Was habe ich von „Greater New York“ erwartet, einer Ausstellung mit Hunderten von Werken von 47 mehr oder weniger zeitgenössischen Künstlern und Kollektiven bei Mama PS1? Ich weiß, was ich phantasiert habe: die Entdeckung von Dingen, die Schöpfer hier in der Pandemie eineinhalb Jahre lang unternommen haben. Dies war ein dummer Fehler meinerseits, wenn man die Tatsache ignorierte, dass die Umfrage – die fünfte, die PS1 seit 2000 durchgeführt hat – 2020 eröffnet und notwendigerweise verschoben werden sollte. Das Ergebnis ist, abgesehen von einigen aktuellen Einträgen, eine Art Zeitkapsel: eine Sammlung von Urteilen, die vor einer so turbulenten Zeit liegen, dass sie sich wie eine Ewigkeit anfühlt. Ein aktueller Trend, der, wenn auch schroff, dargestellt wird, ist der Neosurrealismus: die wilde Subjektivität der Künstler, die sich von Außenwelten zu Innenwelten wenden. Aber die Grundstimmung ist äußerlich, zu politisch aufgeladenen Dringlichkeiten und Neigungen exzentrischer, wenn auch nicht ganz Außenseiter-Talente geneigt. Es wird ein Konsens projiziert, der der Ästhetik mangelt.
Zahlreiche Künstlerfotos dokumentieren ein halbes Jahrhundert sozialen Aktivismus in New York City, beginnend mit den Protesten in Puerto Rico in den sechziger Jahren bis hin zu den Black Lives Matter-Demonstrationen von 2020. Fast hundert Werke in allen Medien wurden vor diesem Jahr geschaffen 2000. Neun der Künstler sind verstorben. Der Hauptanziehungspunkt der Show liegt in der Betonung von im Ausland geborenen Einwohnern, die historisch gesehen eher als sprudelnder denn als Schmelztiegel New Yorks gelten. Es gibt Beiträge von Menschen aus Ägypten, Iran, Tunesien, Nigeria, Japan, Mexiko, Argentinien, Indien und anderen. Es gibt auch ein solides Kontingent an indianischen Künstlern. Es ist jedoch alles etwas verschwommen angesichts der Beschäftigung mit der ferneren Vergangenheit ebenso wie mit dem, was vor etwa einem Jahr neu war. Ein Großteil der Malerei, Skulptur, Video und Assemblage der Ausstellung, obwohl gut gearbeitet und oft auffällig in Bezug auf die Produktionswerte, predigt vor Kunstschul- und städtischen Chören.
Der Kern der Show könnte ein Schlagwort sein, das sich auf “Avantgarde” bezieht, vielleicht was auch immer das Französische für “Seitengarde” sein mag. Ein kuratorisches Team unter der Leitung von Ruba Katrib hat beträchtliche Finesse geübt, während es sich zu einer halbunterirdischen Orthodoxie neigte. Sie räumen einer knalligen Videoinstallation des Mohawk-Künstlers Alan Michelson einen Ehrenplatz ein Mal, das den historischen Zusammenbruch des Austernanbaus der Lenape in Nebenflüssen des East River beklagt. Gehen Sie dem entgegen. Wer ist nicht Pro-Oyster und bedauert die Vertreibung der Lenape? Weniger offenkundige Annahmen einer automatischen Zustimmung infizieren sogar einige surreale und abstrakte Werke, so schien es mir zumindest. Reagiere ich über? Es ist möglich, da ich die illustrierte Checkliste der Show nach Beispielen durchsuche, die ich beklagen könnte. Trotz vorherrschender Aufregung herrscht Ambient-Zurückhaltung. Was mich stört, ist eine Neigung, die die Freude frustriert.
Genau ein Künstler hat mich wirklich in seinen Bann gezogen: der in Japan geborene Yuji Agematsu, der seit Mitte der Neunzigerjahre winzige Skulpturen aus Schutt formt, die ihm in New Yorks Straßen begegnen. Dreihundertsechsundsechzig davon, die in zwölf Plexiglaskästen in Regalen ausgestellt sind, erinnern an so viele Spaziergänge der letzten Zeit. Eingebettet in die Cellophanhüllen von Zigarettenschachteln, die der Künstler geraucht hat, sind sie einzeln – und alle zusammen – exquisit und erzielen durch gebrauchte Kaugummis, Stoffreste, Metallfragmente, Federn, Fäden, und vieles mehr. Die Werke vermitteln einen Instinkt für Schönheit in den bescheidensten Materialien und in der demokratischsten aller bürgerlichen Aktivitäten: dem Gehen in der Stadt. Man kann sie sich leicht als Denkmäler vorstellen, etwa zehn Meter hoch, wenn man sich vorbeugt, um sie aus niedrigen Winkeln zu betrachten. Es gibt unbestreitbar eine politische Stimmung bei Agematsus Aktivitäten, aber es ist eine, die von persönlicher Hingabe subsumiert wird. Der Vorschlag einer unter den Füßen stehenden Utopie ist hier und jetzt und erfordert keine Reform der Einstellungen anderer Menschen. Die Arbeiten stehen im Gegensatz zu vielen in der Ausstellung, die sich zumindest auf Kosten des ungezwungenen Vergnügens von den üblichen Schlussstimmungen zurückdrängen.
Ein besonderes Highlight, das die gelegentliche Attitüde der Möchtegern-Subversion der Show harsch stört, ist der einstündige Looping-Film der schwedischen Künstlerin Marie Karlberg, „The Good Terrorist“ (2021), abgeleitet von einem Roman von Doris Lessing aus dem Jahr 1985. In einer New Yorker Hochhauswohnung debattieren ultralinke Radikale, eine Bombe zu legen, die Unschuldigen schaden könnte, um ihre Sache zu dramatisieren. Manche sind fanatisch, andere zögerlich. Gegen Ende erfahren wir, dass die Bombe vorzeitig gezündet hat und die Frau, die mit dem Platzieren beauftragt wurde, sowie einige unglückliche Zuschauer getötet hat. Hysterie bricht in der Hocke aus und zerstört die Gemeinschaft der Radikalen. Sowohl die Schauspieler als auch die Inszenierung sind auf eine Art und Weise trotzig amateurhaft, die Intimität in ein gesprächiges Drehbuch investiert. Die widersprüchlichen Emotionen der Charaktere dringen ein, auch wenn sie entsetzlich sind. Das Szenario entfaltet sich beiläufig auf dem Weg, um albtraumhaft plausibel zu wirken. Das Werk ist eine Fabel ohne Moral, die Lessings unheimliches Verständnis von verdrehter Menschlichkeit beweist. Die Treue von Karlberg und ihrer Besetzung zur Integrität der Geschichte rasselt und absorbiert. Wie es sich für eine von dezidiert nicht-mörderischer Unzufriedenheit geprägte Show gehört, liegt in der Luft. Sie werden es nicht vergessen, wenn Sie es wünschen.
Das Politische ist wichtiger als das Künstlerische. Kunst zu nutzen, um Anliegen voranzutreiben, ist nicht schlecht; es überlässt einfach die unabhängige Initiative, die immer eine zerbrechliche Angelegenheit ist, den übermächtigen Mächten weltlicher Argumentation. Das Opfer hat ein ethisches Gewicht, das den bloßen Ästhetizismus beschämt. Ich kann meinen Wunsch nach autonomer Erfahrung angesichts von Bedenken, die das wirkliche Leiden realer Menschen anerkennen, nicht verteidigen. Aber ich halte mich an Instanzen von Kreativität fest, die Rhetorik meiden. Auf PS1 stolpern einige sehr seltsame Skulpturen der jungen Amerikanerin Kristi Cavataro dem Glück entgegen. Verspielte geometrische Anordnungen aus bunten Glasmalereien sind an Wänden montiert oder stehen kniehoch auf dem Boden. Ein Hauch von Nostalgie für Art déco schwingt mit, doch die Stücke unterliegen einer beispiellosen Formfindung und einem mysteriösen Gefühlsdruck. Nur der Wunsch des Künstlers rechtfertigt sie.
Volle Enthüllung: Das ist sprichwörtlich geimpft, kunstverhungert während meines andauernden Exils aus der Stadt seit 2019, als meine Frau und ich uns nach einem Brand in unserem Wohnhaus (noch in Reparatur) ins Hinterland zurückziehen mussten. Wir haben daher New Yorks Anteil an der Pandemie, seinen Protestsommer und den Kontakt mit Kulturkollegen aus erster Hand verpasst. Jetzt verärgert mich mein aufgestautes Verlangen nach grundloser Transzendenz bei der PS1-Show. Ich möchte eine Wiederaufnahme der Kunstgeschichte, die eher persönliche Triebe anspricht als programmatische Unzufriedenheit. Die Neosurrealisten und Abstraktionisten der Show sind zu vielfältig und hermetisch, um mehr zu tun, als nur in eine kompensatorische Richtung zu gestikulieren.
Muss die Ideologie uns definieren? Können wir von einem Extrem abweichen, ohne implizit mit seinem Gegenteil in einen Topf geworfen zu werden? Die Kunstwelt ist in dieser Hinsicht zu einer Voliere der Kanarienvögel geworden; Es besteht eine nahezu Gewissheit, jemanden zu beleidigen – oder zumindest zu enttäuschen – was auch immer Sie tun. Die PS1-Show nimmt die scheinbar sicherste Position ein, die kulturelle Legitimität mit der Befolgung vermeintlich unausweichlicher Meinungen gleichsetzt. Der einleitende Text stellt fest, dass „wir gegen koloniale Grenzen vorstoßen und indigene Geographien angehen müssen“. Wer, bitte sagen Sie, ist dieses mächtige „Wir“? Starke, historisch begründete Werke authentischer Klage des Seneca-Künstlers G. Peter Jemison erweisen sich als durchaus berechtigt zur ersten Person Plural. Darüber hinaus beeinflusst die Vermutung der Kuratoren, Vorrechte in der Gruppe zu haben, jedoch nicht die Palette der aktuellen Kunst, sondern die Zusammensetzung ihres Publikums. (Gefällt es nicht? Verirren Sie sich.) Können wir es besser machen, wenn wir die Grenzen der Kunst als Kraft in der Welt akzeptieren?
„Poesie bewirkt nichts“, bemerkte W. H. Auden, aber das Leben ohne Poesie ist ziemlich düster. Wie wäre es, Wert auf Freude zu legen und Zustimmung und Meinungsverschiedenheit für sich selbst zu sehen? Kurzfristig scheint die Suche nach Missbilligung, wie es „The Good Terrorist“ tut, die nützlichste Fluchtmöglichkeit in die Freiheit zu sein. Nur Dinge zu tun, die man nicht tun soll, und Dinge zu sagen, die man nicht sagen darf, versprechen Erleichterung von einem Klima stagnierender Sensibilität. Anrüchig zu sein winkt. Aufmachen. Überraschung wieder einsetzen. ♦