Sam Gilliam, ein bahnbrechender abstrakter Maler, der vor allem für seine üppig gefärbten Drape-Gemälde bekannt ist, die sein Medium vollständiger in die Dreidimensionalität brachten als jeder andere Künstler seiner Generation, starb am Samstag in seinem Haus in Washington. Er war 88.
Sein Tod wurde von der David Kordansky Gallery in Los Angeles und der Pace Gallery in New York bekannt gegeben. Ursache war Nierenversagen.
Mr. Gilliam war zweimal eine Anomalie. Als schwarzer Künstler wurde er von den oberen Ebenen der Kunstwelt bis zum Ende seiner Karriere weitgehend ignoriert (obwohl er 1972 der erste schwarze Künstler war, der die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig vertrat). Und als schwarzer Künstler, der sich der Abstraktion verschrieben hat, widmete er sein Leben Gemälden, die auf erkennbare Bilder und offene politische Botschaften verzichteten, die von vielen seiner schwarzen Kollegen bevorzugt wurden. Doch seine Kunst war in vielerlei Hinsicht sowohl der Malerei als auch der politischen Kunst wie üblich entgegengesetzt.
Mr. Gilliam wurde in den 1960er und 70er Jahren erwachsen, einer Zeit großer Experimente mit abstrakter Malerei in einer Zeit politischer und sozialer Unruhen, inmitten des Vietnamkrieges und des Kampfes der Schwarzen für Bürgerrechte. Aber auch in diesem Zusammenhang war er besonders wagemutig.
Als brillanter Kolorist wurde er dafür bekannt, seine Gemälde von der flachen Geradlinigkeit zu emanzipieren, die durch Holzspannrahmen auferlegt wurde. Stattdessen drapierte er seine ungedehnten abstrakten Leinwände in großen Kurven und Schleifen von der Decke oder steckte sie gerafft an Wände. In „’A’ and the Carpenter, I“ von 1973 stapelte er einen großen Streifen Leinwand, der mit luftigen Wolken in Rosa und Blau bemalt war, zwischen zwei hölzerne Sägeböcke und brachte ein Element manueller Arbeit in ein Werk, das elegant, wenn auch unvollendet, wirkte. und das sah, wie viele von Mr. Gilliams Werken, bei jeder Installation anders aus.
Diese Bemühungen bewegten sich zwischen Malerei und Skulptur, während seine Techniken alles von Jackson Pollocks Drips bis hin zu Batik beschworen. Sie haben das Medium weit über die damals von Frank Stella und seinen Anhängern geschaffenen wandhängenden Leinwände hinausgeschoben. Sie waren gleichzeitig aggressiv und lyrisch, griffen in den Raum des Betrachters ein und lieferten Momente wunderschöner, fließender Farben, während sie sich einem einzigen, sicheren, zentrierten Blickwinkel verweigerten. Und sie forderten den Betrachter auf Schritt und Tritt heraus zu entscheiden: „Ist das ein Gemälde?“
Dies allein erzeugte eine Art visuellen Tumult, der zu den unruhigen Zeiten der Werke passte. Ein Gemälde in der Sammlung des Museum of Modern Art trägt den schlichten Titel „10/27/69“ und stellt sich vor den Hintergrund einer Zeit immenser Proteste gegen den Krieg in Vietnam.
„Der ausdrucksstarke Akt, ein Zeichen zu setzen und es im Raum aufzuhängen, ist immer politisch“, sagte Gilliam 2018 in einem Interview mit José da Silva in The Art Newspaper. „Meine Arbeit ist ebenso politisch wie formell.“
Mr. Gilliams Verwendung von ungedehntem Stoff, der sich auf die Malerei bezog, ohne sie ganz zu umarmen, beeinflusste Künstler über mehrere Generationen hinweg, darunter David Hammons, Jessica Stockholder und Rashid Johnson.
„Es gibt etwas unglaublich Wichtiges in Sams Einsatz der Improvisation, das meine Generation und darüber hinaus weiterhin beeinflusst“, sagte Mr. Johnson am Montag in einem Telefoninterview. „Es ist in der Lage, Rassen zu transzendieren, ist aber nicht darauf beschränkt, Rassen nicht zu diskutieren. Für mich war er ein Leuchtfeuer.“
Sam Gilliam wurde am 30. November 1933 in Tupelo Miss. als siebtes von acht Kindern geboren. Sein Vater, auch Sam genannt, war Bauer; seine Mutter, Estery Gilliam, war Näherin und Hausfrau. Sam zeigte schon früh Interesse am Zeichnen. Als seine Mutter darauf hingewiesen wurde, dass er viel Zeit damit verbrachte, still im Dreck zu zeichnen, versorgte sie ihn mit Papier und Pappe; es bedeutete ein Kind weniger, das im Auge behalten werden musste. Pferde waren ein beliebtes, fast fanatisches Thema.
Herr Gilliam, der hauptsächlich in Louisville, Kentucky, aufgewachsen ist, erhielt den größten Teil seiner formalen Ausbildung dort, wo er Mittel- und Oberschulen besuchte, die einen ungewöhnlichen Schwerpunkt auf Kunst legten. Anschließend studierte er an der University of Louisville, wo er einen Bachelor- und einen Master-Abschluss in Malerei erhielt. Während dieser Jahre wurde seine Entschlossenheit, ein Künstler zu sein, von Lehrern genährt, die sein Talent und seinen Antrieb erkannten. Er entwickelte auch eine Liebe zum Jazz, die ihn sein ganzes Leben lang als innovative Kunstform und Beispiel für schwarze Errungenschaften aufrechterhalten sollte.
Herr Gilliam zog 1962 nach Washington und kam zu dem Zeitpunkt an, als die Farbfeldmalerei mit ihrer Abhängigkeit von hellen, getönten Farben gerade von den Erben des Abstrakten Expressionismus dort und in New York City formuliert wurde. Schon immer an der physischen Natur der Malerei interessiert, bahnte er sich in den späten 1960er Jahren seinen eigenen Weg durch diesen Stil, indem er seine befleckten Leinwände faktisch von Keilrahmen befreite.
An Decken aufgehängt, fielen und stiegen die Werke in großen geschwungenen Bahnen und Schleifen, teilweise geführt durch die Schwerkraft. Sie waren gleichzeitig aggressiv und verführerisch, drängten sich in den Raum des Betrachters und lieferten unzählige, scheinbar chaotische Farb- und Farbdetails.
Während die Drape-Gemälde für Mr. Gilliam zum Markenzeichen wurden, waren sie nie eine exklusive Arbeitsweise, und Mitte der 1970er Jahre war er weitergezogen und kehrte in den 1980er Jahren hauptsächlich in einer Reihe öffentlicher Aufträge zu ihnen zurück. Der Rest seiner Karriere war eine rastlose Erforschung abstrakter Malerei aller Art, die manchmal widersprüchlich erschien, aber auch die Entschlossenheit widerspiegelte, in Bezug auf Textur, Farbe oder Technik nichts unversucht zu lassen.
In einigen Arbeiten, bei denen es sich um gefundene Stoffreste handelte, wurde auf Quilten verwiesen. Leinwand wurde manchmal auf Leinwand collagiert; und das Hinzufügen von Fremdmaterialien wie Garn und Glitzer war nur eine seiner Taktiken. Das alles summierte sich zu einer der vielfältigsten Karrieren der Nachkriegs-Abstraktion, zusammengehalten von einer Kühnheit des Geistes und des Materials.
Mr. Gilliams Arbeit wurde in New Yorks überwiegend weißer Kunstwelt nicht völlig übersehen, aber seine Karriere konzentrierte sich auf Washington, wo er ab 1963 regelmäßig und wiederholt mit Galerien ausstellte und mehrere Museumsausstellungen hatte, beginnend mit einer in der Phillips Collection in New York 1967 und einschließlich einer Retrospektive in der Corcoran Gallery of Art im Jahr 2005.
Er unterhielt auch nachhaltige Beziehungen zu Galerien im ganzen Land, von Philadelphia bis San Francisco und von Chicago bis Houston. Während er zwischen 1968 und 1991 mehrere Einzelausstellungen in New York hatte, waren sie fast nie in derselben Galerie. Für viele schockierend, hatte er nach 1991 bis 2017 keine Galerie-Einzelausstellung in New York, als die Mnuchin Gallery eine veranstaltete und Werke von 1967 bis 1973 ausstellte, obwohl er 1971 eine Projektausstellung im Modern und eine kleine Umfrage hatte 1982 im Studio Museum in Harlem.
Aber Mr. Gilliam, ein großer Mann mit ungewöhnlich intensiven Augen, war die ganze Zeit zufrieden damit, in Washington zu bleiben, abgesehen von den auffälligeren Zentren der amerikanischen Kunst. In einem Oral History-Interview mit Smithsonian im Jahr 1989 sagte er: „Ich habe den Unterschied zwischen dem, was wirklich gut und echt für mich ist, und dem, was ich mir erträumt habe, als echt und gut für mich erkannt. Ich habe gelernt – ich will nicht sagen, dass ich gelernt habe, das zu lieben – aber ich habe gelernt, dies zu akzeptieren, die Frage, hier zu bleiben.“