Nicht dieser Typ zu sein, aber diese Verwendung ist das Gegenteil von dem, was der Philosoph JL Austin mit “performativ” meinte, einem quasi technischen Begriff, den er auf einen Sprechakt anwandte, der tut, was er sagt. Beispiele sind selten und spezifisch: Wenn Sie vor Gericht „Ich schwöre“ oder an einem Pokertisch „Ich folde“ sagen, verwenden Sie Performative. Sie können Ihre Karten widerwillig oder aus Versehen folden, aber nicht ironisch. Die Worte sind die Tat.
Diese abweichenden Definitionen lassen auf eine interessante Spannung in unserem Verständnis von Aufführung schließen, vielleicht besonders in einer Welt, in der wir davon ausgehen, dass alles nur für Shows getan wird. Eine Performance ist per Definition etwas Falsches, Aufgesetztes, Künstliches, Befangenes. Und auch, nach der entgegengesetzten Definition, etwas Authentisches, Überzeugendes, Organisches, Wahres.
Die Illusion, die sie erzeugen, ist nicht, dass sie wirklich die sind, die sie spielen, sondern dass wir sie kennen, wer auch immer sie sind.
Der Kritiker und Regisseur Isaac Butler zeichnet in seinem Buch „The Method“, das Anfang nächsten Jahres erscheint, die Geschichte dieser Spannung auf die Schauspielerei nach. Ausgehend vom vorrevolutionären Russland bestand eine neue Herangehensweise an das Theater auf Wahrheit – im Gegensatz zu Beredsamkeit, Bravour oder technischem Können – als dem höchsten Wert der Schauspielerei. Ihr Guru war Konstantin Stanislavsky. Das russische Wort perezhivanie, normalerweise als „Erfahrung“ wiedergegeben und von Butler als „ein Zustand der Verschmelzung von Schauspieler und Figur“ beschrieben, war der Schlüssel zu Stanislavskys System.
Die Erfahrung der Figur ist das, was der Schauspieler nach innen erforscht und nach außen kommuniziert, so dass der Zuschauer akzeptiert, was er oder sie weiß, dass es nicht der Fall ist. Wir verwechseln Will Smith nicht mit Richard Williams, Kristen Stewart mit Diana oder Bo Burham mit sich selbst, aber wir glauben ihnen trotzdem.
Die Ankunft von Stanislavskys Lehre in Amerika – wo sie von Lehrern wie Harold Clurman, Lee Strasberg und Stella Adler als Methode gepredigt und von Künstlern wie Elia Kazan, Marlon Brando und Kim Stanley praktiziert wurde – fiel mit einem erneuten Engagement für Realismus im Theater und Film. Für Schauspieler war der immer schwer fassbare Realismus-Standard für den Realismus weniger eine treue Nachahmung als vielmehr eine psychologische Wahrheit. Es gab unterschiedliche Vorstellungen darüber, wie dies erreicht werden könnte, aber ein grundlegender Grundsatz war, dass die Gefühle, Erinnerungen und Impulse des Darstellers Werkzeuge zur Beherrschung des Charakters sind.
Die Methode erreichte in den 1950er und 60er Jahren ihren Höhepunkt, aber das Geheimnis der Authentizität bleibt bestehen. In der Populärkultur bezieht sich „Method Acting“ heute auf ein extremes Engagement für die Aufhebung der Grenze zwischen Charakter und Selbst, eine Art totaler Identifikation, die in vielerlei Hinsicht das Gegenteil von dem ist, was Stanislavsky und seine amerikanischen Anhänger vertraten. Es bedeutet, sich kopfüber in einen Charakter zu stürzen: rund um die Uhr in Dialekt zu sprechen; viel Gewicht zunehmen oder verlieren; fremdartiges Verhalten annehmen; Vernachlässigung der persönlichen Hygiene. Die Quellen der Figur nicht in sich selbst zu finden, sondern sich fast buchstäblich zur Figur zu machen, so weit in die Darbietung zu gehen, dass Sie nicht mehr auftreten.