Es waren lange 18 Monate, in denen ich in weichen Kleidern schmachtete, aber endlich erlebt die Mode ein Comeback auf den Straßen von New York City. Es kehrte auch auf die Bühne des New York City Ballet zurück. Am Donnerstag hat das Unternehmen seine Herbstmode-Gala im Lincoln Center mit zwei neuen Balletten wiederbelebt, die in Designerkleidung gekleidet waren, vom Kopf – oder in einem Fall mit einem Kopfschmuck, der ins Lampenschirm-Territorium gerät – bis zum Spitzenschuh.
Die Frage war nicht so sehr, welcher Tanz seine Kostüme besser trug, sondern welcher sie heller trug. (Und manchmal größer.) Anscheinend ist das Überwinden einer Pandemie nicht die Zeit, die Dinge abzuschwächen. Und während ich auf verrückte Klamotten gehe, gelang es dem Programm, das mit Jerome Robbins’ „Glass Pieces“ begann, weder Mode noch Ballett in eine innovative Richtung zu treiben: Der Vibe war eher „Twilight Zone“ – warum einen Tanz machen wann reicht ein schräger traum mit wirbelndem stoff? — trifft Moira Rose, ohne Schock oder Witz.
Dieses Jahr arbeitete Sidra Bell mit dem Designer Christopher John Rogers in „Suspended Animation“ zusammen und Andrea Miller arbeitete mit dem kolumbianisch-amerikanischen Designer Esteban Cortázar in „Sky to Hold“ zusammen. Beide zeitgenössischen Choreografen haben zu Beginn der Pandemie digitale Werke für das Unternehmen geschaffen. Und während sie für die Gala unterschiedliche Herangehensweisen verfolgten – Strenge für Bell, Melodram für Miller –, rutschten beide Ballette in ein Loch reduzierter Mittelmäßigkeit.
Anstelle von Fast Fashion – wegwerfbar, fadenscheinig, vergesslich – schien dies eine Nacht des schnellen Tanzes zu sein. Es zerstört nicht den Planeten, aber es ist eine verpasste Gelegenheit, und im Tanz, wo Geld schwer zu bekommen ist, ist das ist eine destruktive Handlung. Diese Ballette, wie so viele andere von der Fashion-Gala, werden nicht von Dauer sein. Und sie sollten nicht.
Während Millers hektische Arbeit mit ihren zusammengeflickten Abschnitten Energie auf die entmutigendste Weise verbrauchte, schuf Bells „Suspended Animation“, vertont von Dosia McKay, Nicholas Britell und Oliver Davis, eher ein inneres Erlebnis. Manchmal schienen die Tänzer, die Rogers’ skulpturale Designs trugen – die entzückendsten (und Molly Goddard-ish) waren Isabella LaFrenieres heißes Pink und Mira Nadons elektrisches Blau – wie Schachfiguren über die Bühne zu gleiten.
Da der Fokus stärker auf der Präsentation als auf den Schritten liegt, waren die Körper der Tänzer mehr in Einklang mit der Luft um sie herum; „Suspended Animation“ war in gewisser Weise weniger ein Tanz als eine Tanzinstallation, in der je nach Kostüm Bewegung sichtbar gemacht oder verdeckt wurde. Während es sich hinzog, schälten sich einige Tänzerinnen die äußeren Schichten ab, als würden sie Haut abwerfen, und im Einklang mit Bells Titel schienen sie in der Schwebe zu sein – wie fantastische Meeresbewohner, die in den dunkelsten Tiefen des Meeres schweben.
Sobald die Körper sichtbarer wurden, gewährte das Tanzen einen oder zwei Blicke auf körperliche Majestät: Teresa Reichlens ruhiger Glanz bewies, dass sie die glänzendsten Kostüme überwältigen kann, während Megan Fairchilds Verletzlichkeit deutlich wurde, als sie ihre Gliedmaßen einsetzte, um zart durch den Raum zu schnitzen. Aber dies ist City Ballet und flüchtige Blicke reichen nicht aus; Das Ergebnis war eine Verschwendung von Zeit und Talent.
In ihrem weitschweifigen und langatmigen „Sky to Hold“ arbeitete Miller mit Cortázar zusammen, deren Kostüme – passender und konventionell zum Tanzen geeignet – sich im Laufe der Zeit änderten und mit der Beleuchtung von Nicole Pearce bunter wurden, und mit der kolumbianisch-kanadischen Singer-Songwriterin Lido Pimienta, der die Partitur komponierte und auf der Bühne – wenn auch abseits – in einem knallgelben Kleid auftrat. Als sie sang, reagierte ihr Körper und groovte auf den Klang ihrer starken und seidigen Stimme. Manchmal habe ich mich gefragt, ist? Dies den Tanz zu sehen?
Pimienta hat sich für das Ballett eine süße Geschichte einfallen lassen: Ein Same verliebt sich in einen Sturm. Die Saat war Taylor Stanley, deren entschlossener, quecksilberner Tanz dieses zusammenhangslose Ballett nicht tragen konnte, so sehr es auch versuchte; der Sturm war Sara Mearns, deren Haar wie ein fünftes Glied wirkte. Überall waren Tänzer zu sehen, die Bilder aus der Natur heraufbeschworen, während sie wie schwankende Bäume oder Windböen über die Bühne huschten. Es endete in Gelb: Der unvermeidliche Sonnenschein, der nach einem Sturm kommt.
Während „Sky to Hold“ sich von Abschnitt zu Abschnitt schlängelte, balancierten die Tänzer auf den Schultern anderer wie Könige; Stanley, auf dem Boden – immerhin war er ein Samenkorn – rollte mit der gummiartigen, kurvenreichen Leichtigkeit eines Brechers vom Bauch auf den Rücken und beugte sich später zu einer Rückbeuge, die sich ausdehnte, bis er seinen Kopf auf der Bühne ablegte .
Als es romantisch wurde, trafen sich Stanley und Mearns auf dem Boden und näherten sich einander, während ihre Silhouetten an der Wand hinter ihnen spielten. Die visuellen Effekte waren wie im Kindertheater; Das gleiche gilt für den unglücklichen Mylar-Vorhang, der in anderen Abschnitten die Rückseite der Bühne bedeckte. Diese Darstellung von wirbelnden Körpern, die in einem Sturm gefangen waren und ihren Weg zum Ende fanden – einer sonnigen Umarmung – war deprimierend gering.
Dass beide Werke von Frauen choreographiert wurden, sagt etwas über den Versuch der Ballettwelt aus, über diese allzu vertraute Figur hinauszugehen: den weißen männlichen Choreografen. Und es ist gut, dass die Kompanie außerhalb ihrer stilistischen Komfortzone mehr zeitgenössische Tanzmacher erreicht hat. Doch am Ende wirkten beide Uraufführungen schon veraltet, vor allem im Vergleich zu „Glass Pieces“, das von Robbins 1983 nach dem Tod von George Balanchine kreiert wurde. Es ist ein meisterhaftes Ballett; es geht um belastbarkeit.
Obwohl die Aufführung am Donnerstag auf der rauen Seite war – die Zählungen sind schwierig – scheint dieses Ballett in drei Sätzen, das von Philip Glass vertont wurde, jetzt wie ein Beispiel für die Pandemie zu sein. Zunächst überqueren die Tänzer die Bühne wie Fußgänger – frei und zielstrebig wie auf einer belebten Stadtstraße. Im zweiten Satz zieht ein wunderschöner, düsterer Pas de deux den Fokus nach innen, als würde er sich an Ort und Stelle schützen. (Die Anwesenheit von Amar Ramasar, der Partner von Maria Kowroski, ist jedoch nach wie vor beunruhigend; er wurde nach einem Foto-Sharing-Skandal wieder in die Kompanie eingestellt.) Und im dritten explodieren die Tänzer vor Freude, eine Momentaufnahme der energetischen Kraft, die wird New York City wieder zum Leben erweckt.
Auch Ben Bensons Kostüme, ein Mosaik aus farbenfroher Übungskleidung und Anzügen aus dem Weltraumzeitalter, fühlten sich am modernsten an. Aber dieses Jahr gab es eine wichtige Änderung, beginnend mit diesem Ballett: City Ballet hat endlich damit begonnen, von den standardmäßigen rosa zu fleischfarbenen Strumpfhosen und Schuhen zu wechseln, um besser zum Hautton jedes Tänzers zu passen. In den Aufführungen des Balletts, die ich in dieser Saison gesehen habe, hat insbesondere das Tanzen von drei Mitgliedern der schwarzen Kompanie – Olivia Boisson, India Bradley und Savannah Durham – eine größere Ausstrahlung angenommen. Dies war eindeutig das wichtigste Fashion-Statement des Abends.
New Yorker Ballett
Bis 17. Oktober im David H. Koch Theater, Lincoln Center; nycballet.com.