Achtung. Eine lärmende, fesselnde Ausstellung des großen amerikanischen Malers Robert Colescott (1925-2009) ist im New Museum eingetroffen, um sie zu genießen und zu sezieren. „Art and Race Matters: The Career of Robert Colescott“ ist die erste Museumsausstellung des unerbittlich provokativen Werks dieses Künstlers, die seit einer Ausstellung im Jahr 1989 (ebenfalls im New Museum) in Manhattan zu sehen ist, und die bisher vollständigste. Es zeigt einen Mann, der schließlich in der Lage war, seine eigenen privaten Dämonen über die Rasse mit den öffentlichen seines Landes zu verschmelzen und eines der überzeugendsten, gleichzeitig persönlichsten und gesellschaftlich relevantesten Werkwerke der amerikanischen Malerei des 20. Jahrhunderts zu schaffen.
Straff und sorgfältig gestaltet, zeichnet die Show Colescotts heroischen Weg von Anfang bis Ende nach, eine nervöse Mischung aus Abstraktion und Trompe-l’oeil während seiner Studienjahre zu einem sardonischen Humanismus, der sowohl anklagend als auch optimistisch ist.
Als hellhäutiger schwarzer Amerikaner, der dazu erzogen wurde, als Weißer durchzugehen – mit dem Wunsch, wie er später sagte, „dem falschen Club anzugehören“ – widmete sich Colescott erst Mitte der 1960er Jahre, im Alter von 40 Jahren, seiner Schwarzheit künstlerisch.
Nach 1968 schuf er nur sehr wenige Gemälde, die sich nicht auf erschreckende, verführerische, aufklärende, amüsierte und entsetzte Weise auf Rasse und Rassismus bezogen. Er übernahm einen burlesken Expressionismus, handelte mit Stereotypen und Karikaturen von Schwarzen und Weißen und formulierte oft westliche Meisterwerke mit nichtweißen Themen neu. Sie waren antik und wild satirisch. In ihnen stand Rasse an erster Stelle unter gleichberechtigten Themen, darunter Geschlecht, amerikanische Geschichte, Sex, Religion, Konsum und Jazz sowie große Mengen an Populärkultur – also Werbung, Literatur, Filme, Esswaren und ihre Maskottchen wie Colonel Sanders .
Seine Punkte wurden durch seine sengende Palette (Pink, Magenta und ein lebendiges Himmelblau) und seine kraftvolle Pinselführung, die gleichzeitig meisterhaft und schlampig war, nach vorne getrieben. 1990 schrieb er über „große sinnliche Gemälde. Es ist der erste Eindruck, den die Leute bekommen. Sie kommen herein und sagen: “Oh wow!” Und dann: ‚Ach [expletive]“, wenn sie sehen, womit sie sich in der Materie auseinandersetzen müssen. Es ist ein integrierter „Eins-Zwei“-Schlag; es erwischt sie jedes Mal.“
Am wichtigsten ist vielleicht, dass Colescott zum Wiederaufleben der figurativen Malerei beigetragen hat, das in den 1970er Jahren begann und bis heute andauert, insbesondere unter schwarzen Künstlern. Bekannt wurde er erstmals Mitte der 1970er Jahre als Serienaneigner – noch vor den Künstlern der Pictures Generation und den Neo-Expressionisten.
Er wurde in Oakland geboren, wohin seine Eltern (die sich als Kreolen identifizierten) 1919, zu Beginn der Großen Migration, aus New Orleans zogen. Er erwarb 1949 seinen Bachelor-Abschluss an der University of California, Berkeley, und nachdem er kurz in Paris gelebt und bei Fernand Léger studiert hatte, kehrte er für seinen Abschluss zurück. 1955 nahm er eine Stelle als Kunstlehrer an der Junior High School in Seattle an und wechselte 1957 zum Portland State College. (Er unterrichtete die meiste Zeit seines Lebens an Colleges und Universitäten und ging 1995 in den Ruhestand). In diesen Jahren sortierte er die Einflüsse der nordkalifornischen figurativen Maler – Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff und insbesondere Joan Brown.
Colescotts rassistisches Erwachen begann mit zwei Stationen in Kairo, einer Residenz im Jahr 1964 und einer Lehrtätigkeit in den Jahren 1966-67. Die Wirkung altägyptischer Kunst zeigt sich im ersten großen Gemälde dieser Schau, „We Await Thee“ (1964), in dem weibliche Akte aus einer Steinbank herauszutauchen scheinen. Ihre unterschiedlichen Hauttöne sowie Körper und Gesichter, die buchstäblich gespalten sind, halb schwarz und halb weiß, werden in Colescotts Werk häufig und spiegeln möglicherweise seine Spannungen um die Rassenidentität sowie die der Nation als Ganzes wider.
Als nächstes erhob Colescott Anspruch auf die gesättigten Farben des schwarzen figurativen Malers Bob Thompson in seiner „Nubian Queen“ (1966) und „Dr. Ehrlich’s Magic Bullet“ (1968), die von feuerroten Geistern bevölkert zu sein scheinen. Colescott hat sich mit Gemälden wie „Bye, Bye, Miss American Pie“ (1971), das eine nackte Blondine über einem schwarzen GI mit einem rauchenden M16-Gewehr zeigt, eine Nische in der Pop-Art geschaffen.
Seine beiden berühmtesten Gemälde, beide aus dem Jahr 1975, sind seine einfachsten Aneignungen: „Eat Dem Taters“, eine schwarzgesichtige Kopie von van Goghs „The Potato Eaters“ und „George Washington Carver Crossing the Delaware: Page From an American History Textbook“. die Emanuel Leutzes Darstellung von George Washington auf dem Weg zum Sieg in eine Errungenschaft der Schwarzen verwandelt und eine Hommage an einen der großen amerikanischen Pädagogen darstellt. (Im Jahr 2021 wurde das Carver-Gemälde für 15,3 Millionen Dollar an George Lucas für sein Lucas Museum of Narrative Art in Los Angeles versteigert.)
Über Carver bemerkte Colescott 1990: „Die Subversion dieser Ikone, eines quasi-religiösen Bildes, dem sich alle beugen und an das alle glauben – aber niemand denkt daran – schien eine gute Idee zu sein, ein neues Leben für einen alten Schuh.“
Beide Werke hängen in der zentralen Galerie dieser Ausstellung, entscheidende Scharniere zwischen den suchenden frühen Bemühungen des Künstlers und seinem großartigen Spätwerk. Diese Gemälde werfen sowohl der Kunstwelt als auch der Wissenschaft einen Spießrutenlauf hin, sind aber nur der Anfang. Wenn es eine Sache gibt, die Colescott nicht getan hat, dann war es Stillstand.
1979 begann Colescott, sich in „Beauty Is in the Eye of the Beholder“ zu differenzierteren Formen der Aneignung zu bewegen, die den Künstler in seinem Atelier zeigt, wie er eine Kopie von Matisses „Dance“ malt, aber wie von der Realität abgelenkt die Form eines lebenden Modells, das seine Kleider ablegt.
Eines der am wenigsten bekannten und großartigsten frühen Gemälde der Ausstellung ist das „Wrack der Medusa“ von 1978, das uns über Géricaults Meisterwerk „Das Floß der Medusa“ hinaus zum Zerfall des Floßes auf See führt – eine wunderschöne blaue Fläche unter a schmales Band aus rosa und blauem Himmel. In den Wellen schaukeln ein Schwarzer, der auf eine blonde Avon-Dame zuschwimmt, ein Rettungsschwimmer, ein gewickeltes Baby (Moses?), das in einem Korb treibt, und darunter der Künstler selbst in der Nähe einer Schnapsflasche.
In den letzten beiden Galerien der Schau mit Werken aus den späten 1980er und 1990er Jahren setzt sich eine breitere humanistische, aber dennoch klare Sicht auf das Leben durch. Vollgestopft mit Figuren aus verschiedenen Epochen, Kulturen und Erzählungen wirken diese Gemälde fast opernhaft. Die Menschen drängen nach vorne und überschneiden sich, als ob Colescott an den Kubismus denken würde.
Diese phantasmagorischen Versammlungen sind spannend, tragisch und sowohl lesbar als auch mysteriös. In „School Days“ richtet ein schwarzer Athlet eine Pistole auf uns und auf der anderen Seite einen an der Brust verwundeten schwarzen Mann. Eine wütende, lilahaarige schwarze Frau (weiß von der Taille abwärts) überragt das Geschehen.
Colescott möchte, dass wir einiges von dem verstehen, was uns an diesen Punkt gebracht hat, wie es in seiner Serie „Knowledge of the Past Is the Key to the Future“ nahegelegt wird. Einer davon ist „Matthew Henson und die Suche nach dem Nordpol“ (1986), der einen schwarzen amerikanischen Entdecker zeigt, eine nackte weiße Frau mit dem abgetrennten Kopf eines Schwarzen auf einer Platte – Salome und der Märtyrer Johannes der Täufer; eine angekettete schwarze Venus und ihr anzüglicher weißer männlicher Wächter; und eine Frau, deren Gesicht halb schwarz und halb weiß ist. In der unteren linken Ecke dieses Werks – in einem der besten Malmomente der Ausstellung – ist ein Porträt eines Häuptlings der amerikanischen Ureinwohner skizziert, das die Unermesslichkeit der Sünden des weißen Amerikas andeutet.
Colescott, der 2009 im Alter von 83 Jahren starb, hat nie aufgehört, sich weiterzuentwickeln. In einigen seiner letzten Gemälde fügte er verschiedene Darstellungsweisen hinzu, am effektivsten Figuren, die in Kombinationen aus Schwarz und Magenta umrissen wurden. In „Schönheit ist nur oberflächlich“ bietet ein scheinbar umarmendes schwarzes Paar einen der friedlichsten und romantischsten Momente der Serie. Aber schau genau hin. Der Mann bedeckt die Augen der Frau; ein karikaturartiges weißes Gesicht, möglicherweise das von Betty Boop, steht einer Karte von Afrika gegenüber, die ebenfalls ein Frauenkopf ist, und ein schwarzer Mann scheint seinen Kopf in weißen Händen zu halten. Colescotts Bilder machen die Leute immer noch nervös, besonders in den Küstenenklaven der Kunstwelt. Als er 1997 als erster schwarzer Künstler die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig mit einer Einzelausstellung vertrat, entstand diese am Standort Santa Fe und im Kunstmuseum der Universität von Arizona, etwas entfernt von diesen Enklaven.
In ähnlicher Weise wurde die aktuelle Ausstellung vom Contemporary Arts Center in Cincinnati und dem unabhängigen Kurator Matthew Weseley, Autor einer in Kürze erscheinenden Monographie über Colescott, und dem Historiker und Kurator Lowery Stokes Sims organisiert, der seit Jahrzehnten über das Werk des Künstlers schreibt. Zusammen mit Raphaela Platow, Direktorin und Chefkuratorin des Kunstzentrums von Cincinnati, hat das Paar einen üppigen Katalog zusammengestellt, in dem wir von Colescott (einem ausgezeichneten, gelehrten Schriftsteller), seiner Familie und Freunden sowie einigen außergewöhnlich scharfsinnigen Fachleuten hören.
Nach Reisen nach Portland, Oregon, Chicago und Sarasota, Florida, hat die Show ihren letzten Halt im New Museum erreicht, das nicht auf dem ursprünglichen Reiseplan stand. Es ist peinlich, dass eines der großen Museen New Yorks nicht von Anfang an in dieses Unterfangen involviert war, insbesondere angesichts ihrer Bekenntnisse, sich nach dem Mord an George Floyd an allen Fronten zu diversifizieren. Aber zum Glück für die Stadt, für die fortwährende Umgestaltung der amerikanischen Kunstgeschichte und für junge Künstler in den fünf Bezirken ist die Colescott-Ausstellung hier, und dem New Museum gebührt Dank.
Kunst- und Rassenangelegenheiten: Die Karriere von Robert Colescott
Bis 9. Oktober, New Museum, 235 Bowery, Manhattan, 212-219-1222; neuesmuseum.org.