Chatbots und Bildgeneratoren, die gerade auf dem Vormarsch sind, haben unsere Vorstellungskraft – und unsere Ängste – beflügelt. Da Maschinen mit künstlicher Intelligenz ihre Fähigkeit schärfen, schriftliche Aufforderungen in Bilder zu übersetzen, die sowohl Stil als auch Inhalt genau erfassen, befürchten einige bildende Künstler, dass ihre speziellen Fähigkeiten irrelevant werden könnten. Dennoch erweitern die neuen Technologien, die uns zur Verfügung stehen, unser Verständnis der Beziehung zwischen Künstler und Werk. In ihrem Cover für die Innovation & Tech Issue vom 24. April und 1. Mai 2023, ihrer ersten Ausgabe für das Magazin, spricht JooHee Yoon das Thema in einem cleveren Bild an, das die Gegenseitigkeit und die Spannung veranschaulicht, die zwischen Künstlern und dieser Hightech bestehen können Werkzeuge (zeichnet die Roboterhand die echte Hand oder umgekehrt?). Das Cover von Yoon zeigt auch, was Künstler einzigartig macht: ihre Ideen und ihre Sichtweise.
M. C. Escher (1898-1972), ein niederländischer Grafiker, dessen Herangehensweise eine Inspiration für Yoon war, ist ein typisches Beispiel. Escher schuf viele ikonische Werke an der Schnittstelle von Natur, Mathematik und Perspektive, wobei er die einzigartige Sprache des Bildes verwendete, um eine einzigartige Sicht auf die Rätsel und Paradoxien des Lebens hervorzuheben. Ich habe mit Yoon über Inspiration, Technologie, künstlerische Medien und die Auswirkungen der neuen KI-Tools auf echte Künstler aus Fleisch und Blut gesprochen.
Inspiration fanden Sie in M. C. Eschers Lithographie „Drawing Hands“ von 1948. Was bedeutet dieses Bild für Sie?
Escher ist ein Künstler, den ich als Kind sehr bewundert habe. Ich erinnere mich, dass ich ein Puzzle mit genau diesem Bild darauf hatte, und seine Tessellation hielt mich stundenlang hypnotisiert. Ich glaube, ich war nicht nur von der wunderbaren Präzision seiner Zeichnungen angezogen, sondern auch von den witzigen Konzepten, die vielen seiner Stücke innewohnen. Es gab eine Zeit in meiner Grundschulzeit, in der ich von optischen Täuschungen besessen war. Dies tun New-Yorker cover fühlt sich ein bisschen an, als würde sich der Kreis schließen.
„Zeichnen von Händen“, MC Escher, 1948.
Sie haben dieses Bild auf Papier gezeichnet und digital koloriert, indem Sie traditionelle Medien mit digitalen Techniken kombiniert haben. Was bieten verschiedene Techniken Ihrer Arbeit?
Ich bin ein großer Befürworter der Verwendung altmodischer analoger Methoden und der Verwendung digitaler Tools zur Unterstützung und Verbesserung des Bildes, anstatt alles am Computer zu erstellen. Ich denke, der Computer kann ein erstaunliches Gerät sein, das eine größere Flexibilität bei der Bearbeitung und Collage ermöglicht. Aber Dinge von Hand zu machen, führt zu Fehlern und einem Maß an Unvorhersehbarkeit, das ich sehr schätze. Mein Umgang mit dem Computer ist stark von meinen Erfahrungen mit traditionellen Medien beeinflusst – er ermöglicht mir, Bilder so zu manipulieren und zu bearbeiten, dass alle Elemente harmonisch zusammenarbeiten. Ohne meinen Hintergrund in der Herstellung von Siebdrucken und Linolschnitten von Hand wäre mein Verständnis von Farbinteraktion und Textur ganz anders. Diese kombinierte Methode hat auch eine sehr praktische Seite: Ich bin seit mehr als einem Jahrzehnt freiberuflich tätig und wünsche mir immer, mehr Zeit zu haben. Einige Projektfristen können nur wenige Tage oder sogar noch am selben Tag betragen, und mein Einsatz digitaler Techniken ist teilweise aus dem Bedürfnis heraus entstanden, so effizient wie möglich zu sein.
Sie haben erwähnt, dass Saul Steinberg, der viele Cover für das Magazin gestaltet hat, Ihre Arbeit beeinflusst hat. Wie so?
Saul Steinberg ist einer meiner künstlerischen Helden, und diese Katze, die aus dem Fenster schaut, ist meine Definition eines perfekten Bildes. Es ist einfach zu gut! Vor allem die collagierte Katze. Die Unvollkommenheit und die fehlende Angst des Künstlers, zu zeigen, dass das Stück bearbeitet wurde, heben dieses Bild für mich hervor. Als ich das Cover zum ersten Mal sah, fühlte ich Ehrfurcht und Eifersucht gleichermaßen. Obwohl Steinberg in Bezug auf den Stil – mit seiner lockeren, schönen und spontanen Art zu zeichnen – wie das genaue Gegenteil von Escher erscheinen kann, denke ich, dass sie einen scharfen Witz und punktgenaue Konzepte teilen. Wenn ich auch nur einen Bruchteil dieser Energie in meine Arbeit stecken kann, bin ich glücklich.
Neben Ihrer freiberuflichen Tätigkeit lehren Sie. Wie sehen Sie und Ihre Schüler die jüngsten Entwicklungen in der KI, die es jedem ermöglichen, Bilder durch Eingabe von Worthinweisen zu erstellen?
Dies war ein großes Diskussionsthema in der Illustrationsabteilung und auf dem gesamten Campus der Rhode Island School of Design. Ob wir über die ethischen Implikationen des Einsatzes von KI, Urheberrechtsfragen, Unterrichtsrichtlinien zu Plagiaten oder die zukünftige Arbeitsplatzsicherheit diskutieren, das Gespräch war zu gleichen Teilen faszinierend und verblüffend. Die Geschwindigkeit, mit der sich diese Technologie entwickelt, ist erstaunlich, daher habe ich im Moment das Gefühl, dass ich immer noch mein Gehirn darum wickle. Nach meinem begrenzten Verständnis, da die aktuellen Bildgeneratoren – wie Midjourney und DALL-E– Text-zu-Bild-Modelle sind, bei denen Sie Eingabeaufforderungen eingeben, um ein Bild zu erstellen, fühlt es sich an wie eine ganz andere Art, Ihr Gehirn zu verwenden. Mit Worten zu arbeiten, um Kunst zu schaffen, und mit den Händen zu arbeiten, um Kunst zu schaffen, scheinen mir zwei getrennte Aktivitäten zu sein.
Die Studiokurse, die ich unterrichte, sind eine direkte Erweiterung meiner freiberuflichen Illustrationspraxis und kombinieren praktische Techniken wie Druckgrafik, Collage und Risograph mit dem zugrunde liegenden Prinzip, dass die Idee hinter dem Bild über allem steht. Meine Schüler haben die Aufgabe, die beste visuelle Interpretation zu finden, um ein Konzept zu vermitteln, wobei der Schwerpunkt darauf liegt, ihre Stimme als Illustrator zu finden. So viel Kunstschaffen besteht darin, sich selbst durch den kreativen Prozess kennenzulernen, Fehler zu machen und durch Kaninchenlöcher von Forschung und Experimenten zu gehen, die manchmal funktionieren – und manchmal nicht. Aber die Misserfolge sind genauso wichtig wie die Erfolge, und das alles trägt zu einem besseren Selbstverständnis bei. Ideen zu entwickeln ist ein sehr persönliches Unterfangen, das aus gelebter Erfahrung resultiert. Es ist der Keim, der zum Schaffen von Kunst führt, sei es ein Bild, eine Skulptur, eine Performance, ein Musikstück oder eine Schrift. KI ist von Natur aus ein Generalist, der aus allen verfügbaren Daten schöpft, daher scheint es mir ein grundlegend anderer Ansatz zu sein. Eines der Dinge, die ich meinen Schülern sage, ist, dass es genauso wichtig ist zu wissen, was man nicht gerne tut, um das zu finden, was man wirklich gerne tut. Ich denke, diese Selbstfindung, sich selbst kennen zu lernen, ist der Punkt, an dem die KI zu kurz kommt und die menschliche Erfahrung immer noch vorherrscht.
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