Untergang ist relativ. In letzter Zeit beklagen meine Kollegen in der britischen Presse den Niedergang der Londoner Musikszene; John Allison, der Herausgeber von Oper schreibt, dass sich die Stadt nach dem Brexit „viel weniger wie eine große Kulturhauptstadt anfühlt“. Doch ein kürzlicher dreitägiger Besuch in London machte mich neidisch auf die angebotenen Reichtümer. Zuerst ging ich in die Royal Albert Hall, um der Last Night of the Proms beizuwohnen, dem Höhepunkt des Sommerkonzerts der BBC; Die überragende norwegische Sopranistin Lise Davidsen donnerte „Rule, Britannia“, während fünftausend Zuschauer darum kämpften, in der Lautstärke mit ihr mitzuhalten. Am nächsten Morgen sah ich in der Wigmore Hall das Doric Quartett vor ausverkauftem Haus Schuberts G-Dur-Quartett spielen. Schließlich habe ich mir eine Neuinszenierung von Wagners „Rheingold“ an der Royal Opera angesehen. Wenn ich in der Lage gewesen wäre, mich selbst zu reproduzieren, hätte ich auch den Tenor Lawrence Brownlee, die Sopranistin Asmik Grigorian und die Pianisten Mitsuko Uchida, Jonathan Biss und Paul Lewis hören können. Und das halbe Dutzend Londoner Orchester hatten noch nicht einmal ihre reguläre Spielzeit begonnen.
Natürlich sind unheilvolle Dinge im Gange. Im vergangenen November kürzte der Arts Council England die Mittel für die English National Opera, Londons zweites Opernhaus, und wies das Unternehmen an, mit der Planung eines Umzugs in eine andere Stadt zu beginnen. Anfang des Jahres drohte die BBC damit, die BBC Singers, einen beliebten Kammerchor, zu schließen. Viele britische Kulturschaffende haben ebenso wie ihre amerikanischen Kollegen Angst davor, mit vermeintlich snobistischen Kunstformen in Verbindung gebracht zu werden. Stattdessen verfolgen sie eine populistische Agenda, die Profit, Berühmtheit und Corporate Branding in den Vordergrund stellt. Da der Arts Council die Opern- und Orchesterbudgets kürzte, gewährte er dem National Football Museum einen Zuschuss. Im gleichen Sinne ließ das Lincoln Center kürzlich zu, dass sein Platz vom Nike World Basketball Festival überrannt wurde.
Was einen amerikanischen Beobachter beeindruckt, ist die Wildheit, mit der sich die Briten dem Gebaren selbstschützender Bonzen widersetzt haben. Bei der Last Night of the Proms erhielten die BBC Singers anhaltenden Applaus – ein Symbol für den aufkeimenden Protest, der die BBC gezwungen hatte, ihre Auflösung der Gruppe zu überdenken. Als der Vorsitzende des Arts Council letztes Jahr unzusammenhängend einen Fokus auf „Oper auf Parkplätzen, Oper in Kneipen, Oper auf Ihrem Tablet“ forderte, wurden Zeitungen und soziale Medien mit kreativem Gekicher überschwemmt. („Nissan Dorma“ war eine Schlagzeile in der Wächter.) Wenn nur die Beschneidung klassischer Musik im Lincoln Center, der Brooklyn Academy of Music und anderen New Yorker Institutionen einen vergleichbaren Aufschrei auslösen würde. Hinter den Kulissen hört man viel Murren, aber wenig öffentlichen Widerstand. Britische Musikliebhaber wissen, dass das kleinste Stück Land, das einmal aufgegeben wurde, niemals mehr zurückgegeben werden kann.
Bei „Last Night“ war eine urwüchsige Leidenschaft für Musik zu spüren – ein überwältigend britisches Ritual, das ich noch nie persönlich miterlebt hatte. Der Abend endet mit dem Brüllen patriotischer Melodien, begleitet von Fahnenschwenken, Konfettispritzern, platzenden Luftballons und choreografierter Albernheit. Die Krämpfe des kolonialistischen Bombasts waren beunruhigend – „Rule, Britannia! „Herrsche über die Wellen: / Briten werden niemals Sklaven sein“ – aber ein Wirbelsturm von EU-Flaggen milderte die Rah-Rah-Stimmung, ebenso wie das lockere Geplänkel der amerikanischen Dirigentin Marin Alsop, die in Großbritannien mehr geschätzt zu sein scheint als in ihrem Heimatland. Was mich am meisten beeindruckte, war die musikalische Kompetenz des versammelten Publikums. Eine Masseninterpretation von „Jerusalem“, Charles Hubert Parrys hymnischer Vertonung des Gedichts von William Blake, war sowohl gestimmt als auch dynamisch abgestuft, mit einem Absinken ins Klavier bei „I will not keep from mental Fight“ und einem Crescendo zu „England’s Green and.“ angenehmes Land.“ Das Imperium ist verschwunden, doch seine klangliche Pracht bleibt bestehen.
New Yorker haben Grund, sich für das „Rheingold“ der Royal Opera zu interessieren, da es möglicherweise für diese Küsten bestimmt ist. Das Met hatte geplant, gemeinsam mit der English National Opera einen „Ring“-Zyklus zu produzieren, aber dieses Projekt blieb auf der Strecke. Die Royal Opera startet jetzt ihren eigenen „Ring“, und Peter Gelb, der Generaldirektor der Met, kam nach London, um dies zu planen. Wenn Gelb ein Spektakel in der Größenordnung früherer Met-„Ringe“ sucht, könnte er enttäuscht worden sein: Es waren weder 45-Tonnen-Maschinen noch schimmernde Walhalla-Schlösser zu sehen. Wenn Gelb jedoch eine entschlossene, zusammenhängende Regie wünscht, dann könnte diese Show – unter der Regie von Barrie Kosky, mit Bühnenbildern von Rufus Didwiszus, Beleuchtung von Alessandro Carletti und Kostümen von Victoria Behr – genau das Richtige sein.
Kosky, der kürzlich seine Anstellung an der Komischen Oper in Berlin abgeschlossen hat, ist ein Provokateur mit Showbiz-Fähigkeiten. Seine Inszenierung von „Die Meistersinger“ bei den Bayreuther Festspielen im Jahr 2017 gelang es, diese gigantische Oper lustig zu machen, wobei der erste Akt in Wagners Wohnzimmer bei Wahnfried spielt. Verspieltheit zeichnet auch sein „Rheingold“ aus, das der Komödie so nahe kommt wie der „Ring“. In dieser Inszenierung sehen die Götter aus wie britische Könige, die eine Runde Polo spielen und ein Picknick machen. Die Giganten Fasolt und Fafner ähneln gehobenen Gangstern, die aus einer Folge von „Luther“ hereingekommen sind. Die Possen in moderner Kleidung entfalten sich vor einem kahlen, düsteren Hintergrund, vor dem ein geschwärzter Baum quer über der Bühne liegt. In jeder Szene ist die Erdgöttin Erda präsent – eine alte, nackte, traurige Zeugin. Sie wird mit stummer Würde von der Schauspielerin Rose Knox-Peebles gespielt.
Nichts davon ist erschreckend neu: „Ring“-Regisseure deuten seit Jahrzehnten auf eine ökologische Krise hin. Was zählt, ist die entscheidende Präzision, die Kosky in sein Szenario einbringt. Jeder Charakter ist scharf umrissen und geschickt blockiert; Ein Freund bemerkte, dass man wie bei einem klaren Tennis-Volleyball immer den Ball sieht. Dabei mangelt es der Inszenierung nicht an unheimlichen, psychisch verstörenden Bildern. Das Gold nimmt die Form einer leuchtenden Flüssigkeit an, die aus den Rissen im Baum strömt, wie die Körperflüssigkeit einer leidenden Erde. In der Unterwelt von Nibelheim wird Erda an einen Baum gefesselt, während ein hydraulischer Apparat das Gold herauspumpt.
Koskys Leitung der Sänger passte eher zu den Männern als zu den Frauen. Christopher Maltman übernahm die Rolle des Wotan mit schauspielerischem Elan und vermittelte die ahnungslose Arroganz des Gottes durch schmaläugige Blicke und herrische Gesten. Allerdings mangelte es Maltmans Diktion an Durchschlagskraft, und seine Stimme wurde am unteren Ende dünner. Christopher Purves lieferte ein ungewöhnlich ergreifendes Porträt des verfluchten und fluchenden Zwergs Alberich. Auch Brenton Ryans Mime war ausdrucksvoller und einfühlsamer, als es für diese unglückliche Rolle üblich ist. Sean Panikkar als Loge flitzte mit ballettartiger Anmut umher und zeigte eine präzise Intonation und klare Diktion. Insung Sim und Soloman Howard schufen nuancierte, aussagekräftige Charakterisierungen der Giganten.
Weniger aussagekräftig war Marina Prudenskayas Darstellung von Fricka – oder genauer gesagt die Darstellung, die Kosky für sie entworfen hatte. Wotans Frau wirkt wie eine dämliche Gesellschaftsdame, die in einer Zeitschrift blättert, dabei schimpfende Bemerkungen macht und groteske Gesichter schneidet. Eine solche Karikatur liegt gewissermaßen in der Rolle, doch Wagner verleiht Fricka auch Momente der Vornehmheit und Weisheit. Hoffen wir, dass sich die Vorstellung vertieft, wenn Kosky bei „Die Walküre“ ankommt. Ich zuckte auch zusammen, als ich einiges von dem sah, was Kiandra Howarth, eine Freia mit ihrer feinen Stimme, ertragen musste: Als die Riesen ihren Lohn von den Göttern auszahlen, wird sie in eine Badewanne mit goldenem Glibber getaucht. Koskys Werk ist etwas zu anfällig für jugendliche Scherze: Eine Penisprothese für Alberich löste nervöses Kichern, aber keine dramatischen Einsichten aus.
Eine schwerwiegendere Fehleinschätzung war das Herablassen des Vorhangs während der Orchesterübergänge zwischen den Szenen. Als Wotan und Loge nach Nibelheim hinabsteigen, blicken wir auf die eingestickte Legende „E II R“, die irrelevante Gedanken an die verstorbene Königin weckt. Natürlich wurde in der Pause des Geschehens die brillante Arbeit des Orchesters der Royal Opera unter der fließenden, idiomatischen Leitung von Antonio Pappano hervorgehoben. Aber Wagner hat die Oper präzise konstruiert, um jeden Bruch in der Kontinuität zu vermeiden. Es wäre besser gewesen, den Vorhang offen zu lassen und die Bühnenarbeiter bei der Arbeit zu sehen. Eine solche Wahl hätte im Übrigen als Erinnerung daran gedient, dass die sogenannten elitären Künste eine Lebensgemeinschaft sind, die harte Arbeit und verfeinerte Fähigkeiten erfordert. ♦