Mark Bradford fand seinen Weg zum Künstler, als er im Schönheitssalon seiner Mutter arbeitete. Der in Los Angeles geborene Künstler verwendete Schichten des billigen Vorsatzpapiers – dünne, zarte Tücher, die das Haar vor dem Verbrennen während der Dauerwelle schützen – anstelle von Farbe in seinen frühen Arbeiten, die ihm bald einen internationalen Ruf einbrachten und schließlich zum offiziellen US-Pavillon führten auf der Biennale von Venedig 2017, seiner bislang wichtigsten Ausstellung.
Als Thelma Golden ihn fast 40 Jahre alt war, um an ihrer bahnbrechenden „Freestyle“-Ausstellung im Studio Museum in Harlem im Jahr 2001 teilzunehmen, in der überwiegend junge schwarze Künstler zu sehen waren, die sich der Abstraktion verschrieben und die Dogmen der Repräsentation herausgefordert hatten, entwickelte er sich zu einem der größten lebenden Maler Amerikas. Technisch gesehen verwendet er jedoch weiterhin Papier und nicht Farbe als sein Hauptmedium.
In „You Don’t Have to Tell Me Twice“ nehmen Bradfords Werke die gesamte fünfstöckige Chelsea-Flaggschiffausstellung von Hauser & Wirth ein, seine erste New Yorker Einzelausstellung seit 2015, und zeigt ein Dutzend Gemälde sowie zwei Werke, die die Stimmung bestimmen. eine Skulptur und eine Videoarbeit, in denen der Künstler Bilanz zieht und seinen eigenen kometenhaften Aufstieg beurteilt.
In den Dutzenden großformatigen Gemälden, die in Bradfords unverwechselbarem Stil unter Verwendung gefundener Papiere entstanden sind, gibt es keine größeren Offenbarungen. Es gibt auch keine Fehlschläge. So großartig und beeindruckend wie eh und je hat er seine Arbeitsmethode verfeinert, die es schafft, die Geschichte der Allover-Abstraktion von Jackson Pollock bis Gerhard Richter mit dem Papier zu verbinden, das er oft aus seiner Umgebung bezieht, und so den vertrauten visuellen Effekt von verwittertem und verwittertem Papier nachzubilden Freigelegte Schichten von mit Weizenkleister beklebten Plakaten oder Reklametafeln, die die Straßen der Stadt markieren.
Im gesamten Gebäude der Galerie dominieren gedämpfte Töne und silbrige Metallic-Farben. In „Johnny the Jaguar“ (2023) ist der zähnefletschende Kopf der titelgebenden Großkatze auf einer ansonsten chaotischen Fläche zu erkennen, die wie ein abgenutzter und verschlissener Wandteppich aussieht, von dem nur ein Fragment der Originalkomposition lesbar ist.
Auf der hoch aufragenden Assemblage von „Manifest Destiny“ (2023) steht in fetten weißen Großbuchstaben „Johnny Buys Houses“ und beschwört das Gespenst der Gentrifizierung. Zu Bradfords Werken gehören oft Schilder und Werbung, die von Wänden und Zäunen im öffentlichen Raum gerissen wurden. Die Farbtupfer des Werks stammen hier teilweise aus den Resten eines Werbeplakats für ein Foo Fighters-Konzert.
Obwohl sie das gesamte Gebäude einnimmt, wirkt die Ausstellung mit nur 14 Werken intim, sogar bescheiden. Zu den 12 Gemälden (10 aus dem Jahr 2023, zwei aus dem Jahr 2021) gesellen sich die beiden Ausreißerwerke, beide mit dem Titel „Death Drop“, beide eine Art Selbstporträts, die den Blick des Künstlers in den Spiegel einfangen und so einen ruhigen Selbstton vermitteln -Reflexion, die sich durch die ganze Show zieht.
Das erste, „Death Drop, 1973“ (1973), eine neuere Videoarbeit, die der Künstler als Super-8-Filmquelle datiert hat, fängt einen kurzen Moment ein, in dem ein junger Bradford neben einem Zaun auf einem Spielplatz oder Park steht und eine… dramatischer Sturz für die Kamera. Aber der sich wiederholende digitalisierte Schnitt verlangsamt sich in diesem Herbst dramatisch.
Bradfords lange Gestalt, selbst in einer roten Daunenjacke schlank, krümmt sich in einem parabolischen Kollaps, während seine Hüften in Bluejeans sich bewegen und in den Zaun hinabsinken, nur um dann nach oben umzukehren, bevor er auf dem Boden aufschlägt. Er erhebt sich, bis seine Hände in einer ballistischen Form über seinem Kopf ragen, um dann wieder nach unten zu fallen und sich in 20-Sekunden-Zyklen in einer Endlosschleife zu bewegen.
Die hypnotische Wiederholung lenkt die Aufmerksamkeit auf Randaspekte des Videos, wie die bedrohliche Schattengestalt eines knurrenden Hundes auf der anderen Seite des Zauns oder den gleichgültigen weißen Mann, der im Hintergrund scheinbar in ein Handballspiel vertieft ist. Ein in Erinnerung gebliebener Moment im städtischen öffentlichen Raum, ein Kind, das Blödsinn macht, bevor eine Kamera zur Choreografie wird.
Wenn der jugendliche Bradford des „Death Drop“-Videos nie den Boden berührt, scheint der Bradford des zweiten „Death Drop 2023“ (2023), 50 Jahre später, auf den ersten Blick ihn niemals zu verlassen. Die überlebensgroße Skulptur, die sich über eine Länge von etwa drei Metern erstreckt, stellt ein gefallenes Abbild des Künstlers dar, das auf dem Bauch liegt und in Weiß gehalten ist, die Arme dramatisch ausgestreckt, das linke Bein ausgestreckt und das rechte Bein neben ihm scharf am Knie angewinkelt.
Auf den ersten Blick sieht es aus wie die Nachwirkungen eines heftigen Sturzes. Doch der Titel deutet stattdessen auf einen dramatischen Moment im Tanz hin und bezieht sich auf die in der schwulen Ballsaalkultur populäre „Death Drop“-Pose, bei der der Darsteller in dieser Position zu Boden fällt, sich dann wieder erhebt und dann weiter tanzt.
Ein genauer Blick auf die Skulptur offenbart ein rhythmisches Muster aus Markierungen, bei denen die Oberfläche der Figur abgenutzt wurde, wobei eine Technik von seinen Gemälden übernommen wurde, um darunter Farbnuancen freizulegen.
Auch nach Jahrzehnten seines etablierten Stils klebt und schichtet Bradford weiterhin Schutt und Primärdokumente des Lebens und der Kultur auf seine Leinwände. Hier mag das übergroße Konterfei des Künstlers über den Boden ausgebreitet sein, aber Mark Bradford steht immer noch: ein Riese.
Mark Bradford: Du musst es mir nicht zweimal sagen
Bis zum 28. Juli bei Hauser & Wirth, 542 West 22nd Street, Manhattan; 212-790-3900, hauserwirth.com.