Kaija Saariaho, eine finnische Komponistin, die in der männerdominierten Welt der Hochmoderne aufgewachsen ist, eine ganz eigene künstlerische Identität entwickelt und in die Spitzengruppe der zeitgenössischen klassischen Musik aufgestiegen ist, ist am Freitag in ihrem Haus in Paris gestorben. Sie war 70.
Die Ursache sei Hirntumor gewesen, sagte ihr Verleger Chester Music. Ihr letztes Stück, ein Trompetenkonzert, wird im August mit dem Finnish Radio Symphony Orchestra unter der Leitung von Susanna Mälkki, einer führenden Interpretin der Musik von Frau Saariaho, uraufgeführt.
Frau Saariaho war immer „verärgert darüber, als Komponistin bezeichnet zu werden“, sagte der Regisseur Peter Sellars, aber ihr Werk „hat eine so tiefe Bedeutung für so viele Menschen, die ihre Stimme nicht in der klassischen Musik hörten.“ Herr Sellars, ein langjähriger Mitarbeiter, der nächste Woche ihre Oper „Adriana Mater“ aus dem Jahr 2006 im San Francisco Symphony Orchestra aufführt, fügte hinzu: „Es ist eine weibliche Stimme, die wir noch nie zuvor hatten.“ Kaija öffnete buchstäblich die andere Hälfte der Welt für klassische Musik.“
Ihr Stil war oft schwer einzuordnen. Durch Experimente mit Klangfarben und Elektronik entstand eine Galaxie einzigartiger Klangwelten, die sowohl lebendig als auch geheimnisvoll sind und sowohl Kenner als auch Neueinsteiger ansprechen.
„Sie hat geschafft, was vielen Komponisten ihrer Generation nicht gelang“, sagte Peter Gelb, Generaldirektor der Metropolitan Opera. „Die Arbeit, die sie geschaffen hat, war völlig originell und zugänglich.”
Im Laufe ihrer Karriere arbeitete Frau Saariaho nicht in explizit traditionellen Formen, sondern schrieb für viele musikalische Besetzungen: Soloinstrument und Kammerensemble, Sinfonieorchester und Oper. Und während sie komponierte, erzählte sie dem Biographen Pirkko Moisala, sah sie sich selbst als sozialbewusste Biobauerin.
„Die Aufgabe des heutigen Künstlers besteht darin, sich durch spirituell reiche Kunst zu ernähren“, sagte sie. „Um neue spirituelle Dimensionen zu schaffen. Mit größerer Fülle auszudrücken, was nicht immer mehr Komplexität, sondern eine größere Feinheit bedeutet.“
Kaija Anneli Saariaho wurde am 14. Oktober 1952 in Helsinki als ältestes von drei Kindern des Unternehmers Launo Laakkonen und Tuovi Laakkonen geboren. Ihre Familie war nicht musikalisch, aber sie begann mit 6 Jahren Violine und mit 8 Jahren Klavier zu lernen; Ihre Mutter erzählte ihr später, dass sie nachts jemanden bitten würde, „das Kissen auszuschalten“, weil sie so viel Musik hörte, dass sie nicht schlafen konnte.
Mit zehn Jahren begann sie zu komponieren, allerdings im Verborgenen – denn für sie waren Komponisten Männer. Sie sei völlig anders als das, was ihrer Meinung nach ein Komponist sein sollte, sagte sie zu Herrn Moisala, „sowohl äußerlich als auch innerlich“.
„Was man als Kind über große Komponisten liest – und darüber hinaus das Bild, das man von Sibelius hat“, sagte sie und bezog sich dabei auf Finnlands wertvollsten Komponisten. „Das waren die Gedanken, die mich gelähmt haben.“
Nach Abschluss ihrer Sekundarschulausbildung an der Rudolf-Steiner-Schule in Helsinki schrieb sie sich am Musikkonservatorium Helsinki sowie am Institute of Industrial Arts ein, wo sie Grafikdesign studierte.
Sie heiratete Markku Saariaho, ließ sich jedoch schnell scheiden und zog 1972 mit einem neuen Partner zusammen, dem bildenden Künstler Olli Lyytikäinen. Sieben Jahre lang lebten sie zusammen und ihre Wohnung in Helsinki wurde zu einem Treffpunkt für junge, gleichgesinnte Menschen.
Schließlich verließ Frau Saariaho das Grafikdesign-Programm, um bei Paavo Heininen an der berühmten Sibelius-Akademie Komposition zu studieren. Zu ihrem sozialen Umfeld gehörten dort Musiker, die heute Koryphäen sind, darunter Magnus Lindberg und Esa-Pekka Salonen. Zusammen gründeten sie die Gruppe Korvat Auki! (Ohren auf!) zur Verbreitung moderner Musik. „Wir haben Konzerte in Schulen, Krankenhäusern und so weiter gegeben – vor Tankstellen mitten im Nirgendwo, in Schneewehen“, sagte Salonen.
Frau Saariaho setzte ihr Studium am Freiburger Musikkonservatorium in Deutschland fort und belegte gleichzeitig Sommerkurse im modernistischen Zentrum Darmstadts. Nach ihrem Abschluss ging sie 1982 nach Paris, wo sie Kurse am IRCAM belegte, dem von Pierre Boulez gegründeten Avantgarde-Institut.
Auch die Komponistengeneration von Frau Saariaho, die mit Boulez‘ Art des Modernismus aufgewachsen war, suchte nach einem Ausweg. In Darmstadt fühlte sie sich zum Spektralismus hingezogen – der sich vom Serialismus abwandte, indem er sich beim Komponieren eher auf die Natur des Klangs als auf mathematische Systeme konzentrierte – und lernte die Musik von Gérard Grisey und Tristan Murail kennen.
Frau Saariahos früheste veröffentlichte Musik spiegelt ihre Ausbildung und Interessen wider, wie „Verblendungen“ (1984), ein Werk mit satten, wechselnden Farben, in dem ein Live-Ensemble und ein Tonband in einen klanglichen Konflikt miteinander geraten, bevor sie gemeinsam einen neuen, unverwechselbaren Klang formen.
Ihre Ästhetik dieser Ära, sagte Herr Salonen, habe eine „ganz besondere Art von magischer Schönheit und eine Art emotionale Sprache, die sehr tiefe, sehr starke Emotionen vermittelt“. Er fügte hinzu, dass sie „Elemente in die zeitgenössische Musik zurückbrachte, die, wenn nicht gefehlt, so doch zumindest verborgen waren.“
„Sie brachte tiefe Emotionen und unmittelbare Emotionen in die westliche Kunstmusik zurück, ohne etwas zu verbilligen“, sagte Herr Salonen.
1984 heiratete Frau Saariaho den französischen Komponisten Jean-Baptiste Barrière, der sie zusammen mit ihren beiden Kindern, der Autorin und Regisseurin Aleksi Barrière und der Musikerin Aliisa Neige Barrière, überlebt. Frau Saariaho ließ sich in Paris nieder, behielt jedoch ihre finnische Identität bei und beschrieb sich selbst als eine in Frankreich lebende Finnin.
„Das Leben und Komponieren in einer Stadt, die mir immer fremd bleibt“, sagte sie zu Herrn Moisala, „ist der Schlüssel zu einer Existenz, die es mir ermöglicht, mich von der Realität zu lösen und in die abstrakte Sprache der Musik einzutauchen.“
Frau Saariaho befand sich als Künstlerin in einem ständigen Wandel und Entwicklungsprozess. Sie tüftelte an den Möglichkeiten von Elektronik und Computern und brachte ihren Entdeckergeist mit, um die verschiedenen Welten instrumentaler Klangfarben auszuprobieren. Sie vergötterte die menschliche Stimme, sagte sie einmal in einem Interview mit ihrem Verleger und nannte sie „die reichhaltigste Ausdrucksform“. Doch zu Beginn ihrer Karriere hatte sie Schwierigkeiten herauszufinden, was genau sie damit machen wollte.
Ihre bevorzugten Instrumente waren die menschlichsten: die Flöte und das Cello. Frau Saariaho arbeitete oft mit der Flötistin Camilla Hoitenga zusammen, unter anderem an Werken wie „NoaNoa“ (1992) mit Elektronik und dem poetischen Konzert „L’Aile du Songe“ (2001). Der Cellist Anssi Karttunen hat Frau Saariahos weitgereistes Konzert „Notes on Light“ (2007) sowie das eindrucksvolle Solo „Sept Papillons“ (2000) uraufgeführt.
Frau Saariaho, die nicht den Wunsch verspürt hatte, eine Oper zu schreiben, änderte ihre Meinung, nachdem sie 1992 Herrn Sellars‘ Inszenierung von Messiaens „St. Francois d’Assise“ bei den Salzburger Festspielen in Österreich. Diese Erfahrung, erzählte Frau Saariaho ihrem Verleger, „öffnete meinen Geist dafür, was man erreichen kann, wenn man eine Geschichte mit Musik erzählt“, und führte zu einer Reihe von Kooperationen mit der Sopranistin Dawn Upshaw, einem ihrer Stars.
Und so betrat Frau Saariaho das 21. Jahrhundert mit der Uraufführung ihrer ersten Oper „L’Amour de Loin“, die weithin als Meisterwerk gefeiert wurde und ihr internationales Profil erheblich steigerte. Eine verträumte, ruhig und gewaltige Nacherzählung von „La Vida Breve“ des mittelalterlichen Troubadours Jaufré Rudel. Das Libretto stammt von Amin Maalouf und bringt etwas von diesem „St. Francois d’Assise“-Team, darunter Herr Sellars und Frau Upshaw. Anthony Tommasini von der New York Times beschrieb es als „ein oft fesselndes und äußerst herausragendes Werk“.
In späteren Jahren fasste sie ihre früheren Entwicklungen zusammen und setzte Elemente ihres Stils mit wohlüberlegter, scheinbar unvermeidlicher Wirkung ein. Ihr Werk, sagte Herr Salonen, „kann als riesiger Wald betrachtet werden, in dem all diese Pflanzen und Bäume wachsen und sie in einer Art symbiotischer Beziehung zueinander stehen.“ Aber es ist derselbe Wald.“
Sie schrieb Werke, die man im Großen und Ganzen als Sinfonien oder Konzerte bezeichnen könnte. Aber sie sagte immer wieder, dass sie in ihren Partituren versuche, eine organische Verbindung zwischen Material und Form zu finden. „Jedes Musikstück“, sagte sie einmal zu ihrem Verleger, „muss sein eigenes Leben führen, denn jedes ist völlig sein eigenes.“
In Finnland, wo Komponisten ein hohes Ansehen genießen, sei Frau Saariaho „jemand, der auf der Straße erkannt würde“, sagte Salonen. „Die Leute gingen zu ihr, redeten mit ihr und dankten ihr für die Musik. Und Taxifahrer sagten ihr, dass sie ihre Oper liebten. Es war auf diesem Niveau.“
Mit hochgezogenen Augenbrauen und einer roten Haarmähne war Frau Saariaho leicht zu erkennen. Bei Besuchen in New York konnte man sie dabei beobachten, wie sie mit Fans sprach, die sie in der Lobby oder in den Gängen der Met angehalten hatten, wo „L’Amour de Loin“ 2016 von Robert Lepage inszeniert wurde, die erst zweite Oper einer Frau Komponisten, der dort aufgeführt wird, und der erste seit 1903.
Es wurde das bekannteste ihrer dramatischen Werke, aber es folgten weitere, die sich jeweils von ihren Vorgängern unterschieden. „Adriana Mater“ mit einem Libretto von Herrn Maalouf wurde aus den Schlagzeilen gerissen; „Only the Sound Remains“ aus dem Jahr 2015 war kleiner angelegt und von Ezra Pound und dem Noh-Theater inspiriert. Ein Stück über die Philosophin Simone Weil, das Oratorium „La Passion de Simone“ aus dem Jahr 2006, orientierte sich an Bachs berühmten Passionen.
„Ich denke, sowohl Bach als auch Kaija haben Musik geschaffen, in der es um Licht geht, das aus der Dunkelheit scheint“, sagte Herr Sellars, der „Passion“ inszenierte. „Die Musik versteht die Dunkelheit, und gleichzeitig lässt die Dunkelheit beginnen, das Licht zu verstehen und zu erkennen.“
Frau Saariahos größter Triumph seit „L’Amour“ kam 2021 mit der Premiere von „Innocence“ beim Aix-en-Provence Festival in Frankreich. Das Stück war eines ihrer ehrgeizigsten, ein mosaikartiger Thriller aus Trauma und Erinnerung, komponiert für ein komplettes Orchester, einen Chor und eine Besetzung von 13 Interpreten, mit einer sanften Mischung aus Stilen wie gehobener, quasi-musikalischer Sprache und Folk.
„Dies“, schrieb Zachary Woolfe in der Times über diese Oper, „ist zweifellos das Werk einer reifen Meisterin, die ihre Ressourcen so gut beherrscht, dass sie sich einfach darauf konzentrieren kann, eine Geschichte zu erzählen und die Charaktere zu beleuchten.“
„Innocence“ wird in der Saison 2025/26 an die Met reisen – dann wird Frau Saariaho die seltene zeitgenössische Komponistin und die einzige Frau sein, die mehr als ein Werk dort aufführen lässt. Und als Beweis für das Durchhaltevermögen ihrer Musik haben andere Regisseure ihre älteren Opern übernommen.
„Mit diesen Werken ist man nicht fertig“, sagte Herr Sellars, der „Adriana Mater“ noch einmal aufgreift. „So ist es mit den Werken der großen Komponisten. Man kehrt sein ganzes Leben lang zu ihnen zurück, und diese Stücke werden mit der Zeit immer relevanter und notwendiger.“
Javier C. Hernández trug zur Berichterstattung bei.