Im Jahr 2016 eröffnete die Chinati Foundation in der abgelegenen Wüstenstadt Marfa im Westen von Texas „untitled (dawn to Dämmerung)“, eine riesige permanente Installation des südkalifornischen Künstlers Robert Irwin, der führenden Figur der Bewegung, die als Licht- und Weltraumkunst bekannt ist. Light and Space, das in den 1960er und frühen 1970er Jahren in Los Angeles zu seiner vollen Pracht auftauchte und verschiedene Formen in Gemälden, Skulpturen und Umgebungen annahm, ist der erste vollständig originelle Beitrag der Region zur Kunstgeschichte.
Die Marfa-Umgebung, ein niedriges, einstöckiges Betongebäude, das auf den Ruinen eines Militärkrankenhauses errichtet wurde, wird am Ende von „Robert Irwin: A Desert of Pure Feeling“, einem 93-minütigen Dokumentarfilm von Regisseur und Cutter, erkundet Jennifer Lane hat ihr Debüt am 12. November am 13. November jährliches DOC NYC Festival. (Der Titel bezieht sich auf „Suprematist Composition: White on White“, das radikal nicht figurative Gemälde des russischen Avantgarde-Künstlers Kazimir Malevich aus dem Jahr 1918, das ein geneigtes weißes Quadrat auf einer quadratischen weißen Leinwand zeigt.) Mit insgesamt fast vier Dutzend Irwin-Werken zeichnet der Film eine Chronik die lange, oft unwahrscheinliche Karriere des heute 94-jährigen Künstlers.
Die texanische Umgebung beherbergt zwei primäre Elemente. Eine davon ist die sich verändernde Ephemera des Lichts, das durch die umlaufenden Fenster strömt, wenn die Sonne im Laufe des Tages über den Himmel schiebt, ihre Beleuchtung wird genutzt und gestreut durch sorgfältig platzierte Scrims aus durchscheinendem schwarzem oder weißem Stoff, die in den Innenräumen straff gespannt sind – ein charakteristisches Irwin-Format . Die andere ist die schwer fassbare Raumqualität, die sowohl innerhalb des geradlinigen, U-förmigen Gebäudes als auch unkontrolliert im Freien in der organischen Landschaft und dem Himmel darüber enthalten ist, eingerahmt durch dieselben Fenster, die das Licht hereinlassen.
Die Zeit verkörpert sich in der sanften Bewegung des Lichts durch Innenräume und über die Landschaft, während niedrige und wogende Wolken vorbeiziehen. Irwin vergleicht die Szene mit der 17 Jahrhundert niederländische Landschaftsmalereien, wie die von Jacob van Ruisdael oder Jan van Goyen. Die Zeit verschmilzt eine vierte Dimension mit den drei Dimensionen, die wir als wesentlich für das Verständnis von Raum identifizieren.
„Man versucht nicht, Mutter Natur zu toppen“, wirft Irwin über ortsgebundene Kunst ein. „Du lädst sie ein.“
Diese für die menschliche Wahrnehmung grundlegenden Elemente bilden Irwins künstlerischen Fokus. Er war fast 88 Jahre alt, als „Untitled (Dawn to Dusk)“ fertiggestellt wurde, und er arbeitete seit fast 17 Jahren an dem Projekt. Der Film, nützlich, wenn auch letztlich unbefriedigend, erzählt eine Erzählung darüber, wie er dorthin gelangte.
Robert Irwin hat lichtdurchlässige Scrim-Paneele in die Räume gespannt, um das Licht zu streuen
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Die Erzählung ist zumindest in der Kunstwelt von Los Angeles bekannt. Ein Highschool-Kind aus einem Vorort, der mehr von Bebop als von Akademikern begeistert war, Autodidakt in phänomenologischen Philosophien, rigoros darin, die Malerei auf ihre Wahrnehmungsgrundlagen zu reduzieren, als er sich schließlich dazu verpflichtete, Künstler zu werden, sich durch die Fähigkeiten eines versierten Spielers auf der Rennstrecke und mehr ernährte – „A Desert of Pure Feeling“ ist wie eine herkömmliche biografische Chronologie aufgebaut. Diese vorhersehbare Form kollidiert schließlich mit solch unkonventioneller Kunst.
Eine vollständige Ausstellung des Marfa-Stücks hätte den Film vielleicht besser eröffnen können, anstatt zu versuchen, ihn am Ende als Krönung zu enthüllen. Der Weg dorthin ist lang und langsam, wenn er vorausgesagt werden muss. Verbindungen zwischen eindeutig verwandten Werken aus verschiedenen Jahrzehnten – „untitled (dawn to Dämmerung)“ mit „Varese Portal Room“ (1973-1976) in Italien und „Window Wall for Cal State Long Beach“ (1975) zum Beispiel – sind flüchtiger impliziert als untersucht.
Ein Highlight sind Archivinterviews mit dem Künstler, meist aus den frühen 1970er Jahren. Aber der prächtigste Filmabschnitt kommt nach ungefähr drei Vierteln, mit der Entwicklung des unvergleichlichen „Central Garden“ von 1997, eingebettet in eine flache Schlucht zwischen dem J. Paul Getty Museum und dem Getty Research Institute. Exquisit in seinem reifen Zustand fotografiert, lässt der brillant gestaltete Garten als Schauplatz des berüchtigten Kampfes zwischen dem Künstler und dem Getty Center-Architekten Richard Meier, der seine eigene eher fußgängerfreundliche Gartengestaltung im Sinn hatte, wieder einmal den Kopf schütteln. („Was für eine Katastrophe“, murmelt Meier niedergeschlagen, als Irwins ausgeklügelte Vision sich durchsetzt.) Dass die Museumsbeamten einem großen Künstler vertrauten und hinter ihm standen, ist angesichts des Sieges des Gartens eine wichtige Lektion.
Eine Unterströmung des Films ist, dass Irwins monumentale Leistung als Künstler New York, der provinziellsten Kunststadt der Welt, weitgehend entgangen ist. Irwin hat kein Passel aus Gemälden und Skulpturen geschaffen, die durch seinen spritzigen Marktplatz filtrieren oder in seinen vielen Kunstmuseen landen könnten, um dort dauerhaft ausgestellt zu werden. Viele seiner besten Arbeiten werden durch den Ort bestimmt, an dem sie existieren, und diese Orte sind weit verstreut. Aus dem Auge, aus dem Sinn.
Trotzdem ist Arne Glimcher von der Pace Gallery, Co-Produzent und Gesprächspartner in New York, einer der treuesten Unterstützer des Künstlers. Wenn „A Desert of Pure Feeling“ zu kurz kommt, feiert es doch einen entscheidend wichtigen Künstler unserer Zeit. Der Film könnte lokale Festivalbesucher überraschen.