Porträt des Künstlers und Aktivisten in „All the Beauty and the Bloodshed“

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Feldführers zu einer Welt von Only Good Movies.

Diese Woche enthüllte das britische Filmmagazin Sight and Sound die Ergebnisse seiner letzten alle zehn Jahre stattfindenden Umfrage zu den besten Filmen aller Zeiten, bei der mehr als 1.600 Kritiker, Programmierer, Kuratoren, Akademiker und Archivare für ihre Top-10-Listen befragt wurden. Zum ersten Mal gewann Chantal Akermans Film „Jeanne Dielman, 23 quai du commerce, 1080 Bruxelles“ von 1975. Alfred Hitchcocks „Vertigo“, der die Umfrage 2012 anführte, rückte auf Platz 2 vor, während Orson Welles „Citizen Kane“, Gewinner der fünf Umfragen davor, auf Platz 3 landete. „Jeanne Dielman“ ist es Streaming auf HBO Max.

Eine begleitende Umfrage unter 480 Regisseuren platzierte Stanley Kubricks „2001: Odyssee im Weltraum“ auf dem ersten Platz, nachdem er auf der anderen Liste den sechsten Platz belegt hatte.

Neue Restaurierungen an der Akademie. Das Academy Museum startete seine erste Reihe von Filmen, die vom Academy Film Archive neu aufbewahrt und restauriert wurden, mit einem Programm mit dem Titel „Present Past: A Celebration of Film Preservation“, das bis zum 19. Dezember läuft. Es ist eine vielseitige Gruppe von Filmen, darunter Cauleen Smiths 1998 „Drylongso“, Thomas Inces und Charles Giblyns „Peggy“ (1916), John Hustons „The Misfits“ (1961), Roger Cormans „The Masque of the Red Death“ (1964), Martha Coolidges „Not a Pretty Picture“ (1976), Timothy Careys „The World’s“ (1962). Greatest Sünder“ und Andrei Tarkovskys „Nostalghia“ von 1983. Joe Dante und Jon Davison werden auch ihre epische B-Movie-Supercut-Zusammenstellung von 1968 „The Movie Orgy“ präsentieren.

Abspann von „Tár“, erklärt. Während die Jahresendpreise und Top-10-Listen herauskommen, ist Todd Fields „Tár“ ein Film, über den man sicherlich sprechen wird. Ich habe von einer Reihe von Leuten gehört, die gefragt haben, warum der Abspann am Anfang des Films kam. (Als ich den Film bei einer öffentlichen Vorführung sah, ging das Publikum in wenigen Augenblicken von leichter Verwirrung über leichten Ärger bis zu so etwas wie Wut über.)

Ich habe kürzlich Field angerufen und ihn danach gefragt. Nach einigen Momenten, in denen er sagte, er sei sich nicht sicher, wie viel er erklären wolle, fuhr er fort, einen ausführlichen, mehrpunktigen Bericht über seine Gründe für den ungewöhnlichen Schritt zu geben und sogar, wie sich seine Gefühle darüber, was er bedeutet, entwickelt haben. Schließlich bemerkte er: „Weißt du, ich habe wahrscheinlich schon zu viel darüber gesagt.“

„All die Schönheit und das Blutvergießen“

Unter der Regie von Laura Poitras ist „All the Beauty and the Bloodshed“ sowohl etwas Unerwartetes von der Oscar-prämierten Dokumentarfilmerin als auch etwas, das vollständig mit ihren anderen Arbeiten übereinstimmt. Der Film ist ein Porträt der Fotografin Nan Goldin, die für ihre belebend intimen Arbeiten wie „The Ballad of Sexual Dependency“ bekannt ist, und folgt ihr, während sie eine Kampagne startet, um die Familie Sackler, die von der OxyContin-Suchtkrise profitierte, von ihren philanthropischen Positionen zu entfernen mit Museen und Institutionen der Kunstwelt. Der Film gewann den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig und Friday wurde vom New York Film Critics Circle zum besten Sachfilm gekürt. Es kommt jetzt in die Kinos.

Für The Times schrieb Robert Abele: „Spät in ‚All the Beauty and the Bloodshed‘ – ein Titel, dessen Ursprung, wenn er enthüllt wird, unerträglich ergreifend ist – gibt es eine Szene, in der Goldin an einer Zoom-Anhörung teilnimmt, bei der die Sacklers hinschauen müssen für eine Einigung, um die Zeugenaussagen von OxyContin-Suchtopfern in Echtzeit zu hören und zu sehen. Als Goldin an der Reihe ist, fängt die Kamera einen PAIN-Kollegen ein, der unterstützend die zitternde Hand dieser engagierten Künstlerin/Aktivistin ergreift. Es fühlt sich an wie ein Moment, den sie sich für ihre Sammlung geschätzter Erinnerungen wünschen würde: ein spontanes Bild von Schmerz, Ausdauer, aufrichtigem Ausdruck und der zärtlichen Geste, die sagt: ‚Ich bin bei dir.’“

Steve Dollar sprach mit Poitras, der darüber sprach, Goldin durch eine Kampagne zu folgen, die stetig an Dynamik gewann, um es mit einer Familie aufzunehmen, die einst unantastbar schien. „Es hat lange gedauert, aber dann ist es passiert. Insofern ist es eine hoffnungsvolle Geschichte. Die direkte Aktion, die eine kleine Gruppe von Menschen, die sich im Wohnzimmer von jemandem treffen, gegen eine Milliardärsfamilie unternehmen kann.“

Für die New York Times schrieb Manohla Dargis: „Die gegabelte Form des Films ist nicht neuartig, aber Poitras’ Zusammenstellung all dieser Informationen ist außergewöhnlich anmutig. Ihr steht eine Fülle fantastischen Materials zur Verfügung – einschließlich einer großzügigen Auswahl von Goldins Kunstwerken – aber was den Film so gut funktionieren lässt, ist, wie Poitras nahtlos die verschiedenen Abschnitte von Goldins Leben nutzt, um ein kohärentes Porträt des Künstlers zu weben. … Poitras hat sich bei der Regie dieses Dokumentarfilms nicht an die üblichen journalistischen Normen gehalten. Sie hat einen Standpunkt, sie hat Leidenschaft, sie hat Politik, und es bestand nie die Gefahr, dass sie diese rohe, emotional wilde Geschichte der Welt, die Nan Goldin geerbt und neu gemacht hat, eine, die sie weiterhin mit ihr neu macht, auf beide Seiten bringt Brillanz und mit all den blauen Flecken, die nie heilen.“

Für Vulture schrieb Alison Willmore: „Gott sei Dank ist es kein Biodoc im üblichen Sinne – Poitras, deren eigene Karriere sich um den Krieg gegen den Terror dreht, ist eine viel zu ehrgeizige Filmemacherin, um sich in ein so biederes Format zu stecken. „All die Schönheit und das Blutvergießen“ ist stattdessen ein glühendes Werk, das Goldins Privatleben, ihre Entwicklung als Künstlerin und ihre spätere Hinwendung zum Eintreten für die Schadensminderung untersucht und sie als Teil derselben Reise versteht. Im Zentrum des Films steht immer Goldins Entschlossenheit, den Vorhang der Anständigkeit zurückzuziehen und all die hässlichen, glorreichen Wahrheiten dahinter aufzuzeigen, ob mit ihrer Kindheit, mit Sexualität, mit dem Stigma der Sexarbeit, mit der AIDS-Krise oder mit die höfliche Illusion, dass verschreibungspflichtige Medikamente kein Leben zerstören können. … Auch wenn Goldin und Poitras wie ein seltsames Paar erscheinen, ist es doch die Spannung, die aus ihrer Zusammenarbeit entsteht, was ‚All the Beauty and the Bloodshed‘ seine Vitalität verleiht.“

Für die AP schrieb Lindsey Bahr: „Poitras erkannte auf kluge Weise, dass es eine sehr klare Linie von dem gab, was Goldin in den 80er Jahren tat, als sie aus der Reha kam und sah, wie all ihre Freunde an AIDS starben, und was sie tat jetzt. Der Dokumentarfilm verwebt diese Fäden zu einem ganzheitlichen Porträt des Schlachtrufs eines Künstlers. … Goldin hat es vielleicht nicht gewusst, als sie anfing, ihre LGBTQ-Freunde zu fotografieren, aber in ihrer Arbeit ging es immer darum, die sogenannten Randkulturen in der Gesellschaft zu betrachten, die Probleme aufzuzeigen, die die Massen lieber einfach ignorieren würden, und sie so dringend zu machen du kannst nicht mehr wegsehen. Es ist ein Akt der Hoffnung in der Vorstellung, dass die Dinge besser sein könnten, weil die Alternative, das Schweigen, unendlich schlimmer ist. Goldin würde es wissen.“

‘EO’

Unter der Regie des 84-jährigen polnischen Filmemachers Jerzy Skolimowski erzählt „EO“ die Geschichte eines Esels, der im Film von sechs verschiedenen Eseln gespielt wird, während er sich durch die Welt bewegt. Es nimmt eine fabelhafte Qualität an, wenn dieser entschlossene kleine Held von einem Zirkus zu vielen Abenteuern wandert und dabei etwas Tiefes über die Menschen enthüllt. Der Film, Gewinner eines Jurypreises bei den diesjährigen Filmfestspielen von Cannes, läuft jetzt in den Kinos.

Für The Times schrieb Justin Chang: „In ‚EO’ verfolgt die Kamera nicht nur die Geschichte oder zeichnet die Handlung auf. Seine ruhelosen Erkundungsbewegungen drücken eine Art gemeinsames Bewusstsein aus, einen Geist der Gemeinschaft zwischen verschiedenen Mitgliedern der Tierwelt, ob sie nun zusammen auf einem Feld herumlaufen oder sich dasselbe enge Gehege teilen. Es ist die Gnade dieses Films, diese Gemeinschaft auf die Menschen auszudehnen, die vor der Kamera vorbeigehen und deren Schicksale eng mit EOs verbunden sind, ob sie es erkennen oder nicht. Und schließlich erstreckt sich diese Gemeinschaft auf das Publikum und insbesondere auf diejenigen von uns, die ins Kino gehen, um erschüttert und bewegt zu werden und unser Gefühl für das Universum aufzurütteln oder sanft neu auszurichten. Die Welt, die wir mit EO teilen, ist kalt und grausam, was nicht bedeutet, dass wir es sein müssen.“

Für die New York Times schrieb Manohla Dargis: „Wie Sie vielleicht erraten haben, ist EOs Leben leider nicht von Freiheit und Freundlichkeit geprägt, auch wenn der Film von beidem überläuft. Das Leben ist brutal für Tiere, einschließlich EO. Skolimowski schimpft nicht mit uns oder versucht uns für EOs Schicksal zu bestrafen. Vielmehr lädt er uns in diesem bemerkenswerten Film dazu ein, den empathischen Sprung über Spezies und Bewusstsein hinweg zu machen, die Welt zu betrachten, die wir für uns selbst geschaffen haben, und zu sehen, wirklich zu sehen, was wir verlieren, wenn wir andere Wesen so behandeln kleiner. Wir verlieren die Welt. Das klingt vielleicht düster, aber kein Film, den ich dieses Jahr gesehen habe, hat mich so tief bewegt, mich so optimistisch in Bezug auf das Kino gemacht oder mich mit einer solchen intellektuellen Kraft beschäftigt wie „EO“, dessen achtzigjähriger genialer Autor und all die Esel, die spielen EO – Hola, Tako, Marietta, Ettore, Rocco und Mela – verdienen all die Liebe und auch die Karotten.“

Für Rolling Stone schrieb K. Austin Collins: „Es ist ein Film, der sich seinem eigenen Spielgefühl verschrieben hat, ähnlich wie EO selbst, der die Geschichte eröffnet, während er sich während einer Zirkusnummer tot stellt, und für seine Leistung tosenden Applaus erntet. All dies wird in unruhigen, überschäumenden Bildern festgehalten, eine stilistische Freiheit, die den Film von Ende zu Ende dominiert. Es ist verträumt, hart, lustig, konfrontierend. Die Stimmung des Films schwingt und schwenkt wie ein fröhlich störendes Tanzmuster. In einem Moment wird EO von seiner Trainerin Kasandra (Sandra Drzymalska) geliebt, der er genug vertraut, um offen zu trauern, wenn sie schließlich voneinander getrennt werden. Als nächstes wird er von ihrem Chef belästigt. Kurz darauf wird er von Aktivisten angegriffen, die seine Freilassung fordern. Dann kommt der Preis für diese Freiheit. Die Räder dieses Films drehen sich immer.“

Eine Szene aus dem Film „EO“.

(Sideshow / Janus Films)

‘2. Chance’

Der erste Dokumentarfilm des Filmemachers Ramin Bahrani, „2nd Chance“, setzt seine Erforschung des modernen Amerikas anhand früherer Spielfilme wie „Goodbye Solo“ und „99 Homes“ fort. Indem er die Geschichte von Richard Davis erzählt, einem Unternehmer, der sich bei der Demonstration seiner kugelsicheren Westen fast 200 Mal in die Brust schoss, wechselt der Film von einem seltsamen Americana zu etwas viel Dunklerem und Prägnanterem. Der Film kommt jetzt in die Kinos.

Für The Times schrieb Michael Rechtshaffen: „Dieses faszinierende Porträt eines Helden/Bösewichts, das von Bahrani entworfen wurde und oft gleichzeitig freundlich und unangenehm wirkt, ist eine griechische Tragödie und eine Shakespeare-Komödie mit einem Hauch von ‚Tiger King‘. alles fachmännisch in eine allzu treffende warnende Geschichte gerollt.“

Für IndieWire schrieb David Ehrlich: „Ein Gefolgsmann von Werner Herzog und Errol Morris, der den Neorealismus seiner frühen Filme („Chop Shop“, „Man Push Cart“) in eine viel breitere Reihe von Porträts und Gleichnissen über die Übel des Kapitalismus einfließen ließ („99 Homes“, „The White Tiger“), Bahrani scheut sich nicht davor, Davis‘ Geschichte zu redaktionell zu behandeln – die Geschichte eines Mannes, der ein Vermögen machte, indem er genau die Kunden gefährdete, die er zu beschützen behauptete. Das immer atemberaubende, aber oft unkonzentrierte „2nd Chance“ des Regisseurs wird durch seinen laufenden Kommentar zusammengehalten, der mit einem klaren Angriffsplan beginnt – „Was mich zu Richard zog, waren seine Widersprüche“ – und erst während einer tragikomischen Schlussszene verstummt so vernichtend, dass es keinen Raum für Interpretationen lässt. Für Bahrani ist Davis eine Karikatur des falschen Altruismus, der das amerikanische Experiment würdigt. ‚Was bringt einen Menschen dazu, sein eigenes Leben zu riskieren, um Tausende von Menschen zu retten, nur um Hunderttausende von Leben aufs Spiel zu setzen?‘“

Richard Davis in der Dokumentation „2nd Chance“.

(Vespucci / Showtime / Bleecker Street)