Rückblick: In einer umwerfenden neuen LACMA-Retrospektive untersucht Barbara Kruger den Sog der modernen Medien

Barbara Kruger hat ein Händchen für Worte. Große, mutige, oft visuell laute Worte.

Kruger verbindet außergewöhnliche Grafikdesign-Fähigkeiten mit fundiertem Wissen über die strukturellen Komplexitäten von Kunst und Sprache, ganz zu schweigen vom medialen Strudel, in dem das moderne Leben lebt. Seit 40 Jahren untersucht der in LA lebende Künstler die soziale, kulturelle und politische Landschaft mit einer geschickten Kombination aus scharfem Einblick und zerreißendem Witz.

Sie ist kein Unbekannter in den Museen der Stadt, wo ihre Arbeiten im Museum of Contemporary Art (eine grandiose Umfrage von 1999 in der Mitte ihrer Karriere plus zwei prägnante Gebäudewandmalereien), im UCLA Hammer Museum (eine schrille Installation von 2014) und im Los Angeles County prominent ausgestellt wurden Museum of Art (ein etwas weniger erfolgreicher Auftrag von 2008 für den dreistöckigen Aufzugsschacht im BCAM, zu beschäftigt für den verfügbaren Platz), ist der Künstler nun Gegenstand einer umwerfenden LACMA-Retrospektive.

Im Titel der Show „Barbara Kruger: Thinking of You. Ich meine mich. Ich meine dich.” (mit Xs über „you“ und „me“) öffnen die zweideutigen Verschiebungen, die zwischen den Personalpronomen „I“, „you“ und „me“ abprallen, einen Raum der Transparenz, in dem der Künstler den Betrachter wissen lässt, dass er aufpassen soll wegen der Schlüpfrigkeit dessen, was sie sehen werden. Wer spricht, wer zuhört und wer den Austausch überwacht – oder davon profitiert – ist nicht so klar oder einfach, wie man annehmen könnte.

Nehmen Sie „Untitled (Truth)“, einen Digitaldruck von 2013 auf einer fast zwei Meter hohen und drei Meter breiten Vinylfolie. Zwei Hände ziehen eine dehnbare elastische Bandage auseinander, auf der das Wort „Wahrheit“ in Großbuchstaben in herkömmlicher Helvetica-Schrift aufgedruckt ist. Irgendwo zwischen einer Werbetafel und einem Wandgemälde verwechselt das Zeichen auf produktive und prüfende Weise.

Wird die Elastizität von Tatsachen, Realitäten oder Gewissheiten dringend geprüft? Es scheint so. Das purpurrote Wort, das über einem hellgrünen Feld gedruckt ist, verursacht eine klirrende chromatische Dynamik von Gegensätzen auf dem Farbkreis und erzeugt ein rein visuelles Gefühl der Beunruhigung.

Die Hände gehören einem Geschäftsmann, dem Anschein nach auf Hemdmanschetten und Anzugjacke zu urteilen. Ist dies also ein wissender Hinweis auf die Macht des Patriarchats, Wahrhaftigkeit zu definieren – und zu manipulieren, zu entstellen oder zu verzerren?

Glänzende Fingernägel sind manikürt und poliert, ein deutlicher Hinweis auf die soziale Klasse, während die Funktion eines Kompressionsverbandes darin besteht, Wunden zu verbinden und die Heilung zu unterstützen. Hat die Herrschaft des männlichen Wohlstands der Unternehmen die Realität beeinträchtigt?

Dieser Verband wird gedehnt und verdreht, aber das flache, saubere, leuchtend rote Wort ist nicht im geringsten verzogen oder verformt. Ist die stabile Wahrheit, die es verkündet, diejenige, die in Krugers sorgfältig ausgearbeiteter Bildsprache abgebildet ist, über die sie gelegt wird?

Der Galerieboden, auf dem die Arbeit installiert ist, mischt die Botschaft weiter auf. Zunächst rätselhafte Beschreibungen von ungesehenen Bildern werden in einem Wand-zu-Wand-Vinyl-Text aus weißen Buchstaben auf rotem Grund dargestellt. Alle beziehen sich auf den menschlichen Körper.

„Der kotzende Körper, der ‚Küss mich‘ schreit.“

„Der betende Körper, der ‚Rette mich‘ flüstert.“

„Der taube Körper, der ‚Schock mich‘ murmelt.“

Der auf den Boden eines großen Raums gedruckte Text kann nur gelesen werden, indem man sich im Raum bewegt und anderen Museumsbesuchern zwischen die Beine huschende Blicke wirft. Ihre physischen Körper – und Ihre eigenen – verstricken sich mit diesen bildlichen Verweisen auf körperliche Erfahrungen und bringen ein gespenstisches, körperloses Bild nach Hause.

Körperlose Erfahrungen sind heute im modernen Leben alltäglich – eine Wahrheit – wie jeder, der in das flackernde Licht eines Handybildschirms schaut, bestätigen kann. („Gefühl ist etwas, was man mit seinen Händen macht“, betont ein weiterer großer Digitaldruck auf Vinyl, dessen Bild die exquisit manikürte Hand einer Frau zeigt, die über einem tödlichen Röntgenbild von Skelettknochen schwebt.) Ein Hauptunterschied zwischen dieser Umfrage und Krugers Karrieremitte im MOCA Rückblick vor fast einem Vierteljahrhundert ist, dass sich ein analoges Bilduniversum inzwischen fast vollständig in ein digitales gewandelt hat.

Kruger hat die Dinge entsprechend überarbeitet und angepasst. Eine tolle Sache an ihrer Arbeit ist die Art und Weise, wie sie mit einer visuellen Umgebung beginnt, die dem Publikum bereits vertraut ist. Den massenmedialen Kontext beklagt sie weder, noch weicht sie ihm aus, sondern packt ihn für uns aus.

Kruger wurde 1945 in Newark, New Jersey, geboren und besuchte nur kurz die Kunsthochschule, wobei sie den größten Teil ihrer Medienausbildung durch eine Kombination aus praktischer Erfahrung und unabhängiger Neugier erwarb. Sie las viel, während sie in New York als Grafikdesignerin und Bildredakteurin für kommerzielle Zeitschriften arbeitete, darunter Mademoiselle und House & Garden.

Auf der anderen Seite des Wilshire Boulevard vom LACMA, in einer Ausstellung in der Galerie Sprüth Magers, sind 20 Collagen für die Arbeit der frühen 1980er Jahre, die sie berühmt gemacht haben, geradlinige Paste-ups von der Art, die einst regelmäßig im kommerziellen Verlagswesen verwendet wurden. (Die Collagen wurden im Rahmen der Retrospektive während ihres Debüts im letzten Herbst im Art Institute of Chicago gezeigt, aber LACMA hatte nicht genug Platz.) Meistens verwendet sie Variationen einer serifenlosen Schrift namens Futura, die 1927 vom deutschen Designer Paul entworfen wurde Renner, später von den Nazis verfolgt. Unter den Collagen sind einige ihrer Klassiker, darunter Paste-ups, die erklären: „Dein Körper ist ein Schlachtfeld“ und „Wie kommt es, dass nur die Ungeborenen das Recht auf Leben haben?“

In den späten 1970er Jahren begann sie, Techniken der Abstraktion und typografischen Exzentrizität zu integrieren, die von Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova und anderen der russischen Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts entwickelt wurden. Ihre brillant abenteuerlichen Grafiken waren „ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“, wie der Dichter David Burliuk es in einem Manifest von 1917 berühmt ausdrückte.

Kruger vermeidet jedoch solche gegensätzlichen Positionen. Stattdessen stützte sie sich auf die Pop-, Minimal- und Konzeptkunst der unmittelbar vorangegangenen Generation, um, wie sie es ausdrückt, „die Systeme, die uns enthalten“, zu verstehen und zu hinterfragen.

Die Strategie war nicht nur erfolgreich, sondern hat auch Legionen von Amateur-Nachahmern inspiriert. Die witzige Eröffnungsgalerie der Show zeigt eine Menge davon.

Die digitale Transformation der Gesellschaft hat in den letzten Jahren dazu geführt, frühere Werke für neue digitale Präsentationen neu zu konzipieren. Die Show hat viele Beispiele – unter den effektivsten eine 2020er Videoversion von „Pledge“ aus dem Jahr 1988, die etwas länger als eine Minute dauert.

Anstatt Wörter im American Pledge of Allegiance auszuschneiden und durch eine statische Grafik zu ersetzen, wie ein Redakteur mit einem blauen Bleistift einen Text durchstreicht, bis das richtige Wort gefunden ist, digitalisierte sie den sich entwickelnden Prozess. Zum unerbittlichen, rhythmischen Beat eines Tick-Tack-Soundtracks entfalten sich Worte auf der Videoleinwand.

Beginnend mit „Ich gelobe Treue“, wird das letzte Wort durch die Folge „Anhänglichkeit – Anbetung – Angst – Affluenza – Ich gelobe Treue zur Flagge …“ ersetzt Gefühle und, an anderer Stelle im Text, sogar schockierende Grausamkeiten und Bigotterie. Schließlich gelangen Sie zu einem umfassenderen Verständnis Ihrer Beteiligung am Aufbau eines Gesellschaftsvertrags.

Digitale Vergänglichkeit trifft auf „Justice“, eine leblose Statue aus dem Jahr 1997 aus weiß gestrichenem Fiberglas. Der starke Mann des FBI, J. Edgar Hoover, der dafür bekannt ist, geheime Akten über illegale sexuelle Aktivitäten zu verwenden, um Politiker zu kontrollieren, wird mit dem geheimen homosexuellen Anwalt Roy Cohn dargestellt, dem brutalen Mentor von Donald Trump, der die Massenentlassung schwuler Regierungsangestellter während der Amtszeit von Senator Joseph McCarthy inszenierte 1950er „Lavendel-Angst“.

Krugers Komposition erinnert an Alfred Eisenstaedts berühmte Fotografie aus dem Jahr 1945, auf der ein Matrose am VJ Day auf dem Times Square eine Krankenschwester küsst. Hoover und Cohn, die in einen Rock mit amerikanischer Flagge gehüllt sind und hochhackige Pumps hochziehen, stehen kurz davor, sich in einer verliebten Umarmung zu verschließen.

„Justice“ spottet über die feierliche Pose des Eisenstaedt. Als Rückgriff auf die makellose amerikanische neoklassizistische Statue des 19. Jahrhunderts, die die etablierten Werte Moral und Tugend idealisierte, behauptet die Statue, dass die Befreiung von der faschistischen Bedrohung kaum von allen genossen wurde – damals oder heute.

Die Ausstellung wurde gemeinsam vom Art Institute of Chicago, dem New Yorker Museum of Modern Art (wohin sie im Juli reist) und LACMA organisiert, wo sie von Direktor Michael Govan und Kuratorin Rebecca Morse geleitet wird. In seiner jetzigen Inkarnation mit nur 33 Werken ziemlich kompakt, umfasst es bedruckte Vinylpaneele, raumfüllende Installationen, Einkanalvideos, großformatige LED-Videos und Hintergrundbilder.

Begleitet wird es von einem Katalog mit zwei ungewöhnlichen Merkmalen – beide wertvoll.

Eines ist eine fesselnde 12-seitige Eröffnungssequenz mit Dokumentarfotografien von Kruger-Wandgemälden, Werbetafeln und Zeitschriftendesigns aus der Zeit der Schließung der COVID-19-Pandemie und den Monaten öffentlicher Proteste nach der Ermordung von George Floyd. Es ist beunruhigend zu sehen, wie bewaffnete Soldaten vor dem Krüger-Wandbild des MOCA patrouillieren und darüber nachdenken, „wer jenseits des Gesetzes steht“.

Die andere ist eine 30-seitige Schlusssequenz aus zuvor veröffentlichten Essays verschiedener Autoren, die Kruger als Lehrplan für den Unterricht verwendete, als sie viele Jahre an der UCLA unterrichtete. Die Themen reichen von Ökonomie und Identitätspolitik bis hin zu Sexualität und Comedy.

Für einen Künstler, dessen Arbeit auf den Spannungen zwischen Bild und Text beruht, sind die Fotografien und Essays ein Katalograhmen von außergewöhnlicher Einsicht. Zusammen erinnern sie an eine Künstlerin, die erfolgreich entschlossen ist, ihre Arbeit außerhalb der Treibhausumgebung einer oft engstirnigen Kunstwelt anzusiedeln.

Das Lieblings-T-Shirt meines Mannes ist ein Kruger-Design mit der dazugehörigen Legende: Glaube + Zweifel = Vernunft. Weise Worte für den Alltag, insbesondere in einem mediengesättigten Umfeld voller zweifelhafter Versprechungen.