Schöne, zerbrochene Welten von Hayao Miyazaki

Große Künstler sind oft Opfer einer einzigen verstörenden oder unvereinbaren Idee, die sie einfach nicht in Ruhe lässt. Der Kinderanimationskünstler und Mangazeichner Hayao Miyazaki kehrt immer wieder zu einer zentralen, obszönen Frage zurück: Wie ist es, ein Kind in einer toten oder sterbenden Welt zu sein? In seiner postapokalyptischen Manga-Serie „Nausicaä aus dem Tal der Winde“ steht seine Heldin kurz vor dem Erwachsenwerden. Mit sechzehn Jahren ist sie einsam, begierig auf die Verantwortung als Erwachsene und untröstlich über die scheinbar unumkehrbare Zerstörung der Umwelt um sie herum, wo eine sich ausbreitende Seuche droht, eine Welt zu verdrängen, in der Menschen leben können. In seinem Film „Ponyo“ aus dem Jahr 2008 schneidet Miyazaki sowohl die Tragödie als auch die Romantik aus Hans Christian Andersens Geschichte „Die kleine Meerjungfrau“ heraus und macht aus Andersens Liebhabern, einem Landrattenprinzen und einer Meeresbewohnerprinzessin, Sosuke und Ponyo, ein ausgelassenes Paar Fünfjährige. Als Sosukes Haus am Meer von Überschwemmungen überschwemmt wird, bilden die beiden ein leichtes Band, das aus gemeinsamer Begeisterung und unverblümten, charmanten, lächerlichen Schlussfolgerungen entsteht. Miyazakis riesige Welten werden sorgfältig verschleiert, um das unsichere Verständnis seiner jungen Charaktere für die Realität widerzuspiegeln, und er passt diese Welten an die Kinder in ihren Zentren an: Nausicaäs verknöcherte, vom Krieg zerrissene Dystopie kann nur durch ihren idealistischen jugendlichen Eifer verändert werden , und obwohl die U-Boot-Mythologie von „Ponyo“ die vernünftigen Erwachsenen des Films verblüfft und erschreckt, sind seine kleinen Kinder mehr als bereit, einem Dinosaurier oder einem Meereszauberer zu begegnen.

Als Miyazaki 1983 mit der Vorproduktion der Filmversion von „Nausicaä“ begann – obwohl er die Geschichte nicht zu seiner eigenen Zufriedenheit abschließen würde, bis er den Manga elf Jahre später beendet hatte – schloss er auch die Arbeit an einem Aquarell-Manga namens „Shuna’s“ ab Journey“, über ein weiteres Kind, das in einer sich verschlechternden Welt aufwächst. Wie „Ponyo“ ist das Buch, das diese Woche in seiner ersten englischen Übersetzung von Alex Dudok de Wit veröffentlicht wurde, eine Adaption einer viel älteren Geschichte. Es ist eine Neuinterpretation des tibetischen Volksmärchens „Der Prinz, der sich in einen Hund verwandelte“ über einen Prinzen, der ein magisches Getreide findet, um sein hungerndes Volk zu ernähren. Die Geschichte wird allgemein als Metapher für die bedeutsame Einführung von Gerste auf dem tibetischen Plateau angesehen, die die beißende Kälte der Region überstehen kann.

In „Shuna’s Journey“ sind die Menschen eines namenlosen Dorfes an einem namenlosen Ort sehr arm; Ihre Ernte wächst nur langsam und ihre Tiere verhungern. Ein sterbender, alter Reisender stolpert ins Tal, wo er Shuna, dem Prinzen des Dorfes, ein paar seltsame, trockene Körner zeigt. Würden sie leben, erklärt er, wären sie so fruchtbar, dass sie die ganze Region erneuern könnten. Shuna ist jünger als Nausicaä, älter als Ponyo und einsamer als sie beide, aber er ist ebenso bestrebt, seine Umgebung in Ordnung zu bringen. Und so macht er sich, wie Märchenhelden in jeder Kultur, gegen den Willen der Dorfältesten auf sein treues Ross, ein langhaariges elchähnliches Wesen namens Yakul, auf den Weg. Er ist bewaffnet mit seinem Gewehr, der Handvoll toter Samen und der Hoffnung, dass er sein Dorf mit lebendigem Getreide wiederbeleben kann.

Das Buch ist wunderschön. Die Wüste von Miyazaki ist trocken und trostlos, aber während Shuna durch die verwüstete post- oder möglicherweise vorindustrielle Landschaft vordringt, werden ihre sanften Farbtöne immer lebendiger, das Rosa der Wüste weicht dem Weiß und Rot einer gefährlichen Stadt und ihrer verzweifelte Bevölkerung, das Blau einer schroffen Klippe, die die Heimat der Götter begrenzt, und das Grün einer mysteriösen Insel. Miyazakis Panels erstrecken sich oft über die Breite einer ganzen Doppelseite und erinnern an seinen rauen frühen Manga „People of the Desert“ über Verrat und familiäre Liebe auf der Seidenstraße. „Shuna’s Journey“ ist auch mit westlichen Comics im Gespräch, insbesondere mit denen des renommierten französischen Karikaturisten Mœbius, unter dessen Einfluss Miyazaki sagte, er habe den Film „Nausicaä“ gedreht. Die gegenseitige Bewunderung der beiden Männer brachte sie in einer gemeinsamen Galerieausstellung und kleinen Kooperationen zusammen: Miyazaki steuerte Kunstwerke zu einer Sammlung von Hommagen an Mœbius bei, die seinen stillen, auf einem Pterodaktylus reitenden Helden Arzach zeigt; Mœbius zeichnete für die erste englische Ausgabe ihrer Abenteuer ein ausziehbares Poster von Nausicaä und ihrem von leuchtenden Sporen umgebenen Eichhörnchenfuchs.

Wie Mœbius zeichnet Miyazaki mit perfekter technischer Präzision, selbst in dem zwangsläufig verschwommenen Medium Aquarell. Versteinerte, roboterähnliche Riesen sprenkeln die Landschaft, die Shuna durchquert, und umarmen ihre gigantischen Knie. Ein Team ochsenähnlicher Kreaturen zieht den achträdrigen Transporter eines Sklavenhändlers mit genieteten Metallseiten, die sich in einem Geschützturm über aufgemalten gelben Augen auflösen. Eine gerändelte Säule aus unbestimmtem Material, zutiefst mœboid, steht auf einer Waldlichtung; Nachts schwebt eine leuchtende Scheibe, die einem außerirdischen Luftschiff ähnelt, darüber, und menschliche Körper strömen aus einer Öffnung in ihrer Oberfläche in die Säule, die sie verschluckt. Für den französischen Karikaturisten, dessen Werk für Erwachsene gedacht ist, werden unheimliche Bilder wie diese auf die ironische Distanz des Surrealisten gehalten, aber Miyazakis seltsam gestaltete Kreaturen und Maschinen lassen die verwirrte Panik der Kindheit wieder aufleben. Wie Mœbius widersetzt sich Miyazaki jedoch tieferen Erklärungen, selbst wenn diese Wunder in seiner sorgfältig ausgearbeiteten Welt einen dringenden Zweck haben. In „Shunas Reise“ wissen wir nur, dass der Obelisk die vom Luftschiff gebrachten Menschen verschluckt hat; Uns wird nie gesagt, wofür es all diese Körper brauchte.

Miyazaki wurde 1941 geboren. Sein Vater Katsuji war ein Luftfahrtingenieur, dessen Firma Miyazaki Airplane Teile für den Mitsubishi A6M Zero herstellte, das Kampfflugzeug, das notorisch bei Kamikaze-Selbstmordanschlägen eingesetzt wurde. Seit seiner Kindheit liebt Miyazaki es, Technik im großen Stil zu zeichnen; Als Kind stellte das Zeichnen von Menschen eine zu große Herausforderung dar, also zeichnete er stattdessen Flugzeuge, Panzer und Schlachtschiffe. Seine Fantasien beinhalten oft Magie, und nur wenige von ihnen verpassen die Gelegenheit, ein fantasievolles Transportmittel zu zeigen, wie das riesige Luftschiff, das während des Höhepunkts von „Kiki’s Delivery Service“ abstürzt, oder der Bus, der in „My Neighbor Totoro“ auch eine Katze ist .“ (Das Ghibli-Museum in Japan ist der einzige Ort, an dem Miyazakis Kurzfilm „Mei and the Kittenbus“ zu sehen ist, der alle Arten von Fortbewegungsmitteln für Katzen zeigt, einschließlich Luftschiffe und Züge.) Der Protagonist des Films „Porco Rosso“ ist ein schneidiger , Bogart-artiger Pilot aus dem Ersten Weltkrieg, der durch einen Fluch in ein Schwein verwandelt wurde; Nach einem Flug über die Adria steigt er kurz mit seinem Wasserflugzeug in den Himmel auf. Dort sind es nur Flugzeuge, so weit das Auge reicht, eine transzendente Vision für unseren Helden, eine Art pazifistischen Roten Baron. Technik wird für unsägliche Zwecke eingesetzt, ist aber oft auch traumhaft schön. Ein Kind in Miyazakis Welt zu sein bedeutet, Angst mit Freude zu verbinden, wenn man mit einem der liebevoll gerenderten, maroden Piratenflugzeuge in „Porco Rosso“ oder den hoch aufragenden Idol-Robotern in „Shunas Reise“ konfrontiert wird.

Die Natur der ökologischen Katastrophe in Miyazakis Welten ist entnervend plastisch. Seine frühen Filme, die riesige, unfassbar mächtige Waffen imaginieren, die unumkehrbare Zerstörungen entfesselt haben und erneut drohen, sind Parabeln des Atomzeitalters für ein Japan, das eine beispiellose Katastrophe erlitten hat. Spätere Werke wie „Ponyo“ und der Film „Princess Mononoke“ von 1997 befassen sich eher mit Umweltschutz. Aber die Welt hat Miyazakis apokalyptische Vision eingeholt, und die ökologischen Zusammenbrüche selbst seiner älteren Werke lesen sich nicht mehr als Metaphern für vergangene Zerstörungsakte, sondern als Reflexionen der Gegenwart und Vorhersagen der nahen Zukunft.

So viel von „Shuna’s Journey“ bewegt und überrascht, weil der Leser desorientiert ist, in eine Welt geworfen zu werden, die sowohl großzügig detailliert als auch geizig mit Erklärungen ist. Es ist ein Gefühl, das sich auf wundersame Weise auch beim zweiten Lesen nicht verflüchtigt. Miyazaki widmet der Konstruktion seiner fiktiven Welten die gleiche Sorgfalt wie dem Zeichnen seiner fiktiven Flugzeuge, aber er scheint allergisch auf die Art von Hintergrundgeschichte zu sein, die in den USA während des Aufstiegs industrieller Superhelden, die an Erwachsene vermarktet werden, Fantasy-Comics und -Filme dominiert. Es wird keine Marvel-Version von „Shuna’s Journey“ geben, kein „Shuna’s Journey 2: The Voyage Home“, keine achtteilige HBO-Miniserie, in der die Sequenz näher erläutert wird, in der Shuna im „Land des Gottes“ auf eine Fülle wunderschöner Wassermonstrositäten trifft -Volk.” „Diese Dinge mögen vor langer Zeit geschehen sein; sie stehen vielleicht noch bevor“, warnt Miyazaki in den ersten Zeilen von „Shunas Reise“. „Niemand weiß es mehr so ​​genau.“

Auch hier hat der Autor dafür gesorgt, dass wir nicht mehr als seinen Protagonisten wissen, meistens weniger; Wir verlassen uns darauf, dass die Kinder in seinen Geschichten uns seine schönen, zerbrochenen Welten erklären und uns versichern, dass sie sie reparieren werden, wenn sie können. Vielleicht sind Shunas Götter einige geheimnisvolle Verwandte von uns in der fernen Zukunft, oder vielleicht lebten sie vor langer Zeit in einem Winkel der Geschichte, den bloße Erwachsene vergessen haben. Miyazaki ist nicht hier, um Erwachsene zufrieden zu stellen oder sie glücklich zu machen; Sein Fokus liegt weiterhin auf Kindern, und als Geschenk an sie hat er seine Welten von Kindern reparierbar gemacht, manchmal mit nichts mehr oder weniger Bemerkenswertem als einer Handvoll Getreide. Unsere eigene Welt, so hat er immer gesagt, sollte auch reparabel gemacht werden. ♦