Judithe Hernández zeichnet mit feministischem Elan im Cheech

In einem aufschlussreichen Videointerview, das ihre fesselnde 50-jährige Umfrage im Cheech Marin Center for Chicano Art & Culture des Riverside Art Museum begleitet, erzählt die Künstlerin Judithe Hernández, wie sie das ungewöhnliche fünfte Mitglied von Los Four, dem bahnbrechenden Kunstkollektiv in LA, wurde. Nach der ehrgeizigen Ausstellung der Gruppe im Los Angeles County Museum of Art im Jahr 1974 überzeugte Hernández sie, sie in ihre Reihen aufzunehmen.

Eine aktivistische Kollegin und Freundin von Los Fours Frank Romero, Beto de la Rocha, Gilbert „Magú“ Luján und insbesondere Carlos Almaraz, dem Maler, mit dem sie unter nur fünf Chicano-Studenten am Otis Art Institute (heute Otis College of Art) gewesen war & Design) brachte sie einen unwiderlegbaren Punkt zum Ausdruck: Da Los Four ausschließlich Männer war, war es von Natur aus kompromittiert, dass es auf der vollständigen Gleichstellung der Chicanos im amerikanischen Leben bestand. Hernández stellte ihnen ein Portfolio ihrer Arbeiten zur Verfügung, damit Los Four sehen konnte, dass es künstlerisch zufriedenstellend war.

„Sie zeichnet wie ein Mann“, entschied Los Four zustimmend und nahm ihre Bitte, sich der Gruppe anzuschließen, freudig an. Hernández bringt diese Begründung im Video mit ausdruckslosem Nachdruck auf den Punkt und lächelt liebevoll und wissend.

Die ironische Anekdote unterstreicht zwei Qualitäten ihrer Arbeit, die sich durch „Judithe Hernández: Beyond Myself, Somewhere, I Wait for My Arrival“ im Cheech ziehen. Erstens strukturiert ein feministischer Rahmen alles. Zweitens ist das Zeichnen von grundlegender Bedeutung. Die Ausstellung zeigt, als ob es eines Beweises bedarf, dass gesellschaftlicher Aktivismus und individuelle künstlerische Freiheit alles andere als unvereinbar sind.

In über 80 Zeichnungen und mehreren Skizzenbüchern, die von den 1970er Jahren bis in die Gegenwart reichen, sind fast immer Frauen abgebildet. Männer tauchen nur in einer winzigen Handvoll auf – einer Serie aus dem Jahr 2010 über die christliche Ursprungsgeschichte von Adam und Eva –, aber nur, um die strukturellen Grundlagen des routinemäßigen, oft uneingestandenen Chauvinismus zu klären.

Sie stellt Adam als ein wahres Jungenspielzeug dar, gutaussehend und nackt, wie ein Model aus der Madison Avenue, das für den Verkauf von Eau de Cologne ausgewählt wurde. Hernández verwendet für ihre Arbeiten oft ikonische Kompositionen, bei denen nur eine oder zwei Figuren frontal oder im Profil dargestellt und in einem flachen, oft dekorativen Raum platziert sind. In „Die Kapitulation Adams“ liegt der erste Mann nackt in einem Gewirr tiefgrüner Vegetation, während Eden jetzt ein Gewirr von San-Pedro-Kakteen ist.

In „Die Geburt Adams“ liegt er auf einem mit Kieselsteinen und Seerosenblättern übersäten Boden, geboren aus der Erde, die ihm seinen Namen gab (hebräisch). Adamah). Seine Augen sind geschlossen, eine Blume an seine Brust gedrückt. Seine Haut ist blau, gleichzeitig kühl, aber auch die Farbe göttlicher Gunst, vom Vishnu im Hinduismus bis zum Mantel der Jungfrau Maria im Christentum.

„Der Anfang der Sünde“ zeigt Adam von hinten, wie er stocksteif auf Eva liegt und seine Arme weit über die Seite und über die Ränder hinaus ausgebreitet hat, was man nur als Prophezeiung der Kreuzigung bezeichnen kann. Mit ihren Armen um ihn geschlungen, trägt sie die Maske eines luchador – ein theatralischer mexikanischer Profi-Wrestler – gekrönt mit verzweigten Hörnern. Es ist wie Frida Kahlos Selbstporträt als verwundeter Hirsch, aber ohne dass schädliche Pfeile zu sehen sind. Diese Eva ist robust, nicht verzweifelt. Sie ist keine Märtyrerin.

Auf dem Rücken liegend starrt sie direkt an Adams angrenzendem Kopf vorbei und in die Augen des Betrachters, völlig gleichgültig gegenüber der tödlichen rot-schwarz gestreiften Korallenschlange, die in der Nähe herumkriecht. Ihre Lippen sind so purpurrot wie die dämonische Schlange. Hernández ist ein brillanter Kolorist, dessen lebendige Farbtöne manchmal in suggestiver symbolischer Weise wirken, während er stets in purer dekorativer Freude schwelgt.

Das dekorative Element ist ebenso feministisch wie ihr Thema. Aus irgendeinem Grund war die Dekoration in der Moderne immer von einer abwertenden Implikation umgeben – selbst bei einem so bedeutenden Künstler wie Matisse. (Das ist einer der Gründe, warum Matisse törichterweise so lange als zweitrangig gegenüber Picasso angesehen wurde.) Aber nicht hier. Hernández, wie auch andere Künstler, die sich von ihr und voneinander unterscheiden, wie Valerie Jaudon und Merion Estes, stärkt die Dekoration im Dienste der Stärkung von Frauen. Sie verwandelte die Genesis-Geschichte in eine farbenfrohe visuelle Erzählung der komplexen Menschheit und nicht in einen Absturz.

Judithe Hernández, „Soy la Desconocida“, 2022, Pastell auf Papier.

(Riverside Art Museum)

Hernández wurde 1948 in Los Angeles geboren. Mit 22 Jahren kam ihre Ankunft in Otis mit dem Chicano-Moratorium von 1970 zusammen, der großen Antikriegsdemonstration in Ost-LA, die eine breit angelegte Koalition mexikanisch-amerikanischer Gruppen gegen den Vietnamkonflikt bildete. Ihr Mentor bei Otis war Charles White, der angesehene schwarze Künstler, dessen Studium 1946 bei David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera an der Taller de Gráfica Popular (der Volksdruckwerkstatt) in Mexiko-Stadt sein Engagement für sozial und politisch bewusste Grafikkunst festigte.

Die von der künstlerischen Leiterin des Museums, María Esther Fernández, organisierte Ausstellung ist in vier lose thematische Abschnitte unterteilt und folgt nicht einer strengen Chronologie. „The Evolution of the Female Archetype“ liefert am ehesten einen Hintergrund – leider wird die Veröffentlichung eines Referenzkatalogs erst im Herbst erwartet – mit aufmerksamen, wenn auch im Allgemeinen wenig inspirierenden Genreszenen des eintönigen Alltags.

Als nächstes kommt „Ni una más: Bearing Witness“, das schnell in Fahrt kommt. Der Abschnitt konzentriert sich auf Arbeiten im Zusammenhang mit den schockierenden Serienmorden an Frauen in und um die mexikanische Grenzstadt Juárez, in der seit mehr als 30 Jahren Blut vergossen wird. (Passenderweise wird die Hernández-Umfrage im September in das El Paso Museum of Art reisen, gleich hinter der Grenze von Juarez.) „Reimagining Eve“ zeigt dann Frauen als etwas anderes als Untergebene – vergessen Sie Adams Rippe –, während eine letzte Galerie mit gekennzeichnet ist halluzinatorische und traumhafte Sondierungen betrachten die „surrealistische Landschaft“ als einen dominanten psychischen, soziokulturellen Kontext für Hernández. Die Organisation funktioniert gut.

Ihre Welt ist eine Welt, in der die Logik nicht vorherrscht, Unabhängigkeit unerlässlich ist und das Unbewusste ein Mechanismus zur Selbsterkenntnis ist. Geheimnisvolle äußere Kräfte werden durch eine rote Hand beschworen, die in zahlreichen Werken vom Bildrand aus in die Szene eindringt. Die schicksalhafte Hand greift beispielsweise in ihrer letzten Nacht vor der Vertreibung aus dem Garten nach Eva und schwingt an anderer Stelle eine Messerklinge, um eine Blume zu schneiden, die neben einem schwimmenden Körper aus dem Meer aufsteigt.

Eine üppige Zeichnung zeigt eine Frau, die auf dem Boden schläft, vor einer beeindruckenden Wand aus Feigenkakteen, über der eine verschlungene Piñata schwebt wie ein verlockender, freudevoller Traum, der gerade außer Reichweite ist. In den Vereinigten Staaten hat Kalifornien schon immer das Versprechen gehalten, sich selbst neu zu erfinden, und Hernández bringt den Chicana-Feminismus in das Unternehmen ein.

Mehr als 80 Pastellzeichnungen sind in der 50-jährigen Retrospektive von Judithe Hernández im Cheech zu sehen.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Die mexikanische Mystik, beeinflusst von präkolumbianischen und katholischen Kulturen, prägt einen Großteil der Arbeit. Am bemerkenswertesten ist die junge Frau, die in der Coming-of-Age-Ikone „Juarez Quinceanera“ vor einer knallrosa Wand steht und riesige aztekische Spulen in den Ohren trägt. Die Spulen umrahmen ihren maskenartig offenen Mund und schmücken Hohlräume im menschlichen Schädel, die in der präkolumbianischen Kultur die Lebendigkeit der Seele signalisierten. Sie ist mit einem kunstvollen, ungewöhnlichen skulpturalen Kopfschmuck gekrönt, der an die drachenähnliche gefiederte Schlange Quetzalcoatl, die Schöpfergottheit, erinnert. Ein Paar Calla-Lilien, die sie in den Händen hält, bezeugen ihre Fruchtbarkeit.

Doch inmitten all der aufwändigen kulturellen Feierlichkeiten rund um die Ankunft des Mädchens in der Weiblichkeit gibt es einen ernüchternden Haken. Weiß ist die traditionelle Farbe für etwas Extravagantes Quinceanera Kleid, aber ihrs ist ein Trauerkleid in Schwarz. Hinter sich wirft sie einen drohenden dunklen Schatten auf die leuchtend rosa Wand. Die schicksalhafte rote Hand, die hier in andere Werke eindringt, schmiert Blut an diese Wand, als ob es von einem zusammengesunkenen Körper zurückgelassen worden wäre. In „Juarez Quinceanera“ prallen Leben und Tod aufeinander und verflechten sich.

Was dieses und viele andere Werke von Hernández besonders überzeugend macht, ist ihr Medium. Das sind Zeichnungen. Die Ausstellung zeigt Pastellfarben, deren Details manchmal mit Buntstift nachgezeichnet und sorgfältig auf große Blätter Papier oder Leinwand gezeichnet werden. Hernández verleiht ihren Zeichnungen einen Maßstab, der eher bei Staffeleigemälden anzutreffen ist, doch die Form zeichnet sich durch eine visuelle Intimität aus, die sich von der mit einem Pinsel aufgetragenen Farbe unterscheidet. Beim Zeichnen geht es um Berührung, die Hand wird direkt auf das Blatt gedrückt. Berührung fesselt Ihren Blick und lädt zu genauer Betrachtung ein.

Hernández wird oft als Malerin bezeichnet und hat tatsächlich zahlreiche öffentliche Wandgemälde gemalt. Doch wie bei ihrem verstorbenen Mentor Charles White ist das Zeichnen ihre stärkste Gabe. Die Dringlichkeit ihres Themas wird zum Ausdruck gebracht. Hernández zeichnet nicht wie ein Mann; Sie zeichnet wie eine bedeutende Künstlerin.

Judithe Hernández, „Santa Desconocida“, 2016, Pastell auf Papier.

(Riverside Art Museum)