John Clem Clarke, ein junger Star während der glorreichen Tage der SoHo-Kunstszene in den 1960er und 70er Jahren und ein früher Praktiker der Pop Art, der diese ästhetische Bewegung und den böhmischen Geist seines Viertels in Manhattan bis ins 21. am 5. Juni in einem Pflegeheim in Keiser, Ore. Er war 83 Jahre alt.
Die Ursache sei Demenz gewesen, sagte seine Tochter Trillion Layne.
In den 1970er Jahren verdiente sich Herr Clarke Vergleiche mit Persönlichkeiten, die heute als moderne Meister gelten, wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Robert Rauschenberg, für den Witz, mit dem er das schuf, was Kritiker „Kunst über die Kunst“ nannten, und für einen ästhetischen Stil, der die Techniken einbezog der industriellen Massenproduktion.
Bekannt wurde er durch Neuinterpretationen kanonischer Gemälde. Mit einem Projektor zerlegte er Bilder dieser Gemälde in Schablonen und bemalte mit Schwämmen oder selbstgemachten Sprühdosen eine Leinwand. Seine verzerrten Meisterwerke wirkten verschwommen oder aufgehellt, erweitert oder abgeflacht.
In einer Serie, die die Gemälde des flämischen Künstlers Peter Paul Rubens aus dem 17. Jahrhundert des griechischen Mythos „Das Urteil von Paris“ neu interpretiert, ersetzte Herr Clarke die Figuren durch fotorealistische Bilder von getönten, bronzierten Modellen, die an den Pool in der Playboy Mansion zu gehören schienen.
Artforum sagte 1970, dass Mr. Clarke einen kalten, mechanischen Prozess zu „herrlich sinnlichen Gemälden“ machen könnte. 1979 schrieb der Kunstkritiker David L. Shirey in der New York Times, dass Mr. Clarke „die Vergangenheit und die Gegenwart auf magische Weise verschmilzt“. Sowohl das Museum of Modern Art als auch das Whitney Museum of American Art erwarben mehrere seiner Gemälde.
Mr. Clarke wollte mit seinem Stil die Lebendigkeit vermitteln, die er in der amerikanischen Popkultur sah. Seine Einführung in die Kunst kam durch Comics und Lehrbücher. Als er als junger Mann nach Europa reiste und Museen besuchte, stellte er fest, dass Gemälde in ihrer ursprünglichen Form „nicht wirklich so echt waren wie meine kleinen Taschenbücher, die ich jahrelang studiert hatte“, sagte er 1972 in einem Interview mit der Smithsonian Institution.
Durch die Verwendung von Bildern, die bereits aus klassischen Kunstwerken bekannt sind, versuchte Mr. Clarke, die Aufmerksamkeit des Betrachters vom Inhalt seiner Gemälde auf ihre Form zu lenken – wie die Werkzeuge der amerikanischen kommerziellen Medien wie Schablonen und Airbrush künstlerische Ausdruckskraft erzeugen und Schönheit.
Diese Sensibilität gefiel dem Galeristen Ivan Karp, der die Karrieren von Künstlern wie Warhol und Lichtenstein ankurbelte. Als Mr. Karp eine der ersten Galerien in SoHo, OK Harris, eröffnete, war eine seiner frühen Ausstellungen eine Ausstellung von Arbeiten von Mr. Clarke, der oben im selben Gebäude am West Broadway ein Loft kaufte.
In den 70er Jahren hatte die Robustheit von SoHo eine Art Glamour. Mr. Clarke schenkte einer örtlichen Bar ein großes Wandgemälde im Austausch für jahrelange Freigetränke. Er lud die Künstlergemeinschaft der Innenstadt zu einer Party am 4. Juli und einem Tauziehen in sein Haus in Hancock, NY, ein. Es war gleichmäßig, bis der Maler und Bildhauer Richard Artschwager sich an einer Seite anschloss und zerrte.
„Viele Leute hatten ein Leben lang einen schlechten Rücken“, erinnert sich die Witwe von Herrn Karp, die Künstlerin Marilynn Gelfman Karp, in einem Telefoninterview.
John Clem Clarke wurde am 6. Juni 1937 in Bend, Ore geboren. Seine Eltern, Eugene und Wilma (Owen) Clarke, waren Lehrer. John wuchs in einer ländlichen Gegend im Willamette Valley auf, wohin die Familie zog, nachdem sein Vater ein Landwirt geworden war, der Weizen, Weidelgras und Schafe züchtete.
John besuchte ein Einzimmer-Schulhaus und lernte, wie man einen Traktor fährt. Er vertrieb sich die Zeit, indem er einen Fußball auf das Dach der Scheune seiner Familie trat. In der High School wurde er ein All-State-Verteidiger, und er war der Kicker im Rose Bowl 1957 für Oregon State, wo er ein Football-Stipendium hatte.
Nach seinem Wechsel an die University of Oregon stürzte er sich in den Kunstunterricht. 1960 schloss er sein Studium mit dem Bachelor of Fine Arts ab. Er reiste durch Europa und zog dann nach New York, wo er Mitte der 1960er Jahre als Künstler in Schwierigkeiten war und er monatlich 85 US-Dollar für die Miete und 15 US-Dollar für Lebensmittel ausgab.
Nachdem er erfolgreich war, kaufte Herr Clarke das Loft in SoHo, drei Studios in Greenwich Village und zwei Häuser auf der Karibikinsel Tortola. Das Geld, das er mit der Vermietung seiner Immobilien verdiente, ermöglichte ihm, sich auf die Kunst zu konzentrieren.
In den 1980er Jahren begann er mit der Produktion von Originalarbeiten, die von den Comics und Anzeigen seiner Jugend inspiriert waren. Seine Darstellungen von gebuttertem Mais, Kirschkuchen und glänzenden Autos zeigten eine ironische, aber sympathische Herangehensweise an Americana.
„Es wäre schön, wenn ein Bild von mir eher ein kleines Lächeln aus der Seele zaubern könnte als eine tragische Reaktion, die so viel Kunst bekommt“, sagte Clarke 1995 gegenüber The Santa Fe New Mexican.
Er verwendete diesen Stil für drei 40 x 80 Fuß große Wandgemälde, die an der Ostseite der Chelsea Piers in Manhattan hängen, obwohl sie in den letzten Jahren von Anzeigen verdeckt wurden. Frau Karp nannte die Wandmalereien „vergrabene Schätze“.
Er und seine ehemalige Studioassistentin Jane Purucker heirateten 1979 und ließen sich 2003 scheiden. (Ms. Clarke heiratete später den Hall of Fame-Pitcher Sandy Koufax.) Außer seiner Tochter hinterlässt Mr. Clarke zwei Enkelkinder.
Als Mr. Clarke älter wurde, unterbrachen gesundheitliche Probleme seine regelmäßigen Besuche im Fanelli Cafe der alten Künstler in SoHo. Aber bis er 2018 in ein Pflegeheim zog, lebte er weiterhin in seinem Loft und machte Kunst.
Nur wenige der Künstlerfreunde, mit denen Mr. Clarke Tauziehen gespielt hatte, blieben in der Nachbarschaft, die auch für junge Künstler zu teuer geworden war. Frau Clarke sagte, er „bewahrte“ die SoHo-Kultur seiner Jugend „indem er den ganzen Tag drinnen blieb und malte“.
„Ich glaube nicht, dass es ihn wirklich interessierte, was unten vor sich ging“, fuhr sie fort. “Ihm war wichtig, was in seinem Kopf vorging, in seinem Studio.”