Koreanische Kunst der 60er und 70er Jahre im Hammer Museum: Rückblick

Seoul ist die jüngste Großstadt, die sich als bedeutendes internationales Zentrum für neue Kunst etabliert hat. Mit dieser Unterscheidung geht die erwartete Verbreitung ehrgeiziger Museumsausstellungen einher, die darauf abzielen, die wenig bekannte lokale Geschichte der modernen Kunst zu artikulieren, zu beleuchten und zu reflektieren.

„Only the Young: Experimental Art in Korea, 1960er–1970er“ ist das Neueste. Es folgt „The Space Between: The Modern in Korean Art“, das vor einem Jahr im Los Angeles County Museum of Art die Jahre 1897 bis 1965 abdeckte.

„Only the Young“, das letztes Jahr vom Solomon R. Guggenheim Museum in New York in Zusammenarbeit mit dem koreanischen Nationalmuseum für moderne und zeitgenössische Kunst organisiert wurde, ist bis zum 12. Mai im UCLA Hammer Museum in Westwood zu sehen. Es ist das erste seiner Art in Nordamerika. Mit 29 Künstlern und neun Künstlergruppen sind Spielarten der Konzeptkunst verankert, die in den betrachteten Jahrzehnten international zur Leitform wurden. Das Ergebnis ist eine Arbeit, die sich gleichzeitig wiedererkennbar und ungewohnt anfühlt, was manchmal zu einer etwas schwierigen Aufgabe, aber auch zu einer angenehm merkwürdigen Erfahrung führt.

Die Geschichte des teilnehmenden koreanischen Museums lässt einiges von dem erahnen, was Sie in der Ausstellung erforschen werden. Die 1969 mitten in der Ausstellungszeitlinie gegründete Institution hat sich inzwischen in vier Satelliten verzweigt – Gwacheon, Deoksugung, Cheongju und Seoul, die meisten davon in und um die Hauptstadt des Landes. Diese Stätten repräsentieren wechselnde Zentren der Macht, des Einflusses und der vorherrschenden Kulturphilosophie im Land, beginnend mit der isolierten Joseon-Dynastie, die vor der turbulenten Neuzeit ein halbes Jahrtausend lang regierte.

Von den 29 Künstlern sind alle bis auf zwei, Jung Kangja und Lee Hyangmi, Männer. Das ist ein Hinweis auf den tiefen sozialen Konservatismus einer Ära des Wiederaufbaus nach dem Koreakrieg, die vom starken Mann Park Chung Hee angeführt wurde. Seine Amtszeit – Park übernahm 1961 durch einen Militärputsch die Macht und wurde 1979 noch während seiner Amtszeit ermordet – markiert die „experimentelle“ Ära der Serie.

Besonders hervorzuheben ist Jungs Teilnahme an einer satirischen Aufführung von 1968. In einem Happening, das von Männern gemalte akademische weibliche Akte parodierte, befestigten ihre männlichen Kollegen Chung Chanseung und Kang Kukjin transparente Luftballons an ihrem halbnackten Körper. Anschließend wurden die Ballons einer nach dem anderen platzen lassen, um den 26-jährigen Künstler vollständig zu entblößen.

Die Veranstaltung war ein Hit bei ihrer avantgardistischen Clique, unter anderem wegen ihres nahezu beispiellosen feministischen Beharrens auf der zentralen Rolle einer lebenden, atmenden Frau im Projekt. Sie kam jedoch nicht überall gut an, auch nicht in der skandalisierten koreanischen Populärpresse. (Auch die Polizei war zur Beobachtung vor Ort.) Zwei Jahre später schlossen die verärgerten Behörden eine Überblicksausstellung über Jungs Werke.

Jung, Chung und Kang waren alle Studenten der Abteilung für westliche Malerei an der Hongik-Universität in Seoul. Dass eine solche Abteilung existierte, zeigt, wo bestimmte offizielle asiatische Ambitionen lagen: Das westliche Establishment war der Maßstab für das, was „modern“ bedeutete. Viele junge koreanische Künstler arbeiteten in Gruppen, die formell oder lose verbunden waren, was darauf hindeuten könnte, wie minimiert das Experimentieren war. (Die Stärke liegt in der Zahl.) Inmitten der hitzigen lokalen politischen Kontroversen über die nationale Identität suchten die Studenten sicherlich nach den Entwicklungen in Europa und den Vereinigten Staaten, um sich künstlerische Inspiration zu holen, wobei ihnen Zeitschriften für zeitgenössische Kunst als Leitfaden dienten.

Im Hammer wird „Transparent Balloons and Nude“ durch ein leicht verschwommenes Foto dargestellt, das zusammen mit anderen Stand- und Videobildern von Performance-Kunst in einer hilfreichen Zeitleiste angezeigt wird, die sich über eine Wand erstreckt. Die Aufführung weist offensichtliche Anleihen bei etwas früheren westlichen Werken auf.

Darunter ist Yves Kleins Performance „Anthropometrie der Blauen Periode“ aus dem Jahr 1960 in Paris, bei der nackte Frauen mit blauer Farbe bestrichen und dann ihre Körper auf Leinwand gedruckt wurden; und Yoko Onos „Cut Piece“ aus dem Jahr 1964, das erstmals in Tokio und dann in London und New York (nicht weniger in der Carnegie Hall) aufgeführt wurde, wo sie allein auf einer Bühne saß, während Mitglieder des Publikums aufgefordert wurden, herbeizukommen und Stücke davon abzuschneiden ihre Kleidung. Keiner dieser hochmodernen westlichen Präzedenzfälle erforderte die Anwesenheit der Polizei, was der Leistung der Koreaner eine dramatische – und mutige – Resonanz verleiht.

Park Hyunki, „Untitled (TV Stone Tower)“, 1982, Mischtechnik.

(Hammermuseum)

LA ist die Heimat der größten koreanischen Diaspora, aber die Geschichte des Landes, die Hammer-Besuchern vielleicht bekannt sein mag oder auch nicht, verdeutlicht, was Künstler vorhatten. Es war nicht immer eine tiefgreifende Wirkung. Andy Warhol ist zum Beispiel ein offensichtlicher Marker für Song Burnsoos „Take Cover IV“, fünf Siebdruckbilder, die ein gasmaskiertes Gesicht wiederholen, wobei die Abfolge von Volltonfarben verschlüsselte Alarme der Regierung im Zusammenhang mit Bedrohungen aus Nordkorea darstellt. Der Pop-Sozialkommentar des Werks ist ziemlich dürftig.

Noch faszinierender ist „Untitled (TV Stone Tower)“ von Park Hyunki, in dem ein Fernsehmonitor in einen kurzen Stapel schwerer Steine ​​eingefügt wird, umgeben von weiteren verstreuten Steinen. (Hier schwankt die Ausstellung ein wenig, da das Werk auf das Jahr 1982 datiert ist.) In dieser von Brâncuşi beeinflussten „endlosen Kolumne“ werden kommerziell produzierte und vergängliche Massenbilder einer tatsächlichen, wenn auch verkürzten, aus der Natur entnommenen Masse gegenübergestellt, wodurch ein seltsam ergreifender Eindruck entsteht Gefühl von Verlust. Der Effekt wird nur noch verstärkt, wenn man aus dem hervorragenden Katalog der Show erfährt, dass sich Parks Komposition auf traditionelles Koreanisch bezieht doltapSteinhaufen, die an Tempeln errichtet wurden, um böse Geister zu vertreiben.

Zwei der einfachsten Werke der Ausstellung gehören zu den eindringlichsten Werken. Lee Seung-taeks „Tied Ceramic“ und Ha Chong-Hyuns „Work 73-13“ stammen beide aus den frühen 1970er Jahren, einer Zeit schwerer nationaler Not, zu der auch die Auswirkungen der Teilnahme am Vietnamkrieg gehörten.

„Tied Ceramic“ hinterlässt die Spuren eines Seils, das vor dem Brennen im Ofen um ein Mondglas aus weißem Porzellan gewickelt wurde, eine exquisite traditionelle Form, die während der vormodernen Joseon-Dynastie hoch verehrt wurde. Die Einwickelspuren, die wie eine konkret gewordene Erinnerung in den Ton geschnitten sind, oszillieren zwischen Zeichen schmerzhafter Knechtschaft und einer herzlichen Umarmung, einer sowohl sozialen als auch künstlerischen Spannung in der koreanischen Kultur der 1970er Jahre.

Lee Seung-taek, „Tied Ceramic“, 1975, Porzellan.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

„Work 73-13“ ist eine große, erdige, monochrome Abstraktion, deren gesprenkelte, schlammige Farbe dadurch entsteht, dass braune Ölfarbe von hinten durch raue Jute gepresst wird. Das fast 1,20 m hohe und fast 2,40 m breite Flugzeug ist in ein strenges Stacheldrahtgitter gehüllt. Der ästhetische Effekt besteht darin, dass Natur, Tradition, menschliche Anstrengung und Moderne gefangen, aber unaufhaltsam sind. Es wird alles heraussickern.

Eine Art Ausrufezeichen markiert den letzten Raum, in dem sich ein hoher, abgetrennter Baumstumpf aus einem großen, präzise geschnitzten Würfel aus Erde, Kies und Beton erhebt. Lee Kun-Yongs Skulptur „Corporal Term“, die auf einer Holzpalette steht, wird bei jeder Ausstellung neu angefertigt, wobei ihre natürlichen Elemente aus lokalen Quellen stammen. (Ein Hammer-Etikett weist sorgfältig darauf hin, dass dieser besondere verworrene Baumstumpf so gefunden wurde, wie er ist; für die Herstellung des Kunstwerks wurden keine Bäume beschädigt.) Der Titel „Körperlicher Begriff“ beschreibt die körperliche Lebensdauer der Skulptur, die menschliche Anstrengung, die Form herzustellen , die Erfahrung des Betrachters damit – vielleicht sogar der lange Bogen der koreanischen Geschichte, der das Objekt hierher gebracht hat. Das Werk ist eine schöne Meditation über Sterblichkeit und Ausdauer.

Kim Kulim, die in den 1990er Jahren in Los Angeles arbeitete, geht aus „Only the Young“ als eine wesentliche Künstlerin für die experimentelle Aktivität hervor, die im Korea der 1960er Jahre ausbrach. Zu Beginn der Ausstellung ist sein Gemälde „Death of the Sun II“ (1964) eine vernarbte, komplett schwarze Tafel aus Farbe, die mit einer mit Erdöl übergossenen Vinylfolie bedeckt war, die in Brand gesteckt und dann erstickt wurde. Die ramponierte Tafel – Malerei als Performance-Kunst – orientiert sich an Shōzō Shimamoto, Saburō Murakami und anderen Gutai-Ästhetiken des Japans der 1950er Jahre, die aus den apokalyptischen Ruinen von Hiroshima und Nagasaki hervorgingen.

Ha Chong-Hyun, „Work 73-13“, 1973, Mischtechnik.

(Ariel Ione Williams)

„Death of the Sun II“ zerstört metaphorisch sowohl die verehrte koreanische Tradition der schwarzen Tuschemalerei als auch die moderne westliche Abstraktion, deren Inbegriff die strukturelle Leere sei, die in den komplett schwarzen Gemälden der amerikanischen Künstler Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt und Mark der 1950er-Jahre dargestellt sei Rothko und Frank Stella. Während sich die Show entfaltet, taucht Kim in unterschiedlichen Erscheinungsformen auf – als Filmemacherin, als Produzentin von Happenings, als Verkabelung einer großen elektrifizierten Tafel aus tanzenden Lichtern –, sodass man sich fragt, was eine vollständige Solo-Retrospektive offenbaren könnte.

Konzeptkunst war sowohl eine Erweiterung als auch eine Kritik der Moderne. Eine verbreitete, wenn auch irrige Annahme ist, dass in New York verschiedene Formen der Konzeptkunst ihren Durchbruch erlebten und sich schließlich über die gesamte Kunstwelt ausbreiteten, wie oft fälschlicherweise behauptet wird, dass dies der abstrakte Expressionismus, die Pop-, die Minimal- und die Straßenkunst getan haben. Der künstlerische Wandel in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts repräsentierte jedoch nicht ein kulturelles Zentrum und seine Peripherie, sondern hatte mehrere Ursprungspunkte auf der ganzen Welt. Seoul und seine Umgebung bildeten eine davon. „Only the Young“ gelingt es auf bewundernswerte Weise, den koreanischen Dialekt der aufstrebenden internationalen Sprache der Konzeptkunst zu präsentieren.