Kritik: Ein starker Eddie Redmayne kann „Cabaret“ am Broadway nicht retten

Wenn das Ambiente das Geheimnis des Theatererfolgs wäre, wäre die neue Broadway-Wiederaufnahme von „Cabaret“, die am Sonntag im August Wilson Theatre eröffnet wurde, der Hit des Jahres.

Der Veranstaltungsort wurde in den Kit Kat Club verwandelt, den Berliner Nachtlokal der Weimarer Ära, in dem die freche Pastiche-Partitur von John Kander und Fred Ebb ihr dekadentes Zeug zur Schau stellt.

Ein Prolog lädt die Theaterbesucher ein, in den feuchtfröhlichen, burlesken Geist der Show einzutauchen, bevor sie richtig beginnt. In der Bar herrscht geschäftiges Treiben, während Tänzer mit verrücktem Eklektizismus einen Vorgeschmack auf die gewagte Unterhaltung bieten, die jeden Fetisch erwartet.

Die traditionelle Proszeniumsbühne des Theaters, die Lea Michele vor nicht allzu langer Zeit in ihrem Auftritt als Fanny Brice in der Wiederaufnahme von „Funny Girl“ in Brand setzte, wurde in einen runden Zuschauerraum umgestaltet. Eine Frau, die vor mir saß, fragte, ob ich ein Glas Wein hätte. Ich lehnte ab. Ich ziehe es vor, meinen Rausch im Theater künstlerisch zu verwalten, und da liegt der Haken an dieser unberechenbaren Wiederbelebung.

Die Produktion, ein britischer Import unter der Regie von Rebecca Frecknall, gewann sieben Olivier Awards, darunter das beste Musical. Aber bei der Transatlantiküberquerung ist etwas Wichtiges verloren gegangen.

Eddie Redmayne, dessen kinetische Darstellung des Moderators in London für Gesprächsstoff sorgte, wiederholt seine Darstellung in der Rolle, die Joel Gray und Alan Cumming ewigen Ruhm einbrachte. Redmayne wurde mit einem Oscar (für die Rolle des Stephen Hawking in „The Theory of Everything“) und einem Tony Award (für seine Hauptdarstellerin in „Red“) ausgezeichnet und drückt der Figur in einer faszinierenden Darbietung, die ebenso körperlich präzise ist, seinen eigenen androgynen Stempel auf weil es theatralisch gewagt ist.

Geschmückt wie ein Marionettenclown mit sexuellen Neigungen, die sich nicht in offizielle Kategorien eingrenzen lassen, ähnelt er einer Howdy Doody-Figur, die für eine wilde Fotostrecke in Vogue Hommes neu erfunden wurde. Mit seinem sehnigen Oberkörper, der sich mit Anmut eines Schleudertraumas windet, und mit seinen Armen, die sich wie Schlangen bewegen, die dem Charme einer Klarinette verfallen sind, hebt Redmayne die Produktion nicht durch sein musikalisches Showtalent, sondern durch seine kraftvoll eingesetzte Bühnenpräsenz hervor.

Wenn Sie auf der Suche nach kraftvollem Gesang sind, wird diese „Cabaret“-Aufführung eine bittere Enttäuschung sein. Die Produktion bleibt der schäbigen Berliner Ästhetik des Schauplatzes der Show treu. Die Charaktere in Joe Masteroffs Buch, das auf dem Stück „I Am a Camera“ von John van Druten basiert, das wiederum auf Geschichten von Christopher Isherwood basiert, sind nicht dazu gedacht, Broadway-Olympioniken zu sein.

Gayle Rankin als Sally Bowles in der Broadway-Wiederaufnahme von „Cabaret“ im Jahr 2024.

(Marc Brenner)

Man geht davon aus, dass Liza Minnelli, die für ihre Darstellung der Sally Bowles in der brillanten Verfilmung von „Cabaret“ einen Oscar gewann, eine zu versierte Darstellerin für diese Rolle war. Ich habe diesem Argument nie großen Glauben geschenkt, da ich glaube, dass Filmmusicals, wie Musicals im Allgemeinen, durch virtuoses Singen und Tanzen hervorgehoben werden.

Aber auf jeden Fall treibt diese Produktion diese Vorstellung von fiktionaler Integrität in der Besetzung von Gayle Rankin als Sally Bowles auf ein lächerliches Extrem. Jessie Buckley, eine renommierte Sängerin und packende Dramaschauspielerin, gewann (zusammen mit Redmayne) einen Olivier für ihre Leistung beim Londoner Rennen. Rankin scheint sich auf eine Interpretation der Rolle eingelassen zu haben, für die sie nicht die gleichen Fähigkeiten besitzt. Ihr Gesang ist nicht nur rau, auch ihre Charakterisierung ist abstoßend, ja sogar antipathisch.

Warum Clifford Bradshaw (Ato Blankson-Wood), der bisexuelle amerikanische Schriftsteller, der in Berlin auf der Flucht vor den konventionellen Erwartungen seiner Eltern ist, beschlossen hat, sich mit Sally zusammenzutun, einer kitschigen Sängerin, deren traurig-süßer Charme nirgends zu spüren ist, ist der Grund dafür eines der unbeantworteten Geheimnisse dieser Wiederbelebung.

Rankins Sally ist nach dramatischen Effekten angespannt, die ausbleiben. „Cabaret“ hat eine so reiche Broadway-Geschichte. Natasha Richardson, Jennifer Jason Leigh, Michelle Williams und Emma Stone sind Teil der glorreichen New Yorker Erfolgsbilanz der Show. Die Rolle kann einem breiten Spektrum musikalischer und darstellerischer Talente gerecht werden, ganz zu schweigen von den unterschiedlichen Herangehensweisen an die Figur.

Sie müssen Sallys Moral nicht gutheißen, aber Sie müssen sich um das Schicksal der Figur kümmern. Und genau das verhindert Rankins wenig überzeugende Leistung. Was sagt es über eine Wiederaufnahme von „Cabaret“, bei der ich immer gehofft habe, dass Fräulein Schneider (Bebe Neuwirth) die Schlösser ihrer Pension austauschen würde, um Sally aus der Produktion herauszuhalten?

Doch es gibt noch andere Probleme im Ensemble. Die Szenen zwischen Sally und Blankson-Woods „Clifford“ schreien geradezu nach einem Schauspiellehrer – ich kann mich nicht erinnern, dass ich in den letzten Staffeln eine erstklassige Broadway-Wiederaufnahme eines Musicalklassikers erlebt hätte.

Ich war erleichtert, wenn die zuverlässigen Veteranen des Unternehmens, Neuwirth und Steven Skybell in der Rolle des Herrn Schultz, im Mittelpunkt standen. Aber Neuwirths verminderter Gesang betonte nur die glanzlose Musikalität der Produktion – eine seltsame Ironie, wenn man Neuwirths Broadway-Stammbaum bedenkt.

Steven Skybell und Bebe Neuwirth in der Broadway-Wiederaufnahme von „Cabaret“ im Jahr 2024.

(Marc Brenner)

Die Inszenierung gelingt am besten, wenn sie in kreisender Bewegung erfolgt. Die Choreografie von Julia Cheng will nicht verblüffen, aber die Fluidität ist dennoch hypnotisch. Die bunt zusammengewürfelte Kit Kat-Chorcrew verleiht dem Wirbel eine derbe Lebendigkeit.

Redmayne ist der Grund, diese Produktion zu sehen, obwohl seine Leistung so fesselnd ist, kann er diese fehlgeleitete Wiederbelebung nicht alleine retten. Mir ist auch nicht ganz klar, wie Frecknall die Rolle des Moderators interpretiert. Die queere Verletzlichkeit der Figur – das Gefühl eines letzten Atemzugs sexueller Freiheit als Außenseiter, bevor die Nazis die Partei töten – geht in dem Durcheinander der politischen Bedrohung verloren, die Redmayne in Kostümen und Affekten widerzuspiegeln beginnt, die immer expressionistischer werden.

Die Gefahr durch die Nazis wird etwas zu dekorativ behandelt, doch als Ernst Ludwig (ein überzeugender Henry Gottfried), ein neuer deutscher Freund Cliffords mit fragwürdigen Geschäftsbeziehungen, seinen Mantel auszieht und eine Hakenkreuzbinde zum Vorschein bringt, gibt das Publikum einen kollektiven Schockschrei von sich. Aber ansonsten ist die emotionale Wirkung der Geschichte gleich Null.

Musikalisch ist der Effekt noch geringer. Wenn Sally im ersten Akt „Maybe This Time“ singt, möchte ich normalerweise nie, dass der Moment endet. Nicht hier. Normalerweise muss ich mich davon abhalten, auf die Aufforderung zum Titelsong zu antworten, während sich die Show ihrem großen Ende nähert. (Was nützt es, alleine in seinem Zimmer oder sonst irgendwo zu sitzen und dabei so herrliche Musik zu hören?) Traurigerweise schreckte ich bei dieser krachenden Darbietung vor dem Lärm einer zweitklassigen Kabarett-Schlampe zurück und warf einen Blick auf meine Uhr.