Der große Unterschied zwischen „Knives Out“ (2019) und seiner Fortsetzung „Glass Onion: A Knives Out Mystery“ ist einer des Klimawandels. In vielerlei Hinsicht sind die beiden Filme Zwillinge. Beide werden von Rian Johnson geleitet; in beiden ist Daniel Craig als Benoit Blanc, der schleimige Detektiv, zu sehen; und beide stellen Blanc vor ein Rätsel, das es zu lösen gilt. Der erste Film drehte sich um ein Herrenhaus in Massachusetts inmitten des Rauschens der Herbstblätter, während der neue größtenteils auf einer griechischen Insel in sengender Hitze spielt. Der Nachteil ist ein Mangel an Schatten – ein Mist für jeden, der glaubt, dass Mord am schlimmsten und am befriedigendsten ist, wenn er in Dunkelheit gehüllt ist. Der Vorteil ist, dass wir Craig, der sich in „Casino Royale“ (2006) wie ein tropfender Gott aus den Wellen erhob, in einem zweiteiligen Badeanzug in einem gestreiften Seersucker, der selbst die Schüchternsten ist, vorsichtig in einen Swimmingpool treten sehen Der viktorianische Gent wäre um die Hälfte zu bescheiden gewesen. Oh, und eine butterblumengelbe Krawatte, geknotet und gefleckt. Nett.
Noch schöner ist die Szene, in der Blanc sich in seinem Bad räkelt, gekrönt von einer Rauchermütze mit Quasten, an einer Zigarre saugt und sich zu Tode langweilt. „Ich brauche einen großartigen Fall“, sagt er. Und hier kommt es. Er wird auf die Insel in der Sonne gerufen; andere Einladungen, die jeweils in einer schlauen Kiste versteckt sind, werden an seine Mitgäste gesendet. Von oben: Duke (Dave Bautista), der auf YouTube berühmt geworden ist, wenn man es so nennen kann, und seine Verliebte Whiskey (Madelyn Cline); Claire (Kathryn Hahn), die nervöse Gouverneurin von Connecticut; Birdie (Kate Hudson), einst Model, jetzt Unternehmerin, immer ein Dummkopf, plus ihre Assistentin Peg (Jessica Henwick); ein Wissenschaftler namens Lionel (Leslie Odom, Jr.); und zu allgemeiner Bestürzung Cassandra Brand (Janelle Monáe). Ihr Gastgeber ist Miles Bron (Edward Norton), ein zurückgezogen lebender Milliardär, der einst Cassandras Geschäftspartner war, bevor er sie treiben ließ. Angeblich ist Miles ein Meister der neuen Technologien. Er ist nachweislich ein Arschloch.
Die erste Wendung in der Brezel einer Verschwörung besteht darin, dass Miles diese Leute in seine Domäne lockt und sie herausfordert, „das Geheimnis meines Mordes“ zu lüften. Ein offensichtliches Vorbild ist hier Agatha Christies „A Murder Is Announced“, das 1950 veröffentlicht wurde. In beiden Fällen verwandelt sich ein scheinbar unbeschwertes Spiel in ein Verbrechen ohne jegliches Herz; diejenigen, die mit dem Buch vertraut sind, werden in der Tat einen Vorsprung bei der Identifizierung der Jägerin im Film haben. Wo Johnson über Christie punktet, liegt im Schleudertrauma seines Geschichtenerzählens. Wir bekommen Rückblenden, Serpentinen, einen Schwarm Ablenkungsmanöver und Szenen, deren Bedeutung auf den Kopf gestellt wird, wenn sie aus einem anderen Blickwinkel betrachtet werden, mit frischen Informationen, die uns zur Verfügung stehen. Während sich Whiskey über Miles schüttet, weiß sie zum Beispiel, dass Duke durch das Fenster zuschaut? Weiß er, ob sie es weiß?
Der Titel schwingt in zwei Richtungen. Zuerst zu einem Track auf dem White Album, in dem Fans, die zu viel in die Beatles-Texte hineinlesen, von John Lennon schnippisch gerippt werden. „Das Walross war Paul“, singt er. Nur durch solch obsessives Detailschnüffeln kann man natürlich hoffen, einen Film wie diesen zu entschlüsseln. Zweitens gibt es eine echte Glaszwiebel: eine stattliche Kuppel, die auf Miles’ Inselversteck thront, und ein aussagekräftiges Symbol, würde ich sagen, für diesen extravaganten, aber nicht allzu robusten Film. Es glänzt vor Unfug, ist raffiniert und wird mit eifrigem Witz aufgeführt – nicht zuletzt von Kate Hudson, die das zwitschernde Birdie in die Kaiserin des Fauxpas verwandelt. (Wir erfahren, dass Birdie sich bei „Oprah“ mit Harriet Tubman verglich; sie glaubt auch, dass Sweatshops dort sind, wo Jogginghosen hergestellt werden.) Warum sollte sich dann das ganze Unternehmen so seltsam dünn und kalt anfühlen?
Der Schlüssel liegt in Agatha Christie. Ihre Bande von Verdächtigen in „A Murder Is Announced“ war eine Mischung aus Jung und Alt – ebenso wie in „Knives Out“, das durch die liebevolle und nicht unheimliche Freundschaft zwischen einem älteren Autor (Christopher Plummer) und seine Krankenschwester (Ana de Armas). Keinen solchen guten Willen gibt es in „Glass Onion“, das voller unsympathischer Seelen ist, allesamt Freunde von Miles und somit aus derselben Generation. Ehrlich gesagt, wen kümmert es, wer wen ermordet? Auch in dem Roman, wie Miss Marple feststellt, „niemand weiß nicht mehr, wer irgendjemand ist.“ In den Wirren des Krieges konnte man nicht nur eine neue Identität, sondern auch eine fiktive Vergangenheit schmieden. Das Verwischen von Spuren ist im digitalen Zeitalter nicht so einfach, und Sie können spüren, wie Johnson die Beweise verbiegt, um sie an die Geschichte anzupassen. An einem Punkt wird jemand getötet, bevor er oder sie eine Tatsache teilen kann, die gerade bei Google Alerts aufgetaucht ist. Was für ein Weg.
Was den Höhepunkt betrifft, werde ich nur verraten, dass es sich um ein großes Chaos handelt. Im Einklang mit „Parasite“ (2019) und dem diesjährigen „Triangle of Sadness“ ist „Glass Onion“ darauf aus, die Reichen mit all ihren Spielsachen zu zerschlagen – die aus einem mit Stars gespickten Hollywood-Spektakel stammen, mit einem üppigen Budget , kommt mir ein bisschen reich vor. Ich frage mich, was Daniel Craig daraus macht. Er genießt eindeutig die träge Gehirnarbeit und genießt den Charakter von Blanc, als wäre es reifer Brie, und doch ist er hier, und alles explodiert in Feuerbällen. Ist er nicht davor weggelaufen, als er aus der Welt von Bond geflohen ist?
Jack Gladney (Adam Driver) ist groß und schwarz gekleidet, mit einem Bauch und einer blau getönten Brille. Er ist der Vorsitzende – und der stolze Gründer – der Abteilung für Hitler-Studien am College-on-the-Hill, a angenehme Wiege des Lernens. Und hier ist der lustige Teil: Jack spricht kein Deutsch. Er versucht es, aber er kann seinen alles verschlingenden amerikanischen Mund einfach nicht um die germanische Sprache bringen. Diese frustrierte Figur, die zur Hoffnung neigt, aber von Untergangsahnungen geplagt und vom unermüdlichen Fahrer zum Leben erweckt wird, ist der Held von „White Noise“, geschrieben und inszeniert von Noah Baumbach.
Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Don DeLillo aus dem Jahr 1984 und spielt in diesem Jahrzehnt. (Hände hoch: Wer steht instinktiv auf der Seite eines Smartphone-freien Films?) Wie so oft bei Baumbach werden wir in den Schoß einer Familie geführt. Dieser Busen ist beschäftigter als die meisten anderen, denn Jack und seine Frau Babette (Greta Gerwig) haben nicht nur ein eigenes Kind, sondern auch Hauskinder aus ihren früheren Ehen; Zwei der Geschwister, Steffie und Heinrich, werden von May und Sam Nivola, einer echten Schwester und einem echten Bruder, gespielt und tragen so zur gelebten häuslichen Textur der Geschichte bei. Wenn Sie wie ich gerne reibungslos choreografierte Sequenzen von Menschen sehen, die sich in Räumen bewegen, schwatzen und naschen oder sich gegenseitig zum Fernseher scharen („Beeil dich, Flugzeugabsturz-Aufnahmen!“), dann das alltägliche Knistern und Summen von „Weißem Rauschen“ wird ausreichen.
Aber dies ist DeLillo, also müssen wir uns auf Erzählungen einstellen – oder jedenfalls auf Ereignisse, die so dicht mit der gasigen Luft der Verschwörung sind, dass Sie kaum atmen können. Daher die Pillen, die Babette heimlich einnimmt, oder das „Airborne Toxic Event“, das die Landschaft verhüllt und die Stadtbewohner, einschließlich der Gladneys, zur Evakuierung veranlasst. Auch Baumbach flieht aus seinen regulären Einsatzgebieten ins Spielberg-Land, wo die Autobahnen in Massenpanik unter einer Gewitterwolke festsitzen, die so groß wie ein Raumschiff ist. Und währenddessen unterhalten sich alle in fließendem DeLillo: „Vielleicht gibt es keinen Tod, wie wir ihn kennen, nur Dokumente, die den Besitzer wechseln.“ Welcher Ehemann hat das jemals zu seiner Frau gesagt? Auf der Seite vertieft die Tatsache, dass die Charaktere wie der Autor klingen, irgendwie den unheilvollen Charme des Zaubers, den er wirkt. Auf dem Bildschirm ist es zu seltsam für Worte.
Aber auch wenn Sie mit „White Noise“ – einer intimen schwarzen Komödie, die davon träumt, ein Epos zu werden – ungeduldig werden, bleiben Sie wegen des Abspanns dabei. Sie entfalten sich in Totalen vor dem Hintergrund eines brodelnden Supermarkts wie ein Foto von Andreas Gursky und sind ein Miniatur-Meisterwerk für sich. Wenn er die Chance bekommt, kann Baumbach nicht anders, als aus den Dingen ein Lied und einen Tanz zu machen. Jemand bitte setzt ihm die Verantwortung für ein Musical, und zwar bald.
In „The Son“ gibt es mehr als einen Sohn. Der erste Sohn, den wir zu Beginn von Florian Zellers neuem Film sehen, ist ein Baby namens Theo. Er ist vernarrt in seine Mutter Beth (Vanessa Kirby) und seinen Vater Peter (Hugh Jackman), die bequem in New York leben. Unbehagen kommt an der Tür an, in Gestalt der von Angst zerfetzten Kate (Laura Dern). Sie ist Peters Ex-Frau, und sie bringt Neuigkeiten von ihr Sohn Nicholas (Zen McGrath), der siebzehn Jahre alt ist. „Er macht mir Angst, okay?“ sagt Kate.
Nicholas ist kaum die Brut Satans. Er scheint ein sanfter und verträumter Junge zu sein; sein Blick ist vernebelt, als würde er in Gedanken woanders abschweifen, und es ist keine Überraschung zu erfahren, dass er die Schule geschwänzt hat. Was hat er den ganzen Tag gemacht? “Ich bin gegangen.” Und was ist sein Problem? “So ist das Leben. Es belastet mich.“ Die Schlichtheit dieser Antworten bringt seinen Vater, einen Anwalt mit politischen Ambitionen, zur Verzweiflung. (Nicht, dass der Film auch nur im Entferntesten an Arbeit interessiert wäre; er ist lediglich ein Schauplatz für privaten Schmerz.) Peters Reaktion auf die Enthüllung, dass Nicholas sich selbst verletzt hat, ist typisch. „Das verbiete ich dir“, sagt er. Das sollte reichen.
Nicholas, der bisher bei Kate gelebt hat, zieht bei Peter und Beth ein und scheint – wenn auch nur scheinbar – auf dem Weg der Besserung zu sein. Er wird von seinen Mitmenschen geliebt, und doch, wie ein Arzt sagt: „Liebe wird nicht genug sein.“ Ratschläge, die das Herz erschrecken. Viele Zuschauer, die Erfahrungen mit psychischen Krisen in ihren eigenen vier Wänden gemacht haben, werden vielleicht entscheiden, dass die Handlung dieses Films allzu nah an den Knochen geht. (Nur wenige von ihnen werden wohlhabende, berufstätige New Yorker mit leichtem Zugang zu psychiatrischer Versorgung sein.) Wenn „The Son“ nicht die Griffigkeit von Zellers vorherigem Film „The Father“ (2020) hat, dann deshalb, weil die Fabel von Nicholas und Peter spröde ist Gefühl einer Einrichtung. Immer wieder, wenn Situationen konstruiert werden, können Sie die Auszahlung erkennen; Wenn Peter mit Beth in ihrer Wohnung tanzt, bekommen wir eine Aufnahme von Nicholas, der zuschaut, ausgeschlossen von den Freuden anderer? Prüfen. Ebenso stützt sich das Finale auf ein Detail, das eine Weile zuvor mit maximaler Unplausibilität gepflanzt wurde. Der Stoß wird beim Aufprall abgestumpft.
Das soll die Fähigkeiten der Schauspieler nicht verachten, und Dern ist in einer besonders zermürbenden Form. Es ist jedoch weder fair noch weise, Jackman mit einer Rolle unaufhörlicher Angst zu besetzen, die, wenn er beiseite tanzt, seine natürliche Genialität abschöpft. Die Ironie ist, dass „The Son“ kurzerhand von Anthony Hopkins gestohlen wird, der in „The Father“ einen Oscar als an Demenz erkrankter Mann gewann. Er spielt jetzt Peters Vater, einen Machtmenschen mit intaktem und loderndem Verstand, der in einer einzigen Szene die zerbrechlichen emotionalen Sympathien anzündet, von denen der ganze Film abhängt. Seine empfohlene Heilung für das Leiden seines Sohnes und seines Enkels lautet wie folgt: „Komm verdammt noch mal darüber hinweg.“ Ist das nicht ungeheuerlich? Es ist. Bleibt das Monster in deinem Kopf, während der Rest des Films zurückgeht? Vollständig. ♦