Von den Umfragen zur zeitgenössischen Kunst im Herbst freue ich mich am meisten „Hergestellt in LA 2023: Acts of Living„,“ (1. Okt. – 31. Dez.) die sechste Auflage der stets aufschlussreichen alle zwei Jahre stattfindenden Übersichtsarbeit des Hammer Museums über Kunst aus der Gegend von Los Angeles. Die illustrierte Checkliste – alles, was Sie tun müssen, bevor eine Show tatsächlich eröffnet – ist durch Handarbeit und Farbe greifbar. Es hat Körperwärme.
Viele der Gemälde und Objekte in der Ausstellung haben einen Assemblage-Unterton, der sich am deutlichsten in der häufigen Verwendung gefundener Objekte und Materialien zeigt, die neue politische Gedankenstränge hinzufügen. Einige Werke spiegeln den langen Arm der Konzeptkunst wider; Außenseiter und Volkskunst, Handwerk und indigene Traditionen werden weiter verewigt, wie etwa in den Gemälden der autodidaktischen Achtzigjährigen Jessie Homer French.
Zurück in New York werden zwei der einflussreichsten Künstler der Los Angeleser Kunstszene – die im Abstand von 20 Jahren geboren wurden und symbolisch für sehr unterschiedliche Phasen der Kulturgeschichte der Stadt stehen – beträchtliche Flächen in großen Museen einnehmen. Das Museum of Modern Art wird seine riesige sechste Etage mit füllen „Ed Ruscha / Jetzt dann” (10. September – 13. Januar 2024). Die bisher umfassendste Übersicht über die sechs Jahrzehnte währende Karriere des Künstlers zeigt 200 Werke, beginnend im Jahr 1958, zwei Jahre nachdem Ruscha, ein sauberer High-School-Absolvent aus Oklahoma, nach LA kam, um kommerzielle Kunst zu studieren. Eine subversive Vorstellung von bildender Kunst griff ein und Ruscha wurde zum Inbegriff der LA-Coolness der 60er Jahre (meist weiß), mit Werken, die oft die relativ bescheidenen Formen von Filmen, Fotografien und Künstlerbüchern hervorhoben, sowie Gemälden, die die glänzende Leichtigkeit von Werbung hatten.
Das Whitney Museum wird den größten Teil seiner riesigen fünften Etage einem Museum überlassen „Henry Taylor: B-Seite” (4. Okt. – 28. Jan. 2024). Kann ich nur sagen: Endlich!? Während ihrer sechsmonatigen Laufzeit im Museum of Contemporary Art in Los Angeles, wo sie von Bennett Simpson kuratiert wurde, erhielt Taylors Retrospektive begeisterte Kritiken. Jetzt wird es möglich sein, aus erster Hand zu sehen, wie Taylor, geboren 1958, zu einem der größten Maler dieses Landes wurde. Seine kraftvollen, manchmal rätselhaften Bilder zeigen nahezu jeden Aspekt des schwarzen Lebens in Amerika und zeigen gelegentlich moderne Meisterwerke. Seine Leistung ist von entscheidender Bedeutung für einen Moment, in dem schwarze Kunst die gesamte amerikanische Kunstgeschichte neu gestaltet.
Einige dieser Umgestaltungen sollten auch in sichtbar sein „Unbenannte Zahlen: Schwarze Präsenz und Abwesenheit im frühen amerikanischen Norden„,“ im American Folk Art Museum (15. November – 24. März 2024). Dieses bahnbrechende Projekt wird die schwarze visuelle Kultur in Neuengland und den mittelatlantischen Staaten von 1780 bis 1850 in einer Präsentation von rund 125 Porträt- und Landschaftsgemälden, Fotografien, Drucken, Handarbeiten und Steinzeuggefäßen sowie einem 300-seitigen Katalog untersuchen.
Zwei der beliebtesten alternativen Räume New Yorks, beide 1972 gegründet, veranstalten Solo-Umfragen unter wegweisenden Künstlern verschiedener Generationen und deutlich unterschiedlicher Sensibilität.
MoMA PS1 startet seine Saison mit „Rirkrit Tiravanija: Viele Leute„,“ (12. Okt. – 4. März 2024) untersucht in etwa 100 Werken die komplexe Karriere eines der Begründer der „relationalen Ästhetik“, der Bewegung, die Kunst als vergänglich und partizipativ gegenüber endlichen Objekten betonte. Tiravanija (geb. 1961) warf den Fehdehandschuh in den 1990er Jahren mit Galerieausstellungen in SoHo hin, in denen er Pad Thai (1990, bei Paula Allen) und thailändisches Gemüsecurry (1992, in der 303 Gallery) zubereitete und servierte. Vieles folgte in verschiedenen Medien, von T-Shirts mit der Aufschrift „Angst frisst die Seele“ nach Werner Fassbinders Film von 1974 bis hin zu verchromten Möbelskulpturen, wobei die besten an der Schnittstelle von kollektivem Vergnügen und politischem Bewusstsein agierten.
Artists Space wird seine großen Galerien im Erdgeschoss diesem Thema widmen „Jonathan Lyndon Chase: Sein Bart ist weich, meine Hände sind leer” (8. September – 2. Dezember) mit Ausstellung von Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen, Videos, Gedichten und Installationen dieses überaus talentierten jungen Künstlers aus Philadelphia. Chase explodierte 2018 in der New Yorker Szene mit Werken, die in ihren überschwänglichen, aber zärtlichen Darstellungen der Intimität queerer Schwarzer, einschließlich Innerlichkeit, Verlangen und Alltagsleben, beispiellos wirkten.
Was ältere Kunst betrifft, wird in dieser Saison nichts mit der Größe und Bedeutung des Metropolitan Museum of Art mithalten können „Schauen Sie noch einmal: Europäische Gemälde 1300-1800„,“ Die Eröffnung findet am 20. November statt. Diese Galerien wurden 2013 erweitert und daher zum ersten Mal seit 50 Jahren neu überdacht und neu ausgerichtet.
Es war die größte Erneuerung, die das Met jemals durchgeführt hat. Natürlich ist es nicht so viel Arbeit wie das Hinzufügen eines neuen Flügels. Angesichts der gesellschaftlichen und politischen Umbrüche des letzten Jahrzehnts und ihrer Auswirkungen auf Kunst, Kunstgeschichte und Museen könnte dieser Zeitpunkt nicht besser gewählt sein. Die Pressemitteilung verspricht mehr Vielfalt: „erneute Aufmerksamkeit für Künstlerinnen“, „Europas komplexe Beziehungen zu Neuspanien“ und „die Geschichte von Klasse, Geschlecht, Rasse und Religion“. Schauen Sie noch einmal hin.
Anderswo im Met werden sich wie immer die großen Namen der Kunstgeschichte durchsetzen. „Manet/Degas” (24. September – 7. Januar 2024) untersucht die wechselnde Freundschaft, Rivalität und Kälte zwischen diesen beiden großen Ausreißern des Impressionismus. Eine der Hauptattraktionen der Ausstellung ist Manets bahnbrechendes „Olympia“ aus dem Jahr 1863, ein Gemälde einer nackten Frau, deren Verhalten – gerader Rücken und herausfordernder Blick – implizit, wenn auch unbeabsichtigt, als feministisch angesehen wurde. Als es erstmals 1865 im Salon ausgestellt wurde, sorgte es für Aufsehen. Dies wird sein erster Besuch in den Vereinigten Staaten sein.
„Schwindel der Farbe: Matisse, Derain und die Ursprünge des Fauvismus“ (13. Oktober – 21. Januar 2024), ein weiteres Paar an der Met, wird sich auf die Farbrevolution des Fauvismus konzentrieren, die im Sommer 1905 von Henri Matisse und André Derain formuliert wurde. Während ihrer neunwöchigen gemeinsamen Arbeit in Collioure, einer Küstenstadt in Südfrankreich, legten sie einen entscheidenden chromatischen Grundstein der Moderne. Oder vielleicht zwei: Ihr Umgang mit Farben war oft so roh wie ihre Palette.
Angesichts der übermäßigen Aufmerksamkeit für die Reichen und Berühmten in allen Teilen der amerikanischen Gesellschaft, „Max Beerbohm: Der Preis der Berühmtheit” in der New York Public Library (20. Oktober – 28. Januar 2024) scheint genau im Zeitplan zu liegen. Der Titel wirkt für „den unvergleichlichen Max“, wie George Bernard Shaw ihn nannte, etwas schwerfällig und moralisierend. Aber im London der Wende zum 20. Jahrhundert war die Aufmerksamkeit dieses Comic-Genies, sei es in Karikaturen, Essays oder seinen brillanten, manchmal illustrierten Briefen, ein Preis für die Berühmtheit. Zu seinen Themen gehörten Shaw, Oscar Wilde, Aubrey Beardsley und John Singer Sargent sowie er selbst. Neben 30 Karikaturen umfasst diese Schau Fotografien, Briefe, Bildbände und Drucksachen und ist die größte Beerbohm-Ausstellung hierzulande seit Jahrzehnten.