„Ich hatte nie Interesse daran, berühmt zu werden“: Tanzlegende Yvonne Rainer über ihre herrlich seltsame Filmkarriere | Film

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Während in London eine Retrospektive ihrer Arbeit eröffnet wird, blickt Rainer auf ihre Reise von der experimentellen Choreografin zur anarchischen Filmemacherin und zurück zurück

Yvonne Rainer ist die ikonoklastische Choreografin, die ab den 60er Jahren Pionierarbeit bei der Dekonstruktion des modernen Tanzes leistete, die eng mit der minimalistischen Kunst verbunden ist. Das 1965 veröffentlichte „No Manifesto“ („Nein zum Spektakel. Nein zur Virtuosität. Nein zu Transformationen, Magie und Fantasie … nein zum Bewegen oder Bewegtwerden“) kündigte eine Ablehnung der Konventionen und Klischees des modernen Tanzes zugunsten eines Vokabulars von an Bewegung, die dem Gewöhnlichen, Entfremdenden oder Schlichten Vorrang vor narrativer Struktur und emotionaler Projektion einräumte. Sie wandte sich dem Filmemachen zu, als sie spürte, dass Tanz allein nicht ausdrücken konnte, was sie sagen wollte, und produzierte im Laufe von drei Jahrzehnten mehr als ein Dutzend kompromisslose Filmwerke.

„Oh nein“, sagt Rainer, 88, als ich während unseres Gesprächs in ihrer Wohnung in Manhattan das Thema „No Manifesto“ anspreche, das sie später dementiert. „Das war ein bestimmter Punkt in der Kunstgeschichte – das Manifest war eine Möglichkeit, sich öffentlich zu behaupten. Ich wollte nie, dass es eine Doktrin ist, die meine Entscheidungen bestimmen würde.“ Sie habe „fast sofort“ davon Abstand genommen.

Ende der 1960er Jahre suchte Rainer, deren anarchische, grenzüberschreitende und herrlich seltsame Filme diesen Monat mit einer ICA-Retrospektive gefeiert werden, nach einer neuen Möglichkeit, das Dickicht aus Identität, Erinnerung, Emotionen und Politik zu erkunden, insbesondere ihre Ausrichtung mit der feministischen Bewegung. „Ich hatte nicht das Gefühl, dass die Art des Tanzens, die ich betrieb, diesen Interessen entgegenkommen würde“, sagt sie. „Da kam der Film ins Spiel.“ Es half, dass eine gemeinsame Freundin sie mit der gefeierten französischen Regisseurin und Kamerafrau Babette Mangolte bekannt machte, die ihr die Kunst des Filmschnitts beibrachte.

Während ihre Choreografie konventionelle Erzählformen scheute, experimentierte Rainers 1972 erschienener Spielfilmdebüt Lives of Performers (mit dem Untertitel „ein Melodram“) mit Bruchstücken des Geschichtenerzählens. Es zeigt eine Dreiecksbeziehung zwischen zwei Frauen und einem Mann, die möglicherweise Darsteller einer Probe sind oder auch nicht. Sie tauchte in verschiedene Stile ein, um das Gefühlsgewirr ihrer Charaktere darzustellen: Pantomime, Tanz, Dialoge außerhalb der Kamera, die auf neckische Weise flach wiedergegeben wurden, und Tableaux vivants von Darstellern in verschiedenen Posen der Unterwerfung und des Verlangens. „Ich habe Babette bei den Drehproben freie Hand gelassen“, sagt sie. „Ich war sehr daran interessiert, Menschen zu filmen, die einfach nur herumsitzen und miteinander reden … daran, den Look gewöhnlicher Interaktionen zwischen Menschen und dann dramatische Präsenzen zu kombinieren.“

Eine rebellische Ader zog sich durch ihre folgenden Filme, voller Brüche und seltsamer Gegenüberstellungen oder wenn der Ton nicht mehr mit den Bildern synchron war. Sie sagt, dass diese disruptive Neigung auf ihre Kindheit in San Francisco zurückzuführen ist, als sie die einzige Tochter der politischen Radikalen Jeanette und Joseph war. „Nominell waren sie Anarchisten“, sagt sie über ihre Eltern. „Aber sie waren in vielerlei Hinsicht konservativ“ und hatten strenge Erwartungen an ihr Verhalten und ihre Freunde. „Es gab diese Widersprüche, die mir bewusst wurden und die ich nutzte, als ich versuchte, mich von meinen Eltern zu trennen“, sagt sie.

Die Trennung erfolgte in Form einer Beziehung mit dem abstrakt-expressionistischen Maler Al Held, als sie 20 Jahre alt war. Ein Jahr später zog sie mit ihm nach New York, in ein Loft in der 21st Street und 5th Avenue, wo sie sich in die Kunst vertiefte Kunstszene. Begeistert von Held, seiner Malerei und einer neuen Stadt, versuchte sich Rainer an der Schauspielerei („Ich war nicht gut darin“) und anschließend an Tanzkursen bei der Choreografin Edith Stephen. „Ich war stark und liebte es, mich zu bewegen“, sagt sie, aber sie war keine klassische Ballerina: Sie hatte kurze Beine und einen langen Oberkörper; Im Akrobatikunterricht ihrer Kindheit war sie eher unbeholfen als anmutig gewesen. Sie studierte ein Jahr lang bei der Tänzerin und Choreografin Martha Graham in ihrem berühmten Studio, der Bastion des modernen Tanzes. „Strukturell war ich für diese Technik nicht geschaffen, aber ich habe viel gelernt“, sagt sie. „Mir wurde sehr früh klar, dass ich meine eigenen Tänze machen musste, um Profi zu werden.“

In den frühen 60er Jahren war Rainer an der Gründung eines mittlerweile legendären Experimentalkollektivs beteiligt, des Avantgarde-Judson Dance Theatre. Es war Teil einer Welle von New Yorker Künstlern, die das Establishment sezierten und ablehnten und Affektiertheit und Erhabenheit zugunsten von Wiederholung, Unbestimmtheit und den Bewegungen des Alltäglichen und Alltäglichen ablehnten. „Wir rannten alle zu den Fenstern und schauten hinaus, was die Leute auf der Straße taten, als hätten wir sie noch nie zuvor untersucht“, sagt sie.

Dieser Wunsch, die gewöhnlichen Dinge, die um sie herum geschehen, zu dekonstruieren, mutierte auf der Leinwand. Auch Rainers Filme wurden immer persönlicher und politischer. Sie hinterfragte das Medium weiterhin, indem sie widersprüchliche Handlungsstränge überlappte oder eine Figur unter den Darstellern aufteilte – „und Klischees als Basis für die Säure des Lebens nutzte“, wie die Kritikerin Natasha Stagg es ausdrückte.

In manchen Szenen werden melodramatische Rezitationen vorgetragen, in anderen spielt es sich in Stille ab, etwa in der Sequenz aus „Film About a Woman Who …“ (1974), in der Rainer stumm vor der Kamera sitzt und Fetzen ihres Drehbuchs an ihr Gesicht geklebt hat. Ihre Filme waren Collagen aus Melodram, Traumbildern, Dokumentarfilmen, Slapstick, Archivmaterial, Polemik und losen Memoiren. Ihr letzter Spielfilm, Murder and Murder (1996), erzählte die Geschichte einer lesbischen Liebesbeziehung in der Lebensmitte zwischen zwei Akademikern mit einem Altersunterschied von 10 Jahren, wobei ein im Smoking gekleideter Rainer eine düster-komische Meditation über das Altern, Romantik und das Überleben von Brustkrebs hielt.

Rainer, die seit 30 Jahren mit der Akademikerin Martha Gever zusammenlebt, sagte in ihrer Autobiografie „Feelings Are Facts“ aus dem Jahr 2006, dass ihre Filme sich zunehmend mit „der Herausforderung auseinandersetzten, das Inferno meiner eigenen Leidenschaften darzustellen und zu fiktionalisieren“. Oder um ihre Künstleraussage von 1990 zu zitieren: „Meine Filme können als autobiografische Fiktionen, unwahre Geständnisse, untergrabene Erzählungen, untergrabene Dokumentationen, unwissenschaftliche Dissertationen, dialogische Unterhaltungen beschrieben werden.“

Außerdem wurde es immer schwieriger, sie herzustellen. „Ich wollte mich nicht auf traditionelle Hollywood-Erzählungen einlassen“, sagt sie. Mitte der 90er-Jahre war es für sie nicht mehr möglich, weitere experimentelle Stücke zu finanzieren, und so wandte sie sich wieder der Choreografie zu. „Der Prozess, lange Filme zu machen, hat mir nie gefallen. Ich bin ein Technik-Idiot“, sagt sie. „Es war eine Erleichterung, zu dem zurückzukehren, was ich liebte, und sofort mit Menschen umgehen zu können.“ Ihre jüngste Komposition, Hellzapoppin’: What About the Bees?, eine Auseinandersetzung mit Rassismus in den USA anhand von Bewegungen, die auf der gleichnamigen Musikkomödie von 1941 basieren, wurde 2022 in New York aufgeführt.

Während Rainer sich dem 90. Lebensjahr nähert, freut sie sich weiterhin: auf eine zukünftige Interpretation von Trio A, ihrem berühmtesten Solowerk; bei der Aussicht, in ein Studio zurückzukehren. Ihr Blick auf frühere Arbeiten, insbesondere ihre Filme, ist kurz und sachlich. „Ich verschreibe nicht“, sagt sie, als sie gefragt wird, was ihre Arbeit bedeutet. „Ich erwarte nicht, am Broadway zu sein oder zu missionieren. Ich hatte nie ein Interesse daran, berühmt zu werden. Tatsächlich beschrieb mich jemand als den berühmtesten unbekannten Choreografen überhaupt. Und das passt zu mir.“

• Yvonne Rainer: Eine Retrospektive läuft bis zum 27. August im ICA, London, wobei Rainer am 17. August für eine Frage-und-Antwort-Runde erscheint