Filme, die die Lebensgeschichte einer berühmten Person erzählen, haben einen inhärenten Ablenkungsfaktor: Wie ähnlich ähnelt und simuliert der Schauspieler der Berühmtheit oder bietet er einen akzeptablen Ersatz? (Die Leistung ist praktisch quantifizierbar – deshalb schneiden Biopic-Schauspieler in der Preisverleihungssaison gut ab.) In „Respect“ porträtiert Jennifer Hudson Aretha Franklin in einer belebenden und leidenschaftlichen Performance, die den Film in einem Simulakrum von Intensität verankert, das weit über das hinausgeht Drehbuch, das Franklins Kunstfertigkeit heraufbeschwört. Obwohl Hudson die Rolle durch die Kraft ihrer Singstimme spielt, ist es ihr erster Moment auf dem Bildschirm – eine Szene, in der der Teenager Franklin in einer Kirche in Birmingham, Alabama, singt, wo Martin Luther King Jr. über die Bürgerrechtsproteste in der Stadt – das verleiht dem Rest des Films ihre eigene Theaterpräsenz. Dort tut Hudson mehr als nur zu singen: Ihre Mimik wirkt in ihrer Vielfalt und Intensität entlehnt, inspiriert oder von Franklins Performances kopiert, und die Wirkung einer hingebungsvollen Inkarnation strahlt durch den Rest des Films.
Wäre Hudsons Darbietung weniger überzeugend, der Film – fesselnd genug, informativ genug, sensibel genug, um seine hundertfünfundvierzigminütige Spanne aufrechtzuerhalten – würde unter dem Gewicht seiner Auslassungen und Vereinfachungen versinken. Das Drama beginnt mit der Kindheit der Heldin (wir nennen die Figur Aretha, um die Darstellung von dem echten Franklin zu unterscheiden) und den Traumata, die sie durchgemacht hat: der Tod ihrer Mutter, ihre Vergewaltigung durch einen älteren Mann, ihre Schwangerschaft mit zwölf Jahren . Diese schrecklichen prägenden Erfahrungen sind der Hintergrund für Arethas Angst im Erwachsenenalter über die strenge Kontrolle über ihre Karriere und ihr Leben, die von ihrem Vater CL Franklin (Forest Whitaker) und dann von ihrem ersten Ehemann Ted White (Marlon Wayans) ausgeübt wurde. sowie die professionelle Kontrolle durch die weißen Musikproduzenten John Hammond (Tate Donovan) und Jerry Wexler (Marc Maron). Die durchgehende Zeile des Drehbuchs, das von Tracey Scott Wilson nach einer Geschichte von Callie Khouri geschrieben wurde, ist Franklins langjähriges Bemühen, sowohl als Sängerin als auch als ihr eigener Produzent Musik zu machen, die sie für richtig hält, unter dem Risiko körperlicher und emotionaler Gewalt.
Schon in der ersten Sequenz ist das Drama von erschreckenden, frustrierenden Versäumnissen geprägt: 1952, in Detroit, zu Hause, wo die zehnjährige Aretha bei ihrem Vater lebt, findet eine große Party statt, und sie wird wach aus dem Bett, um nach unten zu kommen und zu singen – was sie herrlich tut. (Ein Gast sagt, dass Aretha zehn ist, „aber ihre Stimme ist dreißig.“) Der Pianist, der sie begleitet, ist Art Tatum (der Schauspieler, der ihn spielt, ist nicht im Abspann); Aretha geht durch die Party, um Grüße von Dinah Washington (Mary J. Blige) zu erhalten, und sie wiederum hört „Tante Ella“ (Thelma R. Mitchell) und „Onkel Duke“ (nicht im Abspann) proforma. Die Weisheit, Weltlichkeit und Erhabenheit, die aus praktisch jedem Ellingtonian und Ella-artigen Wort und jeder Geste hervorgehen, sind nirgendwo zu sehen oder zu hören. Die Szene deutet darauf hin, dass die zukünftige Königin der Seele unter Königen aufgewachsen ist – doch die Prägung ihrer Substanz ist nur angedeutet.
Arethas Vater gehört ebenfalls zu diesem königlichen Gefolge; er war ein Starprediger, der seine Gemeinde mit der Inbrunst und dem Inhalt seiner Rede in seinen Bann zog. (Hier zeigt die Regisseurin des Films, Liesl Tommy, ihn bei der Arbeit auf der Kanzel, kommt aber nicht annähernd an die Ekstase seiner Inspirationen heran, die ohne Schuld von Whitaker, sondern von den langweiligen funktionalen Bildern, die sie zeigen, ungünstig vergleicht mit den Predigtszenen von Clarke Peters in Spike Lees „Red Hook Summer“. Arethas Eltern wurden getrennt; Jeder Besuch des Kindes bei Barbara wird als ein wichtiges und prägendes Ereignis, als Musik- und Lebenslektion dargestellt – und als Lektion in Selbstständigkeit. (Sie sagt dem Kind: „Dein Daddy besitzt deine Stimme nicht … niemand außer Gott“ und sagt ihr, sie solle niemals „jeden Mann fürchten“.)
Während einer weiteren großen Hausparty ihres Vaters kommt ein älterer Mann in Arethas Zimmer und vergewaltigt sie (angeblich). Bald darauf stirbt ihre Mutter plötzlich; sie wird von CL und ihrer Großmutter (Kimberly Scott) erzogen, der sie sich, wie der Film suggeriert (und nur suggeriert), anvertraut, wenn auch ohne das Gefühl des absoluten Verständnisses, das ihre Beziehung zu ihrer Mutter kennzeichnete. Die junge Aretha hat auch den weisen Rat von James Cleveland (Tituss Burgess), dem Musikdirektor der Kirche ihres Vaters, der ihr rät: „Lass nichts zwischen dich und deine Musik kommen. . . . Musik wird dein Leben retten.“
Die traumatisierte, aber brillante Kindersängerin erscheint als die junge Frau Aretha in der besten filmischen Wendung des Films, einer einzigen weitreichenden kreisrunden Einstellung, die in der Kirche von Birmingham spielt. Es kündigt sowohl das Erwachsenwerden als auch seinen mächtigen Kern, die Bürgerrechtsbewegung, an – und die Präsenz und Autorität von Martin Luther King Jr. (Gilbert Glenn Brown), dem Freund ihres Vaters, unter dessen Führung Aretha Aktivistin wird. Dennoch bleibt sie stark unter der Autorität ihres Vaters: Es ist CL, die ihre musikalische Karriere in die Hand nimmt, indem sie – 1960, in dem Jahr, in dem sie achtzehn wird – beschließt, dass sie bei Hammond von Columbia Records unterschreibt. Der Produzent bringt sie in ein Studio mit rein weißen (und rein männlichen) Streichern und hat ihre Plattenstandards. (CL schwärmt davon, dass sie „eine Black Judy Garland“ ist.) 1963 tritt sie im Village Vanguard als Jazzsängerin auf, wo sie eine weitere traumatische, lehrreiche und aufschlussreiche Begegnung mit Dinah Washington hat. Washington (die Arethas Singen eines ihrer Signature-Songs „This Bitter Earth“ übel nahm) sagt ihr, dass sie immer noch „Daddys kleines Mädchen“ ist und fragt die jüngere Künstlerin, was sie singen möchte. Arethas Antwort: „Treffer. Ich will nur Hits singen.“ Es ist ein Schlüsselmoment im Film, der faszinierend und frustrierend unerklärt bleibt.
Erwartet Aretha, dass der finanzielle Erfolg sie von der Autorität ihres Vaters befreien und ihr Unabhängigkeit bringen wird? Wenn ja, sagt sie es nicht – nicht zu ihren Schwestern Erma (Saycon Sengbloh) und Carolyn (Hailey Kilgore), nicht zu Freunden, nicht zu Liebhabern, nicht zu ihrem ersten Ehemann, Ted White, einem Geschäftemacher, gemunkelt ein Zuhälter gewesen sein. (Der Film deutet nur auf seine Louche-Aktivitäten hin, auf die auch der Charakter anspielt.) Auf jeden Fall war CL unerbittlich feindselig gegenüber Ted, den er für grob und der Familie unwürdig hielt, aber Aretha lässt ihn ihre Karriere managen, was beinhaltet Wechsel zu Atlantic Records und dem lockereren Hipper-Produzenten Jerry Wexler. Doch auch Ted hat sehr konkrete Vorstellungen von Arethas Karriere, und ihre Autorität über ihre Arbeit beinhaltet auch, Ted die Kontrolle zu entreißen, deren Gewalt gegen Aretha öffentlich beobachtet und in den Nachrichten berichtet wurde.
Arethas Karriere blüht natürlich in diesen Jahren auf, als sie mit Wexler zusammenarbeitete. Sie hat ihre Hits, sie wird berühmt, sie wird reich – und wird dennoch, während der Druck und die Anforderungen ihrer Arbeit steigen, von ihren „Dämonen“ heimgesucht. Sie wird Alkoholikerin, sagt einige Auftritte ab und zerstört andere, und als eine entscheidende spirituelle Dimension ihrer Genesung besteht sie darauf, Gospelmusik in der Kirche aufzuführen. (Der Höhepunkt und die abschließende Sequenz des Films ist die Aufnahme ihres Albums „Amazing Grace“ und des Dokumentarfilms dieser Aufführungen, der erst kürzlich fertiggestellt und veröffentlicht wurde.) Es ist ein passender Höhepunkt des Dramas, das auf seiner Höhe ist am stärksten, sichersten, feinsten, detailreichsten und bewegendsten, wenn es sich auf die Musik konzentriert – auf die künstlerischen Spezifika, mit denen Aretha mit ihrem musikalischen Feingefühl als Pianistin und Arrangeurin sowie als Sängerin Lieder transformiert und andere Musiker zur Verwirklichung und Weiterentwicklung inspiriert ihre künstlerischen Visionen.
Die Stärke dieser künstlerischen Darstellungen hinter den Kulissen bietet einen entmutigenden Kontrast zum gesamten Drama des Films und zeigt das deflationäre Paradox im Herzen von „Respect“ auf. Die anspielungsartige, andeutungsweise nur informatorische Vermittlung von Ereignissen in Arethas Leben – von ihren Kindheitstraumata bis hin zu ihren beruflichen, persönlichen und politischen Konflikten im Erwachsenenalter – beraubt den Charakter ihrer eigenen besonderen und unverwechselbaren emotionalen und analytischen Reaktionen darauf. In „Respect“ treibt die Konversation die Handlung voran und pflanzt Ideen als offensichtliche Motive ein, erlaubt Aretha jedoch nie, einen Standpunkt zu ihrer eigenen Erfahrung zu äußern – nicht über ihre Kindheitstraumata, nicht über ihre musikalischen Perspektiven, nicht über ihre persönlichen Wünsche, nicht über ihre beruflichen Ambitionen, nicht über ihre romantischen Beziehungen.
Weit davon entfernt, eine bloße Unterlassung zu sein, entpuppt sich dieses Schweigen und Auslassen als eine dramatische Strategie: Obwohl Aretha Franklin als Künstlerin unergründlich außergewöhnlich ist, bringt der Film ihre außergewöhnlichen Qualitäten außerhalb des Bereichs ihrer Musikalität im Wesentlichen zum Schweigen, um sie zu verwandeln, in in ihr Privatleben, in jemanden, dessen Spektrum an Emotionen, Wünsche und Ideen nicht außergewöhnlicher ist als das von fast jedem, von dem erwartet werden könnte, dass er ein Ticket kauft. (Die schnippische Kinematografie, die die Darsteller an ihre Dialoglinien bindet, verstärkt den engen Ausdrucksbereich.) „Respect“ präsentiert „Amazing Grace“ als Arethas dringendstes persönliches Projekt, und eine Titelkarte bestätigt, dass es sich im wirklichen Leben herausgestellt hat , um Franklins meistverkauftes Album zu werden – ein Erfolg, der ohne einen Hauch von Zynismus erreicht wurde. Die Filmemacher von „Respect“ hingegen zielen mit einer insgesamt offensichtlicheren und berechnenderen Erfindung auf ein breites Publikum ab. Sie verleihen der Person, der Persönlichkeit, dem Charakter von Aretha nicht dieselbe Originalität, Komplexität oder Substanz, die Franklin im wirklichen Leben hatte; sie lassen alle Einzelheiten auf Hudsons Schultern, und ihre energische, detaillierte und fokussierte Leistung übertrifft fast das fehlende Herz des Films.
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