Die Kritiker sind sich einig: Beau hat Angst ist eine Freudsche Farce, eine alptraumhafte Horrorkomödie, eine tragikomische ödipale Odyssee. Aber was bedeutet das alles – dass es um Mama-Themen geht? Dass es lustig und gruselig ist? Dass der Protagonist eine lange Reise unternimmt; dass der Film selbst lang ist? Ari Asters neuestes Werk beginnt in einem Geburtskanal und endet mit einer Passage durch einen dunklen, geburtsähnlichen Tunnel. Wir schneiden von der Perspektive des neugeborenen Beaus auf den Geburtsraum zu seinem Platz auf der Couch eines Therapeuten. Dies ist ein Film, in dem alles ausgeschlossen und nichts ausgelassen wird.
Beau hat Angst Es ist so viel los, dass es eine ausführliche Beschreibung erfordert, aber es handelt sich nicht, wie ein Rezensent meinte, um „eine erhöhte Realität, die nicht dazu gedacht ist, wörtlich gelesen zu werden“. Es ist kein Film, der eine unterirdische Topographie der Bedeutung abbildet. Stattdessen stellt es eine abgeflachte Realität dar; Es ist ein Film ohne Subtext. Obwohl Beau hat Angst ist von Paranoia durchzogen und strotzt vor ödipalen Symptomen, es vermittelt keine Innerlichkeit, keinen Untergrund, kein Unbewusstes. Seine Symbole sind wörtlich genommen und alles ist so, wie es scheint. Das einzig Überraschende ist, dass es nichts Überraschendes gibt. Der Film erzählt Ihnen dies die ganze Zeit.
BEau Wassermann (Joaquin Phoenix) ist ein Mann mit komplexen Gefühlen gegenüber seiner Mutter, einer wohlhabenden Frau namens Mona. Sein Leben ist von ihrer Beziehung überbestimmt; es könnte sein einziges sein. Er hat keine Freunde, kein Leben, nur große Angst. Er hat jedoch Therapiesitzungen, in denen er über sie spricht.
Beau hat eine Reise geplant, um seine Mutter zu besuchen, aber er wird durch die Fluten einer Welt aufgehalten, die darauf aus ist, ihn zu quälen. Über seinen Vater weiß er nur, was Mona ihm erzählt hat: dass er im Moment von Beaus Empfängnis an einem angeborenen Herzfehler starb, der zu einer tödlichen Ejakulation führen kann – ein Herzfehler, den Beau selbst geerbt hat. Infolgedessen trägt Beau den Tod seines Vaters in sich, und die meiste Zeit des Films existieren Sexualität und romantisches Interesse für ihn nur in Rückblenden.
Der Film verläuft episodisch und beginnt in einer heruntergekommenen Wohnung an der Schnittstelle zwischen multikultureller Armut und städtischem Verfall. Beau hat Verspätung, als seine Schlüssel aus seiner Tür gestohlen werden, nachdem er seinen Wecker verschlafen hat. Aber seine Reise beginnt erst richtig, als er zu Hause anruft und erfährt, dass die Leiche seiner Mutter gefunden wurde, ein zerbrochener Kronleuchter, an der Stelle, an der sich ihr Kopf befinden sollte. Ein verzweifelter Beau steigt in die Badewanne und trauert, aber viel Zeit zum Schwelgen bleibt ihm nicht. Bald flüchtet er vor den Angreifern und rennt nackt, fleischig und rosa durch die Straße. Als nächstes kommt ein Lastwagen, ein Unfall und alles wird dunkel.
Als Beau aufwacht, nimmt der Film erneut seine Perspektive ein: Ein schwarzer Rahmen wird heller, der Raum wird scharf. Es ist, als ob er wiedergeboren würde. Beau findet sich in einem rosafarbenen Raum wieder, der mit Postern von Boybands übersät ist. Er trifft Grace (Amy Ryan) und Roger (Nathan Lane), die ihren eigenen Sohn durch den Krieg verloren haben und ihn in ihrem Vorstadthaus wieder gesund pflegen. Die beiden sind unerbittlich optimistisch und schon bald wird Beau irgendwie in die Rolle ihres Adoptivsohns hineingedrängt, umgeben von einer häuslichen Horrorshow aus zu grünen Rasenflächen und vorstädtischen Nettigkeiten. Familien wie die von Grace und Roger scheinen glücklich zu sein, auch wenn sie durch staatliche Gewalt auseinandergerissen wurden. Diese Tötungsmaschine ist auch nach Hause gekommen, um sich niederzulassen. Beau wird Jeeves (Denis Ménochet) vorgestellt, einem traumatisierten Kriegsveteranen, der dann in Dschungelkleidung schlüpft und Beau den Rest des Films über verfolgt.
EJeder Abschnitt von Beau hat Angst In ähnlicher Weise beginnt sein Werk mit seiner Bewegung von der Dunkelheit zum Bewusstsein. Selbst nach der buchstäblichen Geburtsszene am Anfang folgen wir Beau weiterhin, während er in immer neue verwirrende Kontexte gerät, die den Ton des Films verändern.
Nach seiner kurzen Pause in den grünen, aber mörderischen Vororten erwacht Beau verloren in einem grünen Wald und trifft auf eine Frau, die ihn zu einer Lichtung führt, auf der eine Bühne errichtet wird. Dort trifft er auf eine reisende Theatergruppe, die gerade ein Theaterstück aufführen will. Beau ist ein Zuschauer, aber schon bald ist er buchstäblich in das Stück vertieft, eine Sequenz, die mit farbenfrohen, handgezeichneten Szenen und Stop-Motion-Animationen erzählt wird. Die Hauptfigur des Stücks, mittlerweile auch Beau, baut sich ein Leben in einem Dorf auf, heiratet und bekommt drei gesunde Jungen. Doch eine historische Überschwemmung trennt ihn von seiner Familie und führt ihn in fremde Länder, wo er sein Wanderleben wieder aufnehmen muss. Er verbringt das nächste Jahrzehnt damit, nach seiner Familie zu suchen, die von der Welt um ihn herum entfremdet ist.
Als der Mann-der-auch-Beau endlich wieder in sein altes Dorf stößt, spielt sich im Wald ein Theaterstück ab. Die Aufführung hat bereits begonnen, doch der Mann erkennt Details aus seinem eigenen Leben und sieht seine drei Söhne auf der Bühne. Es folgt ein kathartisches Wiedersehen voller Tränen und süßer Umarmungen. Dieser Moment ist zwar fantasievoll, aber der sentimentalste im Film, doch dann kommt ein Wendepunkt in die herzzerreißende Geschichte: Einer der Söhne des Mannes fragt: Wie hätten sie alle gezeugt werden können, wenn Beau keinen Sex haben kann, ohne zu sterben?
Die Familienidylle ist schließlich nur eine Fantasie. Als Beau dies erkennt, tritt er aus der Rolle zurück und kehrt zum Publikum zurück. Das Stück-im-Stück-im-Film bringt das wirklich Fantastische des Films deutlich zum Vorschein: nicht die komische Gewalt und der Tod, die auf unseren bedrängten Protagonisten niederprasselten, sondern der Traum einer Kunst, die das kann, wenn auch nur Führe ihn für einen Moment wieder mit den Dingen zusammen, die er verloren hat.
BEau hat Angst orientiert sich eng an seinem Namensgeber, spielt sich aus seiner Perspektive ab und verweilt während des gesamten Films in seinem Gesicht. Anstelle der drahtigen Hektik, die er hervorbrachte Der Meister oder Joker, verleiht Phoenix Beau eine zärtliche Passivität und großäugige Trägheit, die seine gesamte Haltung einnimmt. Er kann kaum sprechen, abgesehen von den Entschuldigungen, die ihm entströmen. Wir beobachten, wie Beau unschlüssig darüber nachdenkt, ob er Zahnseide für die Heimreise einpacken soll und was er tun soll, wenn seine Schlüssel gestohlen werden. Er wird von dem geselligen Roger und seiner boshaften Tochter im Teenageralter herumgeschubst. Obwohl Phoenix versucht, Beau Persönlichkeit zu verleihen, ist seine Leere der entscheidende Punkt. Seine Angst schwächt ihn und treibt ihn immer weiter nach innen, an einen Ort, dem wir nicht folgen können.
Anstelle von Innerlichkeit hat Beau Rückblenden, in denen er genauso flach und affektlos erscheint wie sein mittleres Ich. In einem Traum sieht er von der Badewanne aus zu, wie sein Doppelgänger Mona fragt: „Wo ist mein Vater?“ In einem anderen sehen wir Beau als jüngeren Mann, der mit seiner Mutter auf einem Kreuzfahrtschiff festsitzt. Er trifft ein Mädchen, Elaine, die offen und selbstbewusst ist; Sie teilen einen Kuss, doch dann wird sie von Beau losgerissen, bevor er die Chance hat, das Schicksal herauszufordern und die Dinge weiter voranzutreiben. Diese Rückblenden verdeutlichen einige Details seiner Beziehung zu Mona, erschweren aber nichts; Sie sind eine direkte Verbindung zu Beaus aktuellem Ich.
Wenn es um Mütter und Träume geht, fällt es schwer, nicht an Freud zu denken. Aber Beau hat Angst stellt die Symptome dar und unternimmt wenig, um die zugrunde liegenden Ursachen zu hinterfragen. Der Film hinterlässt eine Welt, die bei aller Absurdität für bare Münze genommen werden muss, da nichts auftaucht, was ihr Tiefe verleihen könnte: keine Wendungen in den Charakteren, keine Mythologie, kein sekundäres Bezugssystem. Beaus Leere macht ihn als Führer in diese Welt sowohl passend als auch frustrierend. Wie die Kamera eines Filmemachers ist er der Ort der Perspektive. Er nimmt das Leben um sich herum auf, ohne es zu leben.
ICHn der letzte Akt von Beau hat Angst, Beau kehrt zum Haus der Familie in Wasserton zurück, einem riesigen Glasterrarium, in dem er aufgewachsen ist und in dem Mona lebte und starb. Mit fester Kamera besichtigt Beau sein ehemaliges Zuhause, das mit Hinweisen auf die Verschwörung geschmückt ist, die sein Leben die ganze Zeit über geprägt hat. Wenn man genau hinschaut, scheint der Film zu sagen, dass alles, was kompliziert und unklar war, eigentlich ziemlich einfach ist.
Die Offenbarungen, die wir erhalten, sind simpel; Anstatt den Film zu bereichern, eliminieren sie jeglichen interpretatorischen Spielraum. Es stellt sich heraus, dass es keine größere Welt gibt, nur eine Mutter-Sohn-Dyade. Beau ist ein Geschichtsträger, und Aster nutzt jedes Detail des Films als Beweismittel für die Erforschung seines geplanten Schicksals.
Der überbestimmte Ausgang des Films wird durch seinen ekligen Körperhumor gemildert: Es gibt Genitalien, ausgeschiedene Flüssigkeiten, pharmazeutische Nebenwirkungen und Beaus cartoonhafte Widerstandsfähigkeit. Bei den Vorführungen, die ich besuchte, gab es kaum Gelächter, aber das könnte daran liegen, dass das Publikum noch nicht ganz bereit war, sich über einen Nudisten-Serienmörder namens „Birthday Boy Stab Man“ zu amüsieren, dessen Glied bei jeder stechenden Bewegung ins Wanken gerät.
Da ist noch etwas anderes am Werk. In Der Seltsame InIn ihrem Buch über Komödie und Psychoanalyse stellt Alenka Zupančič fest, dass eine Möglichkeit, zwischen Komödie und Tragödie zu unterscheiden, darin besteht, dass sich in der Tragödie nichts hinter dem Schleier, nichts im Schrank oder auf dem Dachboden befindet; Der tragische Held öffnet die verborgene Tür, nur um sich selbst zu finden. In der Komödie passiert das Gegenteil: Das Geheimnis wird gelüftet, aber was enthüllt wird, ist urkomisch trivial. Stellen Sie sich vor, in Othelloeiner tragischen Geschichte über Eifersucht, war ein verlegener Liebhaber aus dem Schrank aufgetaucht: „Dennoch ist das Komische“, schreibt Zupančič, „dass dahinter – Überraschung, Überraschung! – nichts anderes steckt als das, was wir (oberflächlich betrachtet) erwarten würden von Sachen).”
Beau hat Angst enthält genau solch eine wenig überraschende Überraschung. Am Ende des Films treffen wir Mona (Patti LuPone) zum ersten Mal außerhalb von Beaus Träumen und sie hält Monologe über die Geheimnisse, die uns schon lange beschäftigen. Es stellt sich heraus, dass Beaus Mutter sowohl mehr als auch weniger als eine einfache Bösewichtin ist – nach so viel Aufbau. Schließlich trifft Beau auch auf seinen Vater, der jahrzehntelang im Verborgenen gelebt hat, und die Enthüllung ist sowohl schrecklich als auch urkomisch. Sein Vater taucht hinter der Geheimtür – oder in diesem Fall dem Dachboden – hervor und ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Penis. Aber weil der Film mit der enttäuschenden Trivialität der Wahrheit nicht umgehen kann, ist er ein Penismonster, 16 Fuß groß, mit Gottesanbeterinnenkrallen. Trotz seiner Absurdität braucht man nicht viel Zeit auf der Couch, um das zu bekommen.