Vieles von „Women Talking“ entfaltet sich als eine Art gehobenes Seminar, in dem theoretische Debatten über individuelle Schuld und systemische Ungerechtigkeit im dramatischen Rahmen eines geheimen Treffens präsentiert werden. Argumente kehren wieder und werden auf eine Weise durchgekaut, die häufiger auf der Bühne als auf der Leinwand zu sehen ist. „Unweigerlich wird es sich manchmal theatralisch anfühlen“, sagte Polley zu mir. „Davor wollte ich mich nicht scheuen. Aber ich wollte ihm diese Leinwand geben, wo er atmet.“ Obwohl die Kamera hauptsächlich auf die Gesichter der Frauen auf dem Heuboden gerichtet ist, wird eine schmerzhafte Diskussion von einer ergreifenden Sequenz von Nahaufnahmen der Teenager in der Gemeinde begleitet: Sind sie von der rücksichtslosen Frauenfeindlichkeit ihrer Ältesten so pervers? sie können weder körperlich noch geistig in die Zukunft der Frauen mitgenommen werden?
Angesichts der herausfordernden Fragen, die der Film über die Möglichkeit von Frieden und Zusammenarbeit zwischen den Geschlechtern aufwirft, fragte sich Luc Montpellier, Kameramann bei „Away from Her“ und „Take This Waltz“, ob er dieses Mal einen Schritt zurücktreten sollte . Er sagte mir: „Ich dachte, vielleicht ist das besser durch die Linse einer Kamerafrau. Viele von Sarahs männlichen Mitarbeitern dachten ähnlich.“ Polley glaubte jedoch, dass der Ausschluss ihrer männlichen Kollegen dem Geist der Erzählung widerspräche. Das Ziel der Frauen ist es nicht, eine Gesellschaft zu schaffen, aus der Männer dauerhaft verbannt werden, sondern vielmehr eine Lebensweise zu entwickeln, in der alle Mitglieder der Gemeinschaft aufblühen können. Montpellier fuhr fort: „Sarah sagte etwas Einfaches zu mir – worum es in dem Film geht alle, nicht nur Frauen. Es geht darum, wie wir miteinander umgehen.“ Montpellier forderte die männlichen Mitglieder seiner Crew jedoch auf, sich mit reflexartiger Kontrollausübung zurückzuhalten – so wie im Film selbst der sensible Lehrer August Epp aufgefordert werden muss, seine eigene Meinung zu zügeln. „Ich sagte ihnen: ‚Unsere Aufgabe bei diesem Film besteht in erster Linie darin, zuzuhören’“, sagte Montpellier.
Polley und die Produzenten hielten sich an ihre Vereinbarung über die Arbeitszeiten der Dreharbeiten – bis zum letzten Knirschen waren sie und die anderen Eltern in der Besetzung und Crew immer zum Baden zu Hause. Der Heuboden wurde auf einer Tonbühne in Toronto nachgebaut, und das Set war von riesigen blauen Leinwänden umgeben, auf denen Montpelliers Außenaufnahmen angebracht werden konnten. Rooney Maras kleiner Sohn war jeden Tag im Studio; Sie pflegte ihn oft zwischen den Setups. „Das war eine großartige Energiewende“, sagte Mara. “Es gibt nichts Besseres als ein Baby, um dich aus der Dunkelheit einiger der Dinge herauszuholen, über die wir gesprochen haben.”
Claire Foy sagte mir, dass die Arbeit trotz dieser unterstützenden Atmosphäre erschütternd war. „Es ist sehr selten, dass Sie in einer Szene sind, in der alle ist emotional angespannt“, bemerkte sie. „Ziemlich oft hat eine Person eine Art Episode, und alle anderen sind um sie herum versammelt. Aber alle unsere Charaktere mussten etwas besprechen, sich damit auseinandersetzen oder darüber nachdenken, was zutiefst traumatisierend ist.“ In einer Szene erklärt Foys Charakter ihre Bereitschaft, die Männer zu zerstückeln, die ihre kleine Tochter vergewaltigt haben. „Wenn ich bleibe, werde ich zur Mörderin“, sagt sie entsetzt. Um der Besetzung und der Crew bei der Bewältigung dieses Rohmaterials zu helfen, stellte das Produktionsteam eine klinische Psychologin, Lori Haskell, ein, die für private Beratungen zur Verfügung stand. Haskell erzählte mir, dass sie an dem Tag, an dem die Szene mit Foy gedreht wurde, zu Polley sagte: „Das wird so viel Kummer hervorrufen, weil es eine sexuelle Verletzung ist. Aber wenn Menschen wirklich traurig sind, geht es darum, nicht beschützt zu werden: „Es war niemand für mich da.“ Wenn Sie also jemanden sagen hören: „Das würde ich tun, um mein Kind zu beschützen“ – für Menschen, die diesen Schutz nicht erhalten haben, kommt das zur Sprache Welle von Schmerz und Trauer.“
Vor fast zwanzig Jahren erwog Polley, einen Dokumentarfilm über ehemalige Kinderschauspieler zu machen, und interviewte mehrere Erwachsene, die wie sie in der Grundschule Stars waren. Im Jahr 2011 sagte Polley zu mir: „Meine Erinnerung – und es ist eine echte Erinnerung – ist, dass ich es als kleines, kleines Kind unbedingt machen wollte und dass meine Eltern von der Branche abgestumpft waren und sie es besser wussten und sich dagegen wehrten Ich hatte einen Willen aus Stahl und habe mich hineingezwängt.“ Alle ihre Interviewpartner hätten dieselbe Geschichte erzählt, erklärte sie: „Es gibt keinen einzigen Kinderschauspieler, den Sie treffen werden, der sagen wird: ‚Meine Eltern haben mich dazu gedrängt’ – selbst wenn sie schreckliche Geschichten über das Sein ihrer Eltern haben Bühneneltern. Shirley Temple, die begann, als sie ein war Kleinkind, bestand darauf, dass sie sich hier einmischte. Ich glaube es ehrlich gesagt nicht. Und wenn ich ihren Geschichten nicht glaube, warum glaube ich dann meinen eigenen?“
Tatsächlich widerlegt Polleys Familiengeschichte die Vorstellung, dass sie sich entschieden hat, professionell zu handeln. John Buchan, Polleys Bruder, das zweite von zwei Kindern aus Diane Polleys erster Ehe, sagte mir: „Das waren wir alle Kinderschauspieler. Wir alle können Bilder von uns selbst finden, auf deren Rückseite unser Name und unsere Augenfarbe sowie eine Telefonnummer aufgeführt sind.“ Buchan hat ein wenig Fernseharbeit gemacht, ebenso wie ihre Schwester Joanna und ihr Bruder Mark. „Aber mit Sarah hat sie den Großen getroffen“, sagte Buchan.
Polley begann im Alter von fünf Jahren mit der Schauspielerei und trat in einem Live-Action-Disney-Film „One Magic Christmas“ auf. Anschließend wurde sie in vielen Fernsehrollen besetzt, darunter als Ramona Quimby in einer Serie, die nach Beverly Clearys Romanen adaptiert wurde. 1988, als Polley neun Jahre alt war, spielte sie Sally Salt, die winzige Kumpelin des gleichnamigen Antihelden in „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“, einem verrückten Spektakel, geschrieben und inszeniert von Terry Gilliam, bekannt aus „Monty Python“. Gilliam war ein Idol für Polleys Eltern – insbesondere für ihren Vater Michael, der in England geboren und aufgewachsen war.
Das Shooting fand größtenteils in den Cinecittà Studios in Rom statt. Polley hat glückliche Erinnerungen an die Stadt: Sie und ihre Eltern aßen jeden Abend auf dem Campo de’ Fiori zu Abend, wo sie manchmal mit einer Band umherziehender Musiker für Touristen auftrat. Das Set war jedoch oft chaotisch – und für ein Kind beängstigend. In einer Szene musste sie durch ein Modell einer vom Krieg zerrissenen Stadt rennen, als Bomben explodierten. Die erste Einstellung war erschreckend genug, um Polley davon zu überzeugen, dass die Detonationen schief gelaufen waren; Sie rannte direkt in die Kamera und ruinierte die Aufnahme. Beim zweiten Take war sie so verängstigt, dass sie zu schnell rannte, was die Szene wieder unbrauchbar machte. In „Mad Genius“, einem Essay in ihrem Buch, schreibt sie: „Ich schluchzte zwischen den Takes in den Armen meines Vaters und flehte ihn an, einzugreifen, um sicherzustellen, dass ich es nie wieder tun musste. Aber als ein Regieassistent kam, um zu sagen, dass sie eine weitere Einstellung brauchten, sagte mein Vater mit aufrichtiger Reue: „Ich fürchte, sie müssen es noch einmal machen, Liebes. Es tut mir Leid. Da kann ich nichts machen.’ “ (Gilliam hat das gesagt, auch wenn sich das Set gefährlich anfühlte, war es das nicht.)
Während ihrer Karriere als Kinderdarstellerin gab es Momente, in denen Erwachsene ihre Verletzlichkeit nicht nur übersahen, sondern sie zynisch auszunutzen schienen. Polley hatte erst kürzlich mit der Arbeit an „Avonlea“ begonnen, als ihre Mutter starb – eine Tragödie, auf die sie, wie sie sagt, völlig unvorbereitet war. (In ihren Memoiren schreibt Polley mit ehrlichem Selbstbewusstsein über die Befriedigung, die sie empfand, das bemitleidenswerte Kind einer krebskranken Mutter zu sein, während sie gleichzeitig sicher war, dass ihre Mutter genesen würde.) Während der zweiten Staffel der Serie, Polley, wer spielte eine Figur namens Sara Stanley, wurde mit einem geskripteten Monolog präsentiert, in dem ihre Figur über den Tod ihrer Mutter weint; Es überrascht nicht, dass sie eine absolut überzeugende Leistung ablieferte. Aber die Erfahrung dieser und anderer Szenen, in denen ihre Figur an ihre Mutter erinnerte, brachte Polleys Fähigkeit zu trauern zum Scheitern. „Da einige der ersten Tränen, die ich über den Tod meiner Mutter nach dem Tag ihres Todes vergoss, einer Aufführung zugute kamen, konnte ich jahrelang keine echten Tränen der Trauer hervorbringen“, schreibt sie. In der aggressiv gesunden Welt von „Avonlea“, die von Disney gedreht wurde, wirkt Sara Stanley einzigartig traurig, hager und kompliziert.
Polleys Bericht über ihr Leben als Kinderdarstellerin – wie sie in verlängerte Verträge eingesperrt war, „erdrückend lange“ Arbeitszeiten hatte und Erwachsenen verpflichtet war, die sie nicht enttäuschen wollte – wirft beunruhigende Fragen über die Ethik auf, für Kinder handeln zu lassen kommerzieller Gewinn. Polleys Erfahrung unterstreicht auch die Tatsache, dass das Willensempfinden eines Kindes – sowohl im Moment als auch im Nachhinein – Ausdruck der sublimierten Wünsche von Eltern oder anderen Autoritätspersonen sein kann, denen das Kind unbedingt gefallen möchte. (Die Familie, nicht weniger als das Patriarchat, beinhaltet ein strukturelles Ungleichgewicht der Autonomie.) Als Polley Bühneneltern trifft, die darauf bestehen, dass ihr Kind will um aufzutreten, antwortet sie: „Ja – und viele Kinder wollen auch Feuerwehrleute und Ärzte werden. Aber sie müssen warten, bis sie keine Kinder mehr sind, um den Druck und die Pflichten der Erwachsenenarbeit zu übernehmen.“