Endlose Fahrt durch das dunstige, sonnenarme Bukarest, um potenzielle Interviewpartner für ein Imagevideo auszukundschaften, Eine überarbeitete und unterbezahlte Produktionsassistentin namens Angela (Ilinca Manolache) kämpft mit Verkehr, Bauarbeiten und dem Gewicht ihrer eigenen Augenlider. Die Ironie, dass sie Leib und Leben riskiert, um bei der Erstellung eines PSA für die Sicherheit am Arbeitsplatz mitzuhelfen, ist unserer Heldin nicht entgangen, und auch die Tatsache, dass ihre Oberherren nur dann wirklich daran interessiert sind, Vorsicht walten zu lassen, wenn es darum geht, ihren Arsch zu bedecken (sie (Sie bieten Opfern nicht ganz so subtiles Schweigegeld als Gegenleistung für die Teilnahme an den Videos an.) Angelas glühend heißer Abscheu vor ihrem zeitraubenden, spritfressenden Auftritt ist spürbar, wird aber auch unter den stetigen, pochenden Wellen der Langeweile sublimiert. Mit ihren blonden Locken und einer Statue in einem glitzernden, paillettenbesetzten T-Shirt ist sie eine unwahrscheinliche und unauslöschliche Verkörperung entfremdeter Arbeit.
Um Dampf abzulassen (oder vielleicht auch nur, um wach zu bleiben), unterbricht Angela ihre Besorgungen mit der Aufnahme unverschämt profaner Videos in der Rolle von „Bobita“, einem rassistischen, sexistischen, fremdenfeindlichen Alter Ego, das sich an „eine Nation von Schlampen und Zuhältern“ wendet. „Du wirst mich hier nicht tot erwischen“, kräht Bobita, die visuell und rhetorisch nach Andrew Tate modelliert wurde, dem berüchtigten Kickboxer, der zum Social-Media-Star wurde und kürzlich in Rumänien wegen Menschenhandels und Vergewaltigung unter Hausarrest stand. Angelas Szenen werden in Schwarzweiß auf körnigem 16-mm-Zelluloid gedreht, aber als sie sich in Bobita verwandelt, wechselt das Format zu Handyvideo, wobei Tates Gesicht digital über ihr eigenes gelegt wird. Das Ergebnis ist ein wunderbar vielschichtiger Gag, der Bobita als verschwommenen, androgynen Flüchtling aus dem unheimlichen Tal darstellt, der gleichzeitig hypermacho und seltsam kokett ist. Tate, der durch seine Karriere als König der toxischen Männlichkeit reich geworden ist, würde darüber nicht erfreut sein.
Er könnte der Einzige sein: Bobita ist die Comic-Kreation des Jahres, ein aufmunternder griechischer Chor auf einer modernen Odyssee durch eine zerfallende europäische Metropole. Wie der Titel schon sagt, Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt hat deutlich apokalyptische Schwingungen; Während einige Filme durch Spezialeffekte Dystopie hervorrufen, richtet Autor und Regisseur Radu Jude seine Linse einfach auf das Alltagsleben, gebrochen durch Multimedia-Prismen, die es wie einen Vergnügungsparkspiegel verzerren. In dieser herabgesetzten Gegenwartsform kann jeder – sogar ein schockierender Künstler wie Bobita – 15 Sekunden lang berüchtigt sein. Um den Autor von „The Hollow Men“ zu paraphrasieren: So endet die Welt: nicht mit einem Knall, sondern mit einem TikTok.
Wann Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt Der Film wurde letzten Herbst auf verschiedenen internationalen Filmfestivals – darunter Locarno, Toronto und New York – uraufgeführt und hatte eine explosive Wirkung. Stellen Sie sich eine schmutzige Bombe vor, die ein Loch in die Sparmaßnahmen des Arthouse-Bereichs sprengt. Solch schrapnellartige Schärfe ist Judes Handwerkszeug: In einer Zeit der Popkultur, die zunehmend von politischer Provokation bestimmt wird, positioniert sich der in Bukarest geborene Regisseur mit seiner absolut falschen Sensibilität an der Spitze der zeitgenössischen Edgelord-Autoren. Nachdem er sich als Regieassistent die erschütternde, pechschwarze Komödie seines Landsmanns Cristi Puiu erarbeitet hatte Der Tod von Herrn Lazarescu (2005) – ein Film, der weithin als Anstoß für die einflussreiche Bewegung des Neuen Rumänischen Kinos gilt – mit dem Jude sein Spielfilmdebüt gab Das glücklichste Mädchen der Welt (2009), eine sanfte, aber pointierte Komödie, deren jugendlicher Protagonist für die Hauptrolle in einem Autowerbespot ausgewählt wird, nur um eine harte Lektion in die Realität des harten Verkaufens zu erhalten. Das Thema der Satire hinter den Kulissen wurde im Superb von 2018 fortgesetzt Es ist mir egal, ob wir als Barbaren in die Geschichte eingehen, Darin versucht eine junge Theaterregisseurin, ein dunkles Kapitel der rumänischen Geschichte zu dramatisieren, muss sich aber der Drohung staatlicher Zensur stellen. Ihre Kämpfe mit dem Projekt – und die damit verbundenen Fragen zur ethischen Darstellung von Gewalt und Völkermord – bilden das Rückgrat für einen Film, der den Impuls, die Vergangenheit neu zu erschaffen, sowohl zelebriert als auch untergräbt.
Im Jahr 2021 sorgte Jude für seine Kamikaze-Komödie für internationale Schlagzeilen – und gewann den Goldenen Bären bei den Berliner Filmfestspielen Pech beim Knallen oder verrückter Porno, eine wahnsinnige, satirische Meisterleistung, in der eine Geschichtslehrerin zur örtlichen Paria wird, nachdem ein selbstgemachtes Sexvideo auf eine nicht jugendfreie Website hochgeladen wurde. Sorgfältig in drei Teile gegliedert, die sich zunehmend von einer einfachen Erzählung entfernen – einschließlich ausgedehnter, stilisierter Exkurse in das Gebiet des Godardschen Essayfilms und dokumentarischer Zwischenspiele, die Arbeit und Freizeit im Schatten einer Pandemie schildern –Pech ist schnell, konfrontativ und selbstbewusst widerlich; Eine Aufnahme eines Priesters, der eine Gesichtsmaske mit der Aufschrift „I Can’t Breathe“ trägt, wagt die Dekonstruktion. Für Kritiker, die Avantgarde-Autoren ernennen wollen, sind solche semiotischen Ausgelassenheiten ein Katzenminze, aber anders als beispielsweise Yorgos Lanthimos – dessen Arme Dinger schmeichelt seinem Publikum letztendlich unter dem Deckmantel der Subversion – man hat das Gefühl, dass Jude sich weder um Preisverleihungen noch um gute Kritiken scheren könnte. In der witzigsten Szene des Films stürzt Angela schließlich in das Set eines Science-Fiction-Thrillers, bei dem kein Geringerer als Uwe Boll Regie geführt hat. „Sie kamen, und ich habe sie zerschlagen“, sagt der kugelköpfige Direktor von Alleine im Dunkeln Und BloodRayne. „Das ist die Geschichte des Kinos“, antwortet Angela.
Es genügt zu sagen, dass Jude viel über die Geschichte des Kinos weiß, und Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt wurde für Cineasten sorgfältig mit einer Reihe nachdenklicher, aber verwirrender Hommagen kommentiert, die von Arthouse bis Trash-Humping reichen. Judes Stil besteht darin, Bilder, Ideen und Epigramme so lange aufeinander abzuprallen, bis sie entweder eine Bedeutung entfachen oder überflüssig werden – ein Stil, der alles an die Wand wirft, den man als Shitpost-Modernismus bezeichnen könnte. Der Dialog ist gespickt mit Anspielungen auf aktuelle Ereignisse, einschließlich des Krieges in der Ukraine, doch die beiden größten Bezugspunkte des Drehbuchs überbrücken die Kluft zwischen Vergangenheit und Gegenwart sowie zwischen der Alten und der Neuen Welt. Erstens erinnern Angelas Abenteuer hinter dem Lenkrad direkt an den Film des rumänischen Regisseurs Lucian Bratu aus dem Jahr 1981 Angela macht weiter, über eine Taxifahrerin, die sich durch Bukarest schlängelt. Der Film ist zwar keineswegs berühmt, aber ein wichtiges audiovisuelles Artefakt des Nicolae-Ceauşescu-Regimes, und in einem inspirierten Akt der Solidarität schneidet Jude Filmmaterial aus Bratus Film in sein eigenes um und zieht deutliche Parallelen zwischen Bildern eines Landes, das unter der Diktatur zusammenbricht und einer, der angeblich durch die Demokratie befreit wurde. Vor vierzig Jahren verblüffte Bratus Film die Zensoren des Landes, indem er seine Kritik in einen täuschend banalen Slice-of-Life-Stil einbettete, in dem der titelgebende Taxifahrer als passiver Reiseleiter still und leise durch Szenen weitverbreiteter Armut schlenderte. Auf der anderen Seite des Jahrtausends orientiert sich Jude an der Idee von Angela 2.0 als rhetorische Scheißrührerin, die Ungerechtigkeiten an jeder Kreuzung ordnungsgemäß auflistet, und als Regieersatz. „Ich persifliere durch Karikaturen“, verkündet sie an einer Stelle und erklärt damit dem Publikum des Films effektiv, wie man sich den Film anschaut.
Judes anderes Leitmotiv dürfte westlichen Zuschauern bekannter sein: der freizügige Bob Dylan. Dylans wegweisendes Video zu „Subterranean Homesick Blues“, in dem er lautlos eine Reihe von Cue-Cards mit seinen kryptischen, poetischen Texten durchblättert, wird zu einem wichtigen Motiv in der zweiten Hälfte des Films, auch in einer außergewöhnlichen, 30-minütigen Einzelaufnahme Sequenz, die bisher wahrscheinlich die beste Szene des Jahres ist. Diese außergewöhnlich choreografierte und gespielte statische Einstellung dient nicht nur als Höhepunkt von Angelas Arbeit, sondern fesselt auch Bratus Version der Figur – die inzwischen Seniorin ist und von der Originalschauspielerin Dorina Lazar gespielt wird – für eine Art Metatext Gnadenstoß. Nach zwei Stunden unermüdlichen Abschweifens und Schwungs ruht Judes Kamera auf dem „Gewinner“ von Angelas Suche – einem Rollstuhlfahrer, der kürzlich aus dem Koma erwacht ist – und schildert in quälender Detailliertheit seine Beteiligung an einem spektakulär unaufrichtigen PSA, der darauf abzielt, ihn zu befreien Hersteller jeglicher Verantwortung für seinen Zustand. Eine gefühlte kleine Ewigkeit lang wird die Aussage des Mannes über die Art seines Unfalls fröhlich kritisiert, revidiert und schließlich ganz zum Schweigen gebracht; Unter dem Deckmantel unternehmerischer Höflichkeit wird ein gebrochener Mann zur Bauchrednerpuppe und dann zum buchstäblichen Platzhalter – ein absurder Doppelgänger für Dylan, mit dem Unterschied, dass seine Karten leer sind und darauf warten, dass jemand sie per Post repariert. „Keine Sorge, wir schreiben, was wir versprochen haben“, sagt einer der Filmemacher lügend. Nicht, dass ihm am Set irgendjemand glaubt. Wie der Mann selbst sagte: Man braucht keinen Wettermann, um zu wissen, aus welcher Richtung der Wind weht; Da es an frischer Luft mangelt, lädt uns Judes brillant ätzender Film dazu ein, eine giftige Lunge einzuatmen.