Eine äußerst vielseitige, hochmoderne und weltumspannende Besetzung verkörpert seit jeher New Directors / New Films, das jährliche Schaufenster aufstrebender Filmemacher, das von Film im Lincoln Center und im Museum of Modern Art präsentiert wird. Die diesjährige Ausgabe zum 50-jährigen Jubiläum ist Teil einer stadtweiten Rückkehr in die Kinos. Vom Mittwoch bis zum 13. Mai finden persönliche Vorführungen statt. Das Programm wird auch virtuell (bis zum 8. Mai) gezeigt, zusammen mit einer Online-Retrospektive einer Auswahl aus den vergangenen Jahrzehnten darunter frühe Werke von Regisseuren wie Lee Chang-dong, Christopher Nolan und Charles Burnett.
Ich bin schockiert, wenn einer der diesjährigen Teilnehmer in einem Jahrzehnt einen Batman-Film dreht. Wenn ich nur aufgrund der Kinetik des Filmemachens raten müsste, würde meine Stimme an den indischen Regisseur PS Vinothraj für sein packendes Debüt “Pebbles” gehen. Es handelt sich im Wesentlichen um einen Roadmovie über einen Jungen und seinen teuflischen, alkoholkranken Vater, die gezwungen sind, zu Fuß im von Dürre heimgesuchten Hinterland des tamilischen Landes nach Hause zu wandern. Vinothraj beschwört spürbar die Gewalt und Unterdrückung ihrer Beziehung – und ihr trostloses verarmtes Milieu – mit Intensität und enormem visuellen Flair.
Deutlich heller, aber auf seine Weise nicht weniger tragisch, ist der täuschend lebhafte Festivaleröffner „El Planeta“ der Konzeptkünstlerin Amalia Ulman. Der Film baut auf einer Reihe zarter Schwarz-Weiß-Komödien von Hong Sang-soo, Noah Baumbach und anderen Regisseuren auf und ist in den Realitäten der jüngsten Wirtschaftskrise in Spanien verankert. Es entfaltet sich als eine Reihe von Vignetten, von denen jede eine lustige, scheinbar banale Momentaufnahme des Lebens von Mutter und Tochter – beide Modediven – in der nordspanischen Stadt Gijón ist. Mit ihren Pelzmänteln und ausgefallenen Abendessen sind die beiden Frauen so besessen von Glamour und Erfolg, dass sie die drohende Räumungsdrohung absichtlich ignorieren und geliehenes Geld für leichtfertige Dinge ausgeben, anstatt die Rechnungen zu bezahlen. Ulman, die Autorin und Regisseurin, die auch die Hauptrolle spielt (gegenüber ihrer eigentlichen Mutter), enthüllt allmählich das Ausmaß der Probleme der Frauen mit geschicktem und schlauem Humor, eine erfrischende und aufschlussreiche Erleichterung von den übermäßig würdigen, stark krassen Armutsporträts, die wir normalerweise bekommen.
Insgesamt ist das Programm besonders daran interessiert, eine monolithische Sichtweise der Weiblichkeit abzubauen. “Madalena” des brasilianischen Regisseurs Madiano Marcheti ist eine dreigliedrige Meditation über den Tod einer Transgender-Frau, die in einem bittersüßen Treffen von Freunden gipfelt, einer wunderbar seltsamen Gemeinschaft. Auf der anderen Seite der Welt fängt „Dark Red Forest“ des chinesischen Dokumentarfilms Jin Huaqing anschaulich die harte Hingabe tibetischer Nonnen auf einem eiskalten, spartanischen Rückzug ein.
Drei Filme über ältere Frauen stechen hervor: Es gibt Ainhoa Rodríguez ‘exquisit düsteres „Destello Bravío“ über eine Gruppe von Frauen, die mit ihren idiotischen männlichen Kollegen in einer spanischen Sackgasse festsitzen. Ihre düstere Routine wird jedoch von Ausbrüchen surrealer Erotik unterbrochen, die die Manifestationen ihrer unterdrückten Wünsche beunruhigen. Aus Südkorea kommt eine unkonventionelle # MeToo-Geschichte des Regisseurs Kim Mi-jo: „Gull“, ein wütendes Drama, das darüber nachdenkt, wie Alter und Klasse das Streben nach Gerechtigkeit für Vergewaltigungsopfer noch komplizierter machen können.
Ich war besonders angetan von Jonas Baks sanfter Charakterstudie „Wood and Water“, die wunderbar zu Chantal Akermans „The Meetings of Anna“ passt, einem Film im Retrospektivprogramm, in dem es auch um eine einsame weibliche Reisende geht. In „Wood“ reist eine pensionierte Kirchensekretärin aus Deutschland (gespielt von der Mutter des Filmemachers, Anke Bak) nach Hongkong, um ihren entfremdeten Sohn zu besuchen, obwohl seine ständige Abwesenheit – selbst wenn sie in seiner Wohnung wohnt – sie zwingt, die Stadt zu erkunden auf eigene Faust. Trotz der massiven Proteste ist es kein schrecklich ereignisreicher Film. Vielleicht vermeidet es deshalb so erfolgreich das Klischee, dass die weiße Frau sich in einem fremden Land „findet“. Stattdessen wird unsere Heldin in den kurzen Begegnungen, dem Smalltalk und dem unausgesprochenen Schmerz zum Leben erweckt.
Wie “El Planeta” ließ mich James Vaughans “Friends and Strangers” über seine trockene und fröhliche Absurdität gackern. Es spielt in und um Sydney und beginnt als eine Art antiromantische Komödie mit einem zufälligen Treffen zwischen zwei Zwanzigjährigen, das zu einem spontanen Campingausflug führt. Der Film entwickelt sich dann zu etwas viel Seltsamerem und Lächerlicherem als die beiden Teile und wir werden in ihre kleine, miteinander verbundene Welt aus unangenehmen Gesprächen und Bougie-Ignoranz eingeführt. Es ist Mumblecore schlechthin, aber gespickt mit einer Satire aus weißem Australien und seiner historischen Amnesie.
Tatsächlich unterscheidet eine Abrechnung mit den Geistern des Kolonialismus eine Reihe lohnender Titel: Das unheimliche dominikanische Drama „Liborio“ von Nino Martínez Sosa stellt einen spirituellen Führer und eine indigene Christusfigur gegen eine vernünftige amerikanische Militärpräsenz; Jessica Beshirs „Faya Dayi“, eine verträumte und visuell schillernde Schwarz-Weiß-Dokumentation, betrachtet die Folgen des äthiopischen Khat-Handels für eine ländliche Gemeinde über Generationen hinweg. (Das Land ist der weltweit größte Exporteur von Khat, einem Suchtmittel, einem kaubaren Blatt mit amphetaminähnlichen Eigenschaften.)
“Azor”, das köstlich verschwenderische Debüt des Schweizer Regisseurs Andreas Fontana, ist absichtlich diskret und entscheidet sich für allgegenwärtige Unheil und höfliche Gespräche mit doppelter Bedeutung. Denken Sie an John le Carré und Francis Ford Coppola, aber spielen Sie während des berüchtigten „schmutzigen Krieges“ der 1970er Jahre in der Welt der Schweizer Bankeneliten und der argentinischen High Society. Kommen Sie für die höflichen Persönlichkeiten und tadellos zugeschnittenen Anzüge, bleiben Sie für die scharfe Kritik des modernen Kapitalismus und seiner Elfenbeinturm-Macher und Schüttler.
“Eyimofe (This Is My Desire)” stammt aus Nigeria, ist aber nichts anderes als die überstürzten Mikrobudget-Produktionen, die die Filmindustrie des Landes definieren. Unter der Regie der Zwillingsbrüder Arie und Chuko Esiri ist dieses umfassende Porträt von Lagos in zwei Teile gegliedert: Im ersten Teil wird ein Ingenieur mittleren Alters in ein bürokratisches Höllenloch gestürzt, während er nach einer Tragödie versucht, seine Schulden zu begleichen. Im zweiten Fall bemüht sich eine junge Frau, ihre Autonomie zu bewahren, während sie sich um ihre schwangere Schwester kümmert und einen gruseligen Freier abwehrt. Die Protagonisten beider Teile sind sich einig, dass sie verzweifelt nach Pässen suchen – der Traum von der Flucht hängt über ihnen, während die Komplexität des Lebens in Lagos mit Empathie und wehmütiger Resignation erfasst wird.
Das avantgardistische Extrem des Programms ist das psychedelische Mixtape des Regisseurs Fern Silva aus dem Film „Rock Bottom Riser“. Der Film ist eine Ansammlung diskontinuierlicher Momente und baut auf einer ethnografischen und ökologischen Skizze von Hawaii auf. Inmitten langer, hypnotisierender Aufnahmen von sprudelndem Magma entsteht jedoch eine Spannung zwischen den Traditionen der Insel und den Kommerzialisierungskräften des amerikanischen Tourismus. Es ist dichtes Zeug, aber Silva ist nicht ohne Sinn für Humor (siehe: ein EDM-Zwischenspiel in einem Vape-Laden mit einer Gruppe von Rauchring-Enthusiasten).
Angesichts der Lebensdauer des Festivals von einem halben Jahrhundert begann ich über zwei Filme im Programm nachzudenken, die vor einigen Jahrzehnten unvorstellbar waren und von den Technologien des modernen Lebens überschwemmt und informiert wurden.
Das erste ist Jane Schoenbruns nicht kategorisierbares Debüt „Wir gehen alle zur Weltausstellung“, eine beunruhigende Hommage an die Geheimnisse der Online-Kultur, die auch auf die Art von Intimität und Trost abgestimmt ist, die in ihren seltsamsten Gräben zu finden sind. Dann gibt es Theo Anthonys spannenden Abschlussfilm „All Light, Everywhere“, einen visuellen Aufsatz über Wahrnehmung – im einfachsten Sinne. Was schauen wir uns an? Wie sehen wir aus? Was macht einen verlässlichen Blick aus? Der Film ist eine aufschlussreiche, metaphysisch verstörende Untersuchung der Überwachung, von den Ursprüngen der Fotografie über das heutige Social-Media-Tracking bis hin zu den von den Strafverfolgungsbehörden verwendeten Body-Cams. Laut Anthony ist die Wahrheit immer mit Täuschung vermischt, was unseren Anspruch auf Objektivität untergräbt. Vielleicht können wir nur daran arbeiten, unsere Referenzrahmen kontinuierlich zu erweitern.
Neue Regisseure / Neue Filme
Läuft von Mittwoch bis 13. Mai im Lincoln Center und von Mittwoch bis 8. Mai im virtuellen Kino. Weitere Informationen finden Sie unter newdirectors.org. Bitte konsultieren Sie die Richtlinien der Zentren für die Kontrolle und Prävention von Krankheiten, bevor Sie Filme in den Kinos ansehen.