Dieser Artikel ist Teil unseres Design-Spezialbereichs über Neuinterpretationen antiker Designstile.
Als Andrew Raftery, ein Meistergraveur und Professor für Druckgrafik an der Rhode Island School of Design, beschloss, Tapeten herzustellen, entschied er sich für ein französisches Format aus dem 18. Jahrhundert namens Domino – kleine Blätter, die auf einem Buchdruck gedruckt wurden und ursprünglich von Schreibwarenhändlern als Regal hergestellt wurden Papier- und Kartoneinlagen.
Der Prozess ist kompliziert und arbeitsintensiv, was Mr. Raftery reizt, einen Künstler, der antike Methoden und Handwerke wie das Gravieren nutzt, um das zeitgenössische Leben, oft sein eigenes, zu erkunden. Doch im Gegensatz zu vielen Künstlern, die mit traditionellen Techniken arbeiten, lagert er keinen Teil des Prozesses aus. Tatsächlich fügt er im Allgemeinen weitere Ebenen der Vorbereitung und Untersuchung hinzu, wie er es nennt. Dies ist ein Mann, der seine eigenen Federkiele aus Krähen- und Gänsefedern und seine eigene Tinte aus Eichengallen und Vitriol herstellt – die gleiche Art von Tinte, die zur Unterzeichnung der Unabhängigkeitserklärung verwendet wurde. Er nimmt sich gerne Zeit.
Er verbrachte zwei Jahre damit, einen Kupferstich eines Mannes anzufertigen, der einen Anzug kaufte (die Drucke sind eine Geschichte, die in fünf Szenen erzählt wird, die an einen Film aus den 1940er-Jahren erinnern). „Suit Shopping: An Engraved Narrative“ wurde 2002 fertiggestellt und fand in der Kunstwelt großen Anklang. Er verbrachte weitere sechs Jahre mit einer Stichserie mit dem Titel „Tag der offenen Tür“, die sich mit dem modernen Ritual des Hauskaufs befasst. Seine zeitgenössischen Objekte und Bilder – der Saarinen-Tulpenstuhl und die Alessi-Teekanne in der Küche, das Fitnessgerät in einem Schlafzimmer und eine Menschenmenge von Fremden – werden in paralleler Kreuzschraffur dargestellt, einer sorgfältigen und lebendigen Technik, die sie sowohl erkennbar als auch seltsam macht. Sie klingen voller Vorzeichen. „Open House“ brachte ihm 2008 ein Guggenheim-Stipendium ein.
Sein nächstes Projekt dauerte acht Jahre. „Die Autobiographie eines Gartens“ ist eine Serie von 12 Tafeln, die Mr. Raftery, einen ernsthaften Gärtner, im Laufe eines Jahres zeigen, wie er im Beet Saatgutkataloge liest, ein Frühbeet gießt und Sträucher beschneidet. Jede monatliche Aktivität ist wunderbar detailliert in den Gravuren dargestellt, die er zur Herstellung der als Transferware bekannten Keramiken verwendet hat – zum Beispiel die Schatten und Falten des Wintermantels, den er beim Graben von Dahlienknollen trägt. Jedes hat die erzählerische Kraft einer John-Cheever-Geschichte, wie der Künstler Cary Leibowitz, Co-Leiter der Druckabteilung des Auktionshauses Phillips de Pury, in einem Telefoninterview sagte.
Gravieren ist ein Marathon, kein Sprint. „Das Wichtigste ist Übung“, sagte Mr. Raftery, jetzt 61, der in seinem dritten Jahr an der Kunstschule einen Stichel, das Gravierwerkzeug, in die Hand nahm und begeistert war. „Es geht darum, neue Wege zu erlernen, Punkte zu machen und neue Wege zu finden, in eine Linie hinein- und herauszukommen. Wenn man sich historische Stiche anschaut, sieht man jeden Strich. Es ist nicht wie ein Gemälde, das all diese Schichten hat. Wir werden nie wirklich verstehen, wie Vermeer seine Bilder malte, aber in der Gravur kann man absolut sehen, wo das Werkzeug hinein- und wieder herauskam und wie stark der Künstler drückte.“
„Andrew ist Slow Food im Zeitalter von McDonald’s“, sagte Benedict Leca, der Geschäftsführer der Redwood Library und des Athenaeum in Newport, Rhode Island, der Herrn Raftery damit beauftragt hat, eine Tapete für einen Raum in der Bibliothek zu entwerfen Die Mission von Herrn Leca, zeitgenössische Kunst in der fast 300 Jahre alten Institution zu installieren. „Ich weiß nicht, ob es einen anderen Menschen auf der Welt gibt, der eine ‚großartige Art‘ schaffen kann.“ [traditional old master] Stichel gravieren, so gut er kann. Seine Sachen sind aus den Charts.“
Und so, zum Tapezieren. Als Mr. Raftery seine Transferware-Teller fertiggestellt hatte, die 2016 in der Ryan Lee Gallery in New York City ausgestellt wurden, schuf er eine Tapete als Hintergrund für die Installation, ein komplexes Blattmuster, das er „Frühlingssalat“ nannte und das ihn verließ Ich möchte das Medium umfassender erforschen. Er erforschte die Geschichte der Tapete und lernte die französische Tradition kennen, Tapeten auf kleinen Bögen herzustellen. Er ließ sich erneut von seinem Garten inspirieren. Die von ihm entworfenen Designs spiegeln die vier Jahreszeiten wider: Schwertlilien und Rosmarin für den Frühling, zweifarbige Buntnessel für den Sommer, Amaranth und Coxcombs für den Herbst. Skelette einheimischer Pflanzen – Astern, Goldruten und Disteln – ragen im Winter durch den Schnee.
Wenn diese Bilder ruhig klingen, denken Sie noch einmal darüber nach. Sie werden in satten, psychedelischen Farben gedruckt, die sich vermischen und hervorstechen lassen, dank eines komplizierten Prozesses, der auf die Unterstützung eines lokalen Druckers und Künstlers, Dan Wood, angewiesen ist, der in Providence eine Buchdruckerei betreibt.
In den frühen Tagen der Covid-Krise installierte Herr Raftery die Zeitung selbst in seinem 250 Jahre alten Haus in Providence – eine Saison lang für jedes der vier Schlafzimmer, wobei etwa 300 Blätter pro Zimmer verbraucht wurden. Er folgte den Anweisungen eines Handbuchs einer Tapetenhandelsschule aus den 1920er Jahren. Er lernte, Weizenstärke für den Leim zu mischen und jedes Blatt an seinen Platz zu legen und es hin und her zu strecken, damit die Muster aneinander ausgerichtet waren. Es sei eine perfekte Methode, sagte er, für die holprigen Putzwände seines Hauses. Jetzt ist sein gesamtes Obergeschoss eine Kunstinstallation.
An einem dampfenden Sommernachmittag führte er mich hindurch. Er und sein Partner Ned Lochaya, ein Verwalter eines Gesundheitsunternehmens, kauften das Gebäude im Jahr 2018. Es wurde 1765 erbaut und diente während des Unabhängigkeitskrieges zur Lagerung von Schießpulver; Mitte des 19. Jahrhunderts wurde es einige hundert Meter von seinem ursprünglichen Standort entfernt und in ein Kutscherhaus umgewandelt, wobei Teile angebaut wurden. Ein Architekt und Künstler hat es in den 1970er Jahren renoviert, allerdings nicht vollständig. Es gibt eine moderne Küche und ein Studio für Mr. Raftery. Als er und Mr. Lochaya auf das Haus boten, gab es keine große Konkurrenz. (Sie zahlten 635.000 US-Dollar, fast 25 Prozent weniger als der ursprünglich geforderte Preis.) Niemand sonst schien kleine Räume, steil geneigte Böden, niedrige Decken (und niedrigere Türköpfe; Mr. Raftery, der 1,90 Meter groß ist, muss) zu wollen Denken Sie daran, sich zu ducken) und Wände, die alles andere als lotrecht sind.
„Als ich das Haus sah“, sagte Mr. Raftery, „konnte ich es nicht glauben. Es kommt mir vor, als hätte ich mein ganzes Leben auf ein Haus wie dieses gewartet.“
Er sagte, er habe 27 Jahre lang wie ein Doktorand in einer kleinen Wohnung in Providence gelebt. Er hatte keine nennenswerten Möbel, aber seine Wohnung war vollgestopft mit Tausenden von Transferware-Stücken, einer schwindelerregenden Sammlung, die er und Mr. Lochaya über Jahrzehnte zusammengetragen haben. Herr Lochaya hat ein Brownstone-Haus in Brooklyn, und das Paar, das seit mehr als 30 Jahren zusammen ist, pendelte früher sich vor der Pandemie wiederzusehen.
Als sie das Haus kauften, füllten sie es nach und nach mit historischen Stücken und Reproduktionen, die bei einer Auktion gefunden wurden. Es war nicht schwer. Für sogenannte braune Möbel gab es keinen großen Markt. Sie kauften Windsor-Stühle, ein Sheraton-Sofa, eine Standuhr und viele (elektrifizierte) Öllampen. Sie hängten ihre Kupferstichsammlung aus dem 16. Jahrhundert auf. Herr Raftery wechselt die Arbeiten jedes Jahr. Bei meinem Besuch waren Porträts zu sehen – Alexander der Große marschierte in Babylon ein; ein schlau aussehender Ludwig XIV.; und Madame Récamier, die Prominente des 18. Jahrhunderts, auf ihrem Sterbebett.
Im Esszimmer sind die Wände mit Transfergeschirr übersät, einer weiteren saisonalen Kuration, die Mr. Raftery nach Farben wechselt. Weitere Stücke befinden sich im Keller, zusammen mit der Sammlung des Paares an amerikanischem Pressglas.
„Unsere Sammler-Ära liegt vor 1851“, sagte Raftery, „bevor das Zeitalter der Designreform und die Idee des ‚guten‘ Designs die Oberhand gewann.“ Dann verlieren wir das Interesse.“
In seinem Atelier befanden sich Studien seiner aktuellen Arbeit, zarte Aquarelle historischer Räume mit malerischen Tapeten, die er in den letzten zwei Jahren im Winterthur Museum, Garden and Library in Delaware und in anderen historischen Häusern im Osten entworfen hatte. (Diese Werke werden vom 16. Oktober bis zum 24. November in der Ryan Lee Gallery in Chelsea zu sehen sein.) Szenische Tapeten, die im 19. Jahrhundert beliebt waren und in exquisitem Blockdruckverfahren (in heute oft zum Schaudern erregenden Themen) hergestellt wurden, waren es Sie vermitteln ihren Betrachtern die „Natur“ ihrer Zeit. Zu den Themen gehörten die Tigerjagd in Indien; Chinesische Motive; Szenen aus Werken des westlichen Kanons, wie „Die Odyssee“; und Kolonialismus und Rassismus im In- und Ausland.
Herr Raftery engagiert sich zutiefst für historische Kunstpraktiken und Bildsprache.
„Wir sind alle von Überbleibseln der Vergangenheit umgeben, diesen vielseitigen Erfahrungen und Objekten, die sich im Laufe der Zeit angesammelt haben“, sagte er. „Das ist es, was für mich das Zeitgenössische ausmacht. Dabei geht es nicht um brandneue Produkte oder Bilder, die durch Werbung entstehen. Wir leben in der Geschichte. ”