sind kriminelle Kinder, die an ihrem Status als Eingeborene festhalten, um ihrem Leben einen Sinn zu verleihen; Die Haie, angeführt von Bernardo (David Alvarez), werden durch stolzes Singen von „La Borinqueña“ (Puerto Ricos offizielle Hymne) bei der Polizei eingeleitet, bevor Riff überhaupt die Eröffnungstakte des trotzigen „Jet Song“ beginnen kann.
Der gesamte Film ist mit etwas mehr Realismus (und viel mehr Drehorten) als das Original von Wise und Robbins gedreht und verzichtet auf das kühne Technicolor und die klassische Choreographie dieser Arbeit. Es hat auch, entscheidend, ein Ensemble von Latino-Schauspielern, die die Haie spielen, im Gegensatz zu den vielen weißen Schauspielern des Originals in vielen dieser Rollen. Dieses Remake ist lebendig und lebendig – ohne Angst vor seinem Status als Musical. Die Schlägereien und Messerkämpfe mögen zwar bedrohlicher sein, aber Riff und Co. wirbeln und springen immer noch durch die Straßen, wenn sie Ärger machen, diesmal dank der wunderbar ausdrucksstarken Tanznummern des Choreografen Justin Peck. Am wichtigsten ist, dass Spielberg die Sorgfalt und Geduld aufbringt, Tanznummern richtig zu präsentieren und lange, breite Einstellungen anstelle des deprimierenden Trends der Nahaufnahmen zu bevorzugen, der die Handlung unaufhörlich unterbricht.
Spielbergs Liebe zum visuellen Detail bedeutet, dass er die Erhabenheit jeder großen Sequenz aufbauen kann (“America”, “I Feel Pretty” und der viel geliebte mehrteilige Tanz im Fitnessstudio sind klare Herausragende). Genauso fein abgestimmt ist er auch auf die kleineren Emotionen der Erzählung. Als der halbpensionierte Jet Tony (Ansel Elgort) ins Geschehen gerät und sich sofort in Bernardos Schwester Maria (Rachel Zegler) verliebt, bringt Spielberg ihre Teenager-Affäre mit so viel Energie wie einer Tanznummer mit Dutzenden von Statisten zum Knistern. Tonys und Marias Liebeserklärungsszene, in der sie auf einem Balkon steht und er eine Feuerleiter erklimmt, um ihr „Tonight“ vorzusingen, hat eine ehrliche Dringlichkeit, in der Tony sein Gesicht gegen ein Metallgitter drückt, nur um sich vorher zu nähern er beginnt, das Gebäude zu skalieren.
Elgort, der die steifste Rolle des Musicals spielt, ist in Ordnung – er kann gut die sängerische, samtigere Seite von Tonys Persönlichkeit verkörpern, aber ein wenig fadenscheinig, wenn es um die großen, tragischen Emotionen des letzten Akts des Films geht. Zegler, ein relativer Unbekannter, den Spielberg aus dem Internet gepflückt hat, bietet eine atemberaubende, sofortige Superstar-Performance, die in Hollywood einmal in jeder Generation vorkommt, Charme und Intelligenz ausstrahlt und Maria zu mehr als einer verliebten Unschuldigen macht. In den auffälligen Nebenrollen ist Alvarez hervorragend als Bernardo und Ariana DeBose noch besser als seine Verlobte Anita, während Faists sehnige, aufgeladene Arbeit als Riff eine echte Offenbarung ist.
In einem weiteren cleveren kleinen Update wurde der freundliche Apotheker aus dem Original, Doc, durch eine Figur namens Valentina ersetzt, gespielt von Rita Moreno (die Anita im Film von 1961 spielte). Die Besetzung ist sentimental, ein Rückschlag, aber Kushner arbeitet zu seinem Vorteil und macht die lebenswichtige Stimme der Weisheit der Geschichte zu einem puerto-ricanischen Schauspieler – aber auch zu jemandem, der von der Freude und Tragik des Originalfilms gefärbt ist. Es veranschaulicht den kniffligen Balanceakt, den Spielberg mit solch überraschender Anmut vollbracht hat, indem er einem Klassiker die gebührende Ehrerbietung und Respekt zollt und gleichzeitig etwas Frisches hervorbringt.