LONDON – Nur wenige Schauspieler könnten die Sterblichkeit besser unterdrücken als Simon Russell Beale in „Bach & Sons“, einem problematischen neuen Stück im Bridge Theatre, das von einer durchdringenden zentralen Aufführung profitiert.
Von der oft zwiespältigen Beziehung zwischen dem Komponisten Johann Sebastian Bach und zwei seiner 20 Kinder, beides Söhne, die ebenfalls Musiker waren, hat die Schriftstellerin Nina Raine ein recherchierendes Stück entwickelt, das man als „Amadeus“ lite bezeichnen könnte. Wie dieses Stück, Peter Shaffers gefeierte Interpretation von Mozart, enthält „Bach & Sons“ ausgedehnte Diskussionen über das Wesen der Mittelmäßigkeit und neigt auch zum Skatologischen. Inmitten einer ausdrucksstarken Schrift macht ein Charakter einen flüchtigen Hinweis auf „ein Scheißhaufen in der Terrine“.
Nicholas Hytners Produktion rühmt sich eines eindrucksvollen Designs von Vicki Mortimer, mit kaskadierenden Keyboards, die über der Bühne hängen; wie in „Amadeus“ wird der Dialog oft unterbrochen, um Auszügen aus dem Schaffen des Komponisten Platz zu machen.
Im Laufe der Zeit verliert Bach sen. sein Augenlicht und tritt an seinen Sohn Carl (ein lebhafter Samuel Blenkin) zurück, den der Vater als musikalisch „effizient“ verspottet – eine entschiedene Schwäche von ein visionär, der seine kunst unordentlicher und inspirierender mag. Doch alles, was Carl will, ist einfach geliebt zu werden. (Ein weiterer Sohn, Wilhelm, wird von Douggie McMeekin als künstlerisches Wunderkind gespielt, das zum Scheitern verurteilt ist.)
Der Familienchat besteht hauptsächlich darin, die Kraft der Musik zu preisen, wenn man nicht anders kann, als das Gefühl zu haben, dass sie es wirklich geschafft hätten. Ein Höhepunkt der Dissonanzdiskussion erinnerte mich an Georges Seurats Streben nach Harmonie im Musical „Sunday in the Park With George“, um eine bewegendere Darstellung des kreativen Prozesses zu zitieren als „Bach & Sons“ mit seinen üblichen Aussagen über den Wert von Kunst.
Trotzdem erregt Beale Aufmerksamkeit, während der alternde und abgenutzte Bach verblasst. Der Kanon des Komponisten, so wird uns gesagt, kann als Meditation über „die Vielfalt der Trauer“ charakterisiert werden, und Beale vermittelt einen Mann, der diese Trauer selbst erlebt hat: Der Schauspieler schneidet gegen die Sentimentalität des Schreibens, um direkt ins Herz zu greifen .
„Man kann nicht weiterleben und leben und leben“, sagt eine Figur zu Beginn von Nick Paynes „Constellations“ – und so ist es nicht ganz verwunderlich, wenn sich dieses 70-minütige Stück in der zweiten Hälfte der Auseinandersetzung mit dem Tod zuwendet.
Paynes Einakter Zweihänder wurde erstmals 2012 am Royal Court zu sehen, bevor er ins West End und dann zum Broadway wechselte. Die elegante Inszenierung des Regisseurs Michael Longhurst wird nun bis zum 12. September im Vaudeville Theatre wiederbelebt, wobei die schwebende Wolkenlandschaft aus Luftballons des Designers Tom Scutt intakt ist.
Diesmal rotieren vier Besetzungen über den Lauf, und die Londoner Theaterbesucher hatten bisher die Gelegenheit, zwei davon zu sehen. (Unter denen, die noch kommen werden, ist eine schwule Paarung, die den Fernseh- und Künstlernamen Russell Tovey tragen wird.) Die wechselnden Spieler zeigen wild kontrastierende Ansichten eines kniffligen, wenn auch zugänglichen Textes, in dem große und kleine Ereignisse mit unterschiedlichen Ergebnissen wiedergegeben werden, in in Übereinstimmung mit Paynes Interesse an der Existenz eines „Multiversums“. Diese Vorstellung von alternativen Welten, die neben unseren koexistieren, treibt ein Stück an, das die unendliche Variabilität des Lebens in jedem Moment erforscht, mit Ausnahme des letzten, der immer der Tod ist.
Peter Capaldi und Zoe Wanamaker, das älteste Duo der vier, sind auch das schauspielerischere der beiden bisher gesehenen: Man fühlt Wanamaker vor allem außerhalb ihrer Figur Marianne, einer Cambridge-Klugen, die sich mit Quantenmechanik und Stringtheorie beschäftigt . Die Teile fühlen sich für beide Darsteller nicht wie eine natürliche Passform an, obwohl Capaldi, ein ehemaliger Doctor Who im Fernsehen, mit einer Fülle von Charme entschädigt.
Eine viel jüngere Compagnie vereint Sheila Atim (die einen Olivier für ihre Rolle in „Girl From the North Country“ gewann) und Ivanno Jeremiah, die auf der Bühne eine tiefgründige Verbindung haben. Jeremiah ist sofort sympathisch als Roland, ein Imker, der Marianne beim Grillen trifft und mit ihr ein seltsames Gespräch führt über das Lecken des Ellbogens – um ehrlich zu sein, funktionieren solche Austausche bei jüngeren Darstellern viel besser.
Und als Marianne mit ihrem möglicherweise verkürzten Leben konfrontiert wird, vermittelt der erstaunliche Atim die Schwere der Situation, während Paynes Stück deutlich macht, dass ihr Schicksal mit einem glücklicheren Ende in einem Paralleluniversum umgeschrieben werden kann. Diese beiden sind so gut, dass ich beim vierten Betrachten des Stücks das Gefühl hatte, „Constellations“ neu zu sehen: Atim und Jeremiah spielen bekanntes Material wieder, so dass es neu erscheint – eine Tugend in einem Stück, das so viel auf Wiederholung setzt.
Wenn „Constellations“ zu spät das Gespenst aufkommen lässt, dass seine Hauptdarstellerin zu früh sterben wird, wissen wir von Anfang an, dass dies mit der Heldin von „Last Easter“ geschehen wird, dem 2004er Stück von Bryony Lavery im intimen Orangenbaum Theater bis 7. August (Die Show wird am 22. und 23. Juli live auf der Website des Theaters übertragen.) Die flinke Inszenierung von Regisseur Tinuke Craig findet in dieser Juni-Geschichte (der ausgezeichneten Naana Agyei-Ampadu) überraschende Komödien Designer mit Krebs im Endstadium, der mit drei Freunden nach Lourdes, Frankreich, pilgert, weil – warum nicht? Vielleicht geschieht ein Wunder.
June scheint dem Maler Caravaggio besonders angetan zu sein, und der erste Akt schwenkt in der einen Minute von allem Verdorbenen zum Unterricht in Kunstgeschichte, in der nächsten ein oder zwei flotten Ausschnitte aus dem Lied „Easter Parade“. Der Ton ist unerwartet luftig, und die Kameradschaft zwischen June und ihren Kumpels, ebenfalls Theatermacher, ist gut gelungen. Diese Freundschaften halten Junes Stimmung aufrecht, auch wenn ihr Körper sie im Stich lässt.
Doch nach der Pause, als sich Junes Zustand verschlechtert, wird das Schreiben selbstbewusster. Junes hingebungsvoller Kumpel Gash (Peter Caulfield) ruft zweimal „Klischee-Alarm“ aus, und mehrere Ereignisse werden als „undramatisch“ beschrieben, eine ungewöhnliche Adjektivwahl für einen Dramatiker. (Das Quartett enthält auch die Figur einer stark saufenden Schauspielerin, die sowohl schriftlich als auch gespielt ihre Begrüßung bald erschöpft.)
Der unmittelbar bevorstehende Tod scheint diesem begabten Autor zu trotzen, der auf die Art von Sterbebettszenen setzt, die auf der Bühne und in Filmen schon oft zu sehen sind. Was auch immer der Grund für die prosaischen Schlussszenen von „Last Easter“ ist, sie teilen mit „Constellations“ das Gefühl, dass Sterblichkeit am besten in guter Gesellschaft ist.
Bach & Söhne. Regie: Nicholas Hytner. Bridge Theatre, bis 11. September.
Konstellationen. Regie: Michael Longhurst. Vaudeville Theatre, bis 12. September through.
Letzte Ostern. Regie Tinuke Craig. Orange Tree Theatre, bis 7. August.