Noch bevor das erste Wochenende begann, hatten die 76. Filmfestspiele von Cannes mit „The Zone of Interest“ ihren ersten kritischen Triumph und einen herausragenden Wettbewerbserfolg gefeiert. Der Film ist ein unerbittlich gruseliges, absolut hypnotisierendes Porträt einer Familie, die im Schatten des Infernos lebt. Bei seiner Galapremiere am Freitagabend wurde er mit begeisterten Kritiken und krassen Oscar-Spekulationen begrüßt (Hat Regisseur Jonathan Glazer endlich mit Interesse die Oscar-Zone erreicht??). eine Schlagzeile von Variety) und das übliche bedeutungslose Schwärmen über die langen Standing Ovations. Der anhaltende Applaus war verdient, aber ich vermute auch, dass er etwas unpassend war. Ich bin froh, Glazers Film bei einer morgendlichen Pressevorführung gesehen zu haben, bei der es auffallend wenig Beifall oder Jubel gab; Als wir aus dem Theater stolperten, schien Schweigen die einzig vernünftige Reaktion zu sein.

Schweigen erscheint auch angemessen nach der Nachricht, dass der Autor Martin Amis, zu dessen beeindruckendem Werk dieser Roman aus dem Jahr 2014 gehört, am Freitag im Alter von 73 Jahren verstorben ist. Es sollte angemerkt werden, dass sich „Zone of Interest“ von Glazers dramatisch von „Amis“ unterscheidet teilt kaum mehr als einen Titel und eine Umgebung. Aufs Wesentliche reduziert, beginnt der Film mit mehreren Momenten stockfinsterer Leinwand und dem üppigen Dissonanzrausch von Mica Levis, einer beunruhigenden Ouvertüre, die uns vorbereitet

Zu

nicht nur

Zu

schau, aber

Zu

Hören. (Levi komponierte auch die Musik für Glazers bezauberndes Science-Fiction-Meisterwerk Under the Skin aus dem Jahr 2013.)

Während wir in den alltäglichen Rhythmus des Lebens in einem komfortablen zweistöckigen Haus in Polen eingeleitet werden, in dem ein Mann und eine Frau mit ihren kleinen Kindern und ein paar Bediensteten leben, können unsere Ohren nicht umhin, einen gedämpften, aber unaufhörlichen Chor von Hintergrundgeräuschen wahrzunehmen : hohe Schreie, bellende Hunde, knisternde Flammen, klirrendes Metall und nicht selten Schüsse. Das akribische Sounddesign wird durch einen visuellen Stil ergänzt, den Glazer und sein Kameramann Ukasz al dadurch erreichten, dass sie überall im Haus und auf dem Gelände Kameras versteckten, wodurch eine Reihe sorgfältig komponierter, flüssig bearbeiteter statischer Aufnahmen entstand, die zuweilen an eine hochauflösende Überwachung erinnern

Video. Filmaufnahme.

Je nachdem, welchen Bereich Sie im Auge behalten, können Sie vielleicht einen Blick auf das Schlafzimmer im Obergeschoss oder den riesigen Hinterhof und den fachmännisch gepflegten Garten erhaschen

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von einer hohen Betonmauer, einem Stacheldrahtzaun oder dem Rauch eines ankommenden Zuges oder einem sprudelnden Schornstein. Die Bedeutung dieser Bilder wird einem Publikum des 21. Jahrhunderts grimmig klar sein; Für diese Familie aus den 1940er-Jahren ist es erschreckend einfach geworden, sie unterzubringen und bis zu einem gewissen Punkt zu ignorieren. Es dauert nicht lange, bis wir erfahren, dass der Mann im Haus der SS-Offizier Rudolf Höß (Christian Friedel) ist und dass es sich bei dem ummauerten Lager um Auschwitz handelt, wo er als Kommandant immer effizientere Mittel zum Massenmord erfindet und umsetzt.

Von Zeit zu Zeit erfahren wir Einzelheiten über seine Arbeit, wenn er Pläne für einen fortschrittlichen Krematoriumsentwurf studiert oder versucht, eine Überstellung nach Deutschland abzuwehren, die ihn und seine gut etablierte Familie auf den Kopf stellen würde. „Das ist das Leben, von dem wir immer geträumt haben“, sagt Hss‘ Frau Hedwig (Sandra Höller), ein Gefühl, das so entsetzlich ist, dass man sich, wenn man es nicht schon besser wüsste, fragen würde, ob sie die Tausenden von Menschen, die meisten davon Juden, nicht wahrnimmt. auf der anderen Seite dieser Mauer vergast und eingeäschert werden.

Aber Hedwig und ihr Mann sind sich nichts bewusst; Sie sind einfach sehr gut darin, Dinge zu unterteilen. Die Verdammnis erwartet sie, doch vorerst führen sie ein beneidenswert privilegiertes Leben mit Familienausflügen, Geburtstagsfeiern und Besuchen von

G

Oma. Es gibt beißend witzige Details, von der Länge von Hss‘ morgendlichem Weg zur Arbeit (ein kurzer Ausritt zu Pferd durch die Tore des Vernichtungslagers) bis zu der grausigen Entdeckung, die ihn erwartet, als er mit seinen Kindern in einem mit Asche gefüllten Fluss Kanu fährt. Die Hss ersticken selbst, nur viel langsamer: Die Toten befinden sich in der Luft, die sie atmen, in der Erde, in der sie ihr Gemüse anbauen

Und

und auf den Blütenblättern von Hedwigs vielgeschätzten Blumen.

Glaser werden viele an ihre makellose formale Präzision erinnern

Stanley

Obwohl Kubricks Fähigkeit, seine Charaktere (und damit auch sein Publikum) anzuklagen, auch die Handschrift des österreichischen Meisters Michael Haneke trägt. „Zone of Interest“, das in den USA von A24 in die Kinos kommt, ist für seine Charaktere und sein Publikum eine ebenso methodisch konstruierte filmische Sprengfalle wie alles, was Haneke jemals inszeniert hat. Es geht vor allem um die Banalität des Bösen, ein treffender, wenn auch überstrapazierter Begriff, den Hannah Arendt prägte, als sie über den Prozess gegen Adolf Eichmann, einen der Hss-Chefs, schrieb. Aber der Film hört hier nicht auf: Es geht auch um die Bequemlichkeit des Bösen, die Erträglichkeit des Bösen, die unzähligen unsichtbaren Ketten der Komplizenschaft und des Handels, die das Böse in ein florierendes transnationales Geschäft verwandeln.

Diese Ketten wurden natürlich gut, wenn auch selten so kunstvoll, in den zahllosen Dramen und Dokumentationen über den Holocaust dokumentiert, die im Laufe der Jahre in die Kinos kamen. Sicherlich ist es ein Thema, das nie weit von Cannes entfernt war, dem Festival, bei dem „Life Is Beautiful“ 1998 den Grand Prix gewann und „The Pianist“ 2002 die Goldene Palme mit nach Hause nahm. Hanekes besitzt „The White Ribbon“, einen indirekteren Kommentar zu den Sünden von Das Dritte Reich gewann die Palme 2009 auf demselben Festival, auf dem Quentin Tarantino sein Nazi-napalming-Racheepos „Inglourious Basterds“ uraufführte. Im Jahr 2015 wurde der Grand Prix an das grimmig immersive Auschwitz-Drama „Son of Saul“ von Lszl Nemes verliehen, ein Film, dessen wütende Handkameraführung und der genaue Blick in die Kasernen und Gaskammern das Gegenstück zu „The Zone of Interests“ sind, kühl bemessen, draußen und draußen -nicht ganz ansehnlicher Stil.

Sich über ein Übermaß an Holocaust-Filmen zu beschweren, ist angesichts des Wiederauflebens von Anti-Filmen gängige kritische Praxis

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Angesichts des Emitismus weltweit und insbesondere in den USA ist es kaum verwunderlich, dass sich Filmemacher gezwungen sahen, immer wieder und in den letzten Jahren mit einem erfreulichen neuen Maß an formaler Intelligenz und Raffinesse auf das Thema zurückzukommen. Was Son of Saul und The Zone of Interest trotz aller Unterschiede eint, ist ein gewisses Maß an ästhetischer Distanz, eine Ungeduld gegenüber den bekannten, klassischen Erzählkonventionen und eine gewissenhafte Weigerung, Gräueltaten darzustellen

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Bildschirm.

Glazer ist nicht der einzige Filmemacher, der dieses Jahr mit einem Film nach Cannes kommt, der den Schrecken des Nationalsozialismus auf eine ebenso unerschütterliche wie indirekte Weise entgegentritt. Nein, ich spreche nicht von James Mangolds mit Spannung erwartetem „Indiana Jones and the Dial of Destiny“, so lustig es auch ist, zu sehen, wie Harrison Ford eine Gruppe SS-Offiziere um der alten Zeiten willen herumschlägt. Ich spreche von Occupied City, dem ersten Dokumentarfilm des britischen Regisseurs Steve McQueen und einem der wesentlichen frühen Highlights des diesjährigen Cannes.

McQueens besonderes Interessengebiet ist das Schicksal der jüdischen Bevölkerung Amsterdams während des Zweiten Weltkriegs, worüber wir durch eine Reihe von Berichten einer unsichtbaren Erzählerin (der britischen Schauspielerin Melanie Hyams) erfahren. Die Geschichten, die wir hören, sind einzeln und in ihrer Gesamtheit verheerend und insbesondere nicht nach Datum, sondern nach Ort geordnet. Wir besuchen die Standorte längst zerstörter Schulen, Geschäfte und Restaurants, die einst geschäftige Enklaven des jüdischen Lebens in den Niederlanden waren, nur um dann geräumt zu werden, als Juden verboten und brutalen Ausgangssperren unterworfen wurden. Vielleicht hören wir einen Bericht über ein Findelkind

das war

oder vielleicht die Familie, die einst hier lebte und zur Flucht oder zum Untertauchen gezwungen wurde. Anne Frank und ihre Familie werden erwähnt, aber nicht näher darauf eingegangen, eine Berührung, die mit McQueens expansiver, egalitärer Sensibilität harmoniert.

Was „Occupied City“ zu einer Herausforderung und zu einer willkommenen und lohnenswerten Herausforderung macht, ist nicht die gemächliche Laufzeit von viereinhalb Stunden (inklusive Pause), sondern vielmehr sein formaler Wagemut. McQueen gelingt eine komplexe Dialektik von Vergangenheit und Gegenwart; Während Hyams Erzählung in der Vergangenheit verborgen bleibt, ist jedes Bild, das wir sehen, von Amsterdam in der Gegenwart, mit besonderem Fokus auf die Stadt, die zu Beginn der Pandemie gesperrt war. Dieses nachhaltige Nebeneinander von Jetzt

vs. versus

erzeugt dann ein bemerkenswertes Maß an ästhetischer Spannung; Manchmal passen die Bilder und die Erzählung wunderbar zusammen, und manchmal erreichen sie eine seltsame, beunruhigende Dissonanz. Es erfordert eine aktive Zuschauerschaft, die Fähigkeit, unsichtbare Schichten zu durchforsten und sich die Vergangenheit als Überlagerung der Gegenwart vorzustellen. (Mehr als einmal habe ich über den integralen Einfluss von Claude Lanzmanns wegweisendem Shoah nachgedacht, der sich, obwohl er in seiner Struktur völlig anders ist, ebenfalls weigert, Archivbilder und/oder Filmmaterial zu verwenden, um eine unwiederbringliche Vergangenheit wiederherzustellen.)

McQueen kam 2008 zum ersten Mal mit seinem Spielfilmdebüt „Hunger“ nach Cannes und wäre 2020 mit „Lovers Rock“ und „Mangrove“ (beide aus seinem TV-Omnibus „Small Axe“) wieder hier gewesen, wenn Cannes in diesem Jahr nicht abgesagt worden wäre

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die Pandemie. Occupied City, das auf dem diesjährigen Festival außer Konkurrenz präsentiert wird, ist in mancher Hinsicht McQueens neuestes Werk

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Effet; Er begann seine Karriere als bildender Künstler und hat seitdem Spielfilme (Shame, 12 Years a Slave) und ein Fernsehprojekt (Small Axe) gedreht. In vielerlei Hinsicht fühlt sich der neue Film wie eine Liebesarbeit an; Es basiert auf dem Bildband „Atlas of an Occupied City, Amsterdam 1940-1945“ der Schriftstellerin und Filmemacherin Bianca Stigter, die mit McQueen verheiratet ist. (Sie sind in Amsterdam zu Hause.)

Stigter drehte kürzlich den 69-minütigen Dokumentarfilm Three Minutes: A Extensionen, ein brillantes Begleitstück zu diesem Film und eine weitere hochkonzeptualisierte Auseinandersetzung mit Anti

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emittierende Verfolgung. Dieser Film wurde für seine Wirtschaftlichkeit und Elastizität gelobt; Occupied City hat wegen seiner angeblichen Überlänge und Monotonie gemischte Reaktionen hervorgerufen. Lassen Sie sich nicht von der kurzen Aufmerksamkeitsspanne anderer abschrecken, wenn A24 diesen Film in die Kinos bringt. Das ist lebenswichtiges Kino von einem Filmemacher, dessen einer Blick auf die nicht allzu ferne Vergangenheit und der andere auf unsere prekäre Zukunft gerichtet ist.