Es ist überraschend, wie kitschig die neue „Dune“ aussieht. Unter der Regie von Denis Villeneuve erscheint die Adaption von Frank Herberts Roman von 1965 weniger wie ein CGI-Spektakel als eine Produktion, die noch darauf wartet, dass ihre Hintergründe digital ausgefüllt oder ihre Sets gebaut werden. David Lynchs Version von „Dune“ aus dem Jahr 1984 war ein umfangreicher Film, der von ebenso komplizierten wie überwältigenden Kulissen und Kostümen nur so wimmelte, wobei er ausgedehnte und verblüffende Verwendung von optischen Effekten machte und im Allgemeinen den dringenden Willen zeigte, die Fantasie zu drehen Welten der Geschichte, die im Jahr 10191 spielt, in körperliche und viszerale Erfahrungen. Villeneuves Interessen scheinen woanders zu liegen. Er stellt das Drama und die Handlung an die erste Stelle und vermeidet Details, die Ablenkungen und Erscheinungen sein könnten, die in Dialogen oder Handlungen nicht erklärt (oder wegerklärt) werden. Die Nacktheit, mit der er die Geschichte darstellt, ähnelt nicht den knappen Produktionswerten der Science-Fiction-Billigies der 1950er Jahre, sondern suggeriert lediglich ein Versagen der Vorstellungskraft, die Unfähigkeit, über das eiserne Diktat eines Drehbuchs hinauszugehen und es mit den Zuschauern zu teilen die Wunder und Schrecken unmöglicher Welten.
Wie die meisten Fantasien und futuristischen Science-Fiction-Filme erfordert „Dune“ viel Exposition, um die Regeln seines Universums aufzustellen. Lynch unterscheidet in seiner „Dune“ kaum Ausstellung und Drama, weil ihn das Was ebenso interessiert wie das Warum. Sein Film stellt eine phantasmagorische und fast fetischistische Beziehung zur materiellen Welt her, zu selbst scheinbar trivialen Objekten sowie zu Gesten, Phrasen, Beugungen. Er vereinheitlicht sein filmisches Feld, indem er ebenso viel Liebe zum Detail – und ebenso viel Zeit – auf relativ undramatische Szenen und Hintergrundelemente wie auf Szenen von großer Bedeutung aufwendet. Im Gegensatz dazu scheint Villeneuve (der den Film mit Jon Spaihts und Eric Roth schrieb) verlegen über die lange Exposition, die die Geschichte erfordert. Statt zu schwelgen, verschickt er die nötigen Informationen hastig und pflichtbewusst, denn er weiß nur zu gut, wohin der Film geht und warum er dort hingeht.
Es gibt einen Nexus von Planeten unter der Herrschaft eines schattenhaften Kaisers, dessen Reich von einem Mineral namens Gewürz lebt. Sowohl ein Halluzinogen als auch eine Energiequelle, wird Gewürz in den Wüsten des Planeten Arrakis abgebaut, der zu diesem Zweck kolonisiert wurde und auf Befehl des Kaisers vom bösen Haus Harkonnen verwaltet wird. Aber der Kaiser entfernt die Harkonnens von der Regierung von Arrakis und entsendet das wohlwollende Haus Atreides und seinen Anführer, Herzog Leto Atreides (Oscar Isaac), um ihren Platz einzunehmen – zusammen mit seiner Gemahlin Lady Jessica (Rebecca Ferguson) und ihrem Sohn Paul ( Timothée Chalamet). Aber die Harkonnens und ihr grausamer Anführer, Baron Vladimir (Stellan Skarsgård), geben nicht so leicht auf und dies scheint ganz nach dem Plan des Kaisers zu sein, das Haus Atreides zu seiner Zerstörung zu locken.
Arrakis ist keine leere Wüste. Es wird von den Fremen bewohnt, einem Volk, das die Gewürzkolonien ertragen und überlebt hat, indem es in ausgeklügelten Labyrinthen unter der Erde lebt und fortschrittliche Technologie konstruiert hat, um sich unter schwierigen Bedingungen zu erhalten. Die Harkonnens sind bereit, sie auszurotten, während die Atreidae mit den Fremen gemeinsame Sache machen und ihnen helfen wollen. Paulus, jung und ungetestet, glaubt, dass er der Messias ist, der sogenannte Kwisatz Haderach, den ein religiöser Orden von Atreides-Frauen, bekannt als die Bene Gesserit, von Generation zu Generation zu züchten versucht hat, und wer wird es tun? sei der Retter sowohl für das Haus Atreides als auch für die Fremen. Darüber hinaus beinhalten Pauls Träume praktischerweise als besonderen Anreiz die Vorfreude auf eine Fremen-Frau namens Chani (Zendaya), die er lieben wird.
Manche Filme wurden dazu gemacht, in mehreren Teilen ausgestrahlt zu werden, spielen aber dennoch nahtlos als Spielfilm – zum Beispiel Bruno Dumonts „Li’l Quinquin“, das für das französische Fernsehen gedreht wurde. Das neue „Dune“, das zweieinhalb Stunden lang läuft, ist ein einzelner Film, der sich wie eine Sammlung von Episoden einer Serie spielt – was es in gewisser Weise auch ist, insofern der Film mit einem Cliffhanger endet, als Paul trifft die Fremen und Chani sagt (mehr zum Publikum als zu Paul): „Das ist erst der Anfang.“ Der Film enthält sehr kurze Szenen mit knappen Dialogen, die die Geschichte Stück für Stück zusammenfügen, ohne jedoch eine dramatische Entwicklung zuzulassen, geschweige denn die volle Perspektive der Charaktere auf die Handlung. Lynchs Version enthält „innere Stimmen“ – interne Monologe im Voice-Over, die, obwohl sie kurz sind, enorm bereichernd sind und geschickt eine eindringliche Dimension der Subjektivität hinzufügen. Es überrascht nicht, dass Lynch auch Pauls Träume und andere innere Visionen ausgiebig und rasend nutzt. Im neuen Film sind diese Visionen bloße Schnipsel und Blitze, Hinweise und Annäherungen. Paul wird von einer Ehrwürdigen Mutter der Bene Gesserit (gespielt in Lynchs Film von Siân Phillips und in Villeneuves Film von Charlotte Rampling) einer schrecklichen und tödlichen Prüfung unterzogen. Aber während Lynch sowohl die Qualen von Paul (Kyle MacLachlan) als auch die spezifischen Details der Folterungen, die er erleidet, herausarbeitet, schickt Villeneuve hastig dieselbe Szene ab und zwinkert Pauls Leiden nur zu. Villeneuve macht „Dune“ so, als wäre er sein eigener Showrunner, der nicht dem Diktat eines dominanten Produzenten folgt, sondern seinem eigenen Auftrag – eine vereinfachte Coming-of-Age-Geschichte zu liefern und den warnenden Aspekt destruktiver kolonialer Raubzüge und noch destruktiverer Messianik zu betonen Täuschung. Seine Bilder sind so starr und hermetisch wie die Illustrationen einer Graphic Novel. Sein Standpunkt ist ohne zweite Ebene, ohne Körperlichkeit, ohne viszerale Wirkung, ohne Unbewusstes. Die abgespeckte materielle Welt des Films korreliert mit einer abgespeckten emotionalen Welt – eng, einfach und eindeutig.
Der größte Schrecken des Lebens auf Arrakis ist die Bedrohung durch riesige Sandwürmer, die bis zu vierhundertfünfzig Meter lang werden sollen und mit einem einzigen Zug eine riesige Erntemaschine verschlingen können. In Lynchs Film wird ihre Ankunft durch das unheimliche Schauspiel kurzer Blitze angekündigt, die aus dem Sand aufblitzen. Villeneuves Konzept ist eintönig wörtlich – der Sand wölbt sich und die Mäuler der Kreaturen werden in schnellen, verschlingenden Bewegungen gezeigt, die eher einer Katastrophenszene als einem gigantischen Körperhorror entsprechen.
Das Erstaunlichste in dieser „Düne“ ist, wohin das Gefühl der Regieleidenschaft – der Anstrengung, des persönlichen Engagements – führt. Was Villeneuve am meisten zu genießen scheint, sind Messerduelle, feurige Explosionen, wissende Blicke (zwischen Paul und seiner Mutter, zwischen Paul und Chani) und die Schulterklopfen, die der junge Paul von seinem Vater und seinem Mentor, einem Krieger namens Duncan, bekommt (Jason Momoa). Die warnende Geschichte von „Dune“ von einem Möchtegern-Retter reflektiert seltsamerweise die Regiepsychologie des Films. Weit entfernt von dem Exzess, der hektischen Grausamkeit und der Extravaganz von Lynchs Vision ist Villeneuves Vision karg, streng und fast retterhaft in ihrem Engagement für kohärente und würdige Prinzipien. Vielleicht ist die Stumpfheit des Films, seine Zurückhaltung von visuellem und sogar dramatischem Vergnügen, Villeneuves Version von Tugendsignalisierung.
Die Hauptopfer dieser Sparmaßnahmen sind die Schauspieler des Films. Villeneuve hat eine großartige Besetzung von mehr und weniger bekannten Interpreten zusammengestellt, denen er jedoch wenig Zeit und Spielraum gelassen hat. Da die Stücke des Films so berechnet sind, dass sie in eindeutigen Arrangements zusammenpassen, werden die Performances auf Chiffren reduziert. Chalamet, dessen theatralische Besonderheit sowohl Kunst als auch Belastung ist, ist für einen Großteil des Films auf der Leinwand und doch auf eine Maske seiner eigenen Erscheinung reduziert. Mit einem Drehbuch festgefahren, das seine Charaktervielfalt und -komplexität verleugnet, liefert er eine Leistung ab, die nie Gestalt annimmt. Was er mit der Rolle in einem zweiten Teil anstellen kann, ist vielleicht der größte Cliffhanger von allen.