Am Donnerstag wird die Dramatikerin Larissa FastHorse als erste indianische Frau ein Theaterstück am Broadway produzieren lassen. In „The Thanksgiving Play“, einer Satire, die bereits im ganzen Land aufgeführt wurde, kämpfen vier Darsteller darum, einen Schulwettbewerb zu entwickeln, der historisch korrekt ist und die Ureinwohner respektiert, aber das Publikum nicht mit einem schrecklichen Gefühl zurücklässt – eine große Herausforderung, präsentiert komödiantisch, dass die Charaktere möglicherweise nicht in der Lage sind, durchzuziehen.
FastHorse, das zur Sicangu-Lakota-Nation gehört, sprach kürzlich mit dem New-Yorker Theaterkritiker Vinson Cunningham für The New Yorker Radio Hour. Als ehemalige Balletttänzerin arbeitete FastHorse für Film und Fernsehen, bevor sie zum Theater wechselte, und wurde 2020 MacArthur Fellow. Neben dem Schreiben von Theaterstücken ist sie Mitbegründerin von Indigenous Direction, einer Organisation, die Film- und Theaterproduktionen berät Native Themen integrieren. Sie und Cunningham diskutierten Rassen beim Casting, Schreiben für ein „wohlmeinendes“ weißes Publikum und die Praxis der Landanerkennung vor Auftritten. FastHorse eröffnete das Gespräch, das aus Gründen der Länge und Klarheit bearbeitet wurde, indem sie Details über ihre Erziehung mitteilte.
„Ich bin in South Dakota aufgewachsen, wo meine Lakota-Leute herkommen, aber ich wurde in jungen Jahren adoptiert, eine offene Adoption von einer weißen Familie, die lange Zeit im Reservat gearbeitet hatte, dem Reservat, aus dem ich komme. ” Sie sagte. „Ich wurde immer sehr bewusst meiner Lakota-Identität und meiner Lakota-Kultur erzogen, und sie brachten viele Mentoren und Älteste in mein Leben, um mir zu helfen, in Verbindung zu bleiben. Aber gleichzeitig wuchs ich in einer sehr weißen Kultur auf. Meine erste Karriere war im klassischen Ballett, viel weißer geht es also kaum. Ich weiß nicht – vielleicht Oper? Ich bin mir nicht sicher.”
Es gibt eine Liste. Ganz oben steht Ballett. [Laughs.]
Sie sind weit oben. Ballett ist unter den ersten fünf. Zu der Zeit, als ich jünger war, war es sehr schmerzhaft, von vielen Dingen getrennt zu sein, an denen ich das Gefühl hatte, nicht teilnehmen zu können, weil ich nicht im Reservat aufgewachsen bin oder von denen ich weg war meine Lakota-Familie so lange. Das war sehr schwer, aber jetzt erkenne ich es wirklich als meine Superkraft an, dass ich die Kultur und Erfahrungen der Lakota und zeitgenössische indigene Erfahrungen nehmen und sie für das weiße Publikum übersetzen kann – das leider immer noch die Mehrheit des Publikums im amerikanischen Theater ist.
Ich möchte zum Ballett zurückkehren, denn es scheint ein wirklich wichtiger Teil Ihres Lebens zu sein, dass Sie ein professioneller Balletttänzer sind. Wie sehr ist Ihnen Ihre Ausbildung als Tänzerin im Gedächtnis geblieben? Ist das ein Teil Ihrer Herangehensweise als Schriftsteller? Denken Sie oft daran, wenn Sie arbeiten?
Oh ja. Mein Balletthintergrund hat großen Einfluss auf meine Arbeit als Dramatiker. Zunächst einmal nur in der Arbeitsmoral. Von Balletttänzern wird erwartet, dass man ihnen einmal etwas zeigt, und dann arbeitet man selbst daran und kommt zurück und hat es hinbekommen. Die Leute werden nicht dasitzen und viel Zeit damit verbringen, Dinge mit dem Löffel zu füttern oder dir eine Sache nach der anderen beizubringen. Von dir wird erwartet, dass du es lernst, dein eigenes Training nachts machst, nach sechs Stunden Unterricht und Proben. Von Ihnen wird erwartet, dass Sie viel alleine machen, und diese Art von Arbeitsmoral hat mir als Dramatiker sicherlich geholfen, wo Sie manchmal Monate allein zu Hause schreiben und diese Frist verpassen könnten. Niemand wird dich anschreien. Aber man kann es auch wirklich in meinem Schreiben sehen. Es gibt viel bewegungsbasiertes Schauspiel [and] textfreie Szenen in meiner Arbeit.
„The Thanksgiving Play“ ist ein perfektes Beispiel. Es gibt mehrere Szenen, die wenig bis gar keinen Text haben, die bewegungsbasiert sind und die Geschichte vorantreiben. Sie sind für die Geschichte unerlässlich, aber ohne Text oder sehr wenig Text und mit viel Bewegung und Gesten. Und dann würde ich auch sagen, was meinen Prozess betrifft, wurde ich hauptsächlich in der Tradition von George Balanchine ausgebildet. Seine Art, mit Tänzern und seiner Choreografie zu arbeiten, bestand darin, sie ständig zu ändern, je nachdem, mit wem er arbeitete. Wenn ich also mit Schauspielern zusammen bin, wie ich es in den letzten paar Monaten hier in New York war, passe ich meine Arbeit ständig an diese Gruppe von Menschen an, damit sie ihre Stärken hervorhebt und perfekt für sie ist. Meine Arbeit ändert sich also immer, wenn ich im Raum bin.
Also „The Thanksgiving Play“: Es geht um vier Leute, die sich, sagen wir, als Weiße präsentieren. Sie versuchen, ein Theaterstück über das erste Thanksgiving aufzuführen, und versäumen es oft, diese einheimische Präsenz anzuerkennen, die sie irgendwie hervorzuheben versuchen. Ich habe viel darüber nachgedacht, was in Florida passiert, darüber, wie wir unsere Kinder über Themen aufklären, die sie schuldig oder verärgert machen könnten. An wie viele der heutigen Dramen über Bildung, Rasse und Geschichte haben Sie bei dieser neuen Produktion gedacht?
Ach, viel. Ich habe definitiv viel für die Zeit aktualisiert. Es ist interessant, dass Sie Florida erwähnt haben. Die Gesetze besagen, wenn etwas verursacht – ich denke, es sind Schuldgefühle, Unbehagen oder Angst, je nach Rasse –, darf es nicht in einer Schule gelehrt werden. Sie werden diese Worte im Stück hören, wenn Sie dazu kommen. Ich wollte sicherstellen, dass diese Leute – denn sie sind, ich nenne es „performatives Erwachen“ – weiße Leute sind, liberale Leute, die sich wirklich bemühen, alles richtig zu machen, und, wie Sie sagten, alles falsch machen. Ich wollte sicherstellen, dass sie Menschen von heute sind und nicht jemand, den man anschauen kann – ich möchte nicht, dass die Leute sagen können: „Oh, nun, seit 2020 haben wir uns verändert, also ist das nicht so Mich.” Denn das ist es definitiv noch. Aber interessanterweise war eine meiner ersten Schreib-Mentorinnen die großartige Merata Mita, eine Maori-Autorin und Filmemacherin aus Neuseeland/Aotearoa, und sie sagte zu mir, bei meinem allerersten Drehbuch, das ich geschrieben habe, bevor ich Theaterstücke schrieb, sie sagte: „Larissa, du kannst Künstlerin oder Pädagogin sein. Wenn du versuchst, beides zu sein, machst du einen schlecht, also musst du dich für einen entscheiden.“ Ich habe mich für Künstler entschieden, und sie sagte, es gibt sicher Kunst, die bildet, und es gibt Bildung, die künstlerisch ist, aber man muss sich entscheiden, welcher man ist, und dem treu bleiben.
Ich kann mir vorstellen, dass diese Spannung durch die Erwartungen des Publikums noch verstärkt wird. So wie die Kunst in Amerika passiert – normalerweise ist das Publikum weiß, oder?
Rechts.
Und ich denke, es ist fair zu sagen, dass einige Leute auf irgendeiner Ebene zum Theater kommen, in der Hoffnung, im Gegensatz zu Kunst eine Art pädagogische Erfahrung zu machen. Was ich an deinem Stück liebe, ist, dass es so ist: „Nein, du wirst nur lachen und es wird sich komisch anfühlen.“ Ist das etwas, womit du gerne spielst, oder fühlt es sich wie eine Hürde an?