PHILADELPHIA — Wissen Sie, was schicker ist, als eine Tonne für ein denkmalgeschütztes Gebäude auszugeben? Eine Tonne ausgeben und es kaum zeigen.
Wenn sich andere Museen und Kulturinstitutionen an Frank Gehry, den Kanadier Angeleno und 92-jährigen Großmeister des Titan-Torquens gewandt haben, hat er sowohl erfinderische als auch pompöse Gebäude beschworen: Metallkurven im Guggenheim Bilbao oder Disney Hall in Los Angeles, oder wogende Glassegel in der Fondation Louis Vuitton in Paris. Aber hier in Philadelphia, wo er eines der ältesten und bedeutendsten Museen des Landes neu erfinden sollte, hat er den Edelstahl und die Kinematik-Software zu Hause gelassen.
Fünfzehn Jahre nachdem das Philadelphia Museum of Art Gehry mit der Erweiterung und Renovierung seines Beaux-Arts-Hauses an der Spitze des Benjamin Franklin Parkway beauftragt hat, ist der erste Teil der Arbeit abgeschlossen – und diskret. Sein Kernprojekt, wie das Museum es nennt, hat die unterirdischen Eingeweide seines Hauses der griechischen Wiedergeburt geräumt und umgestaltet, um 20.000 zusätzliche Quadratmeter Galerien sowie einen erfrischten Eingang und ein Atrium mit Potenzial für Aufführungen und Versammlungen nach der Pandemie zu schaffen Tage. Es hat bisher 233 Millionen US-Dollar gekostet, und Dies ist nur Teil eins; Als nächstes kommen zusätzliche neue Galerien unter der Erde und ein Fenster, das die östliche Treppe durchbohrt (Sie kennen die aus „Rocky“).
Gehrys gedämpfte Interventionen sehen Sie zuerst über den Westeingang – den ich immer noch als Rückseite des Museums betrachte, obwohl er seit Jahren der Hauptzugang ist. (Der östliche Eingang vom Parkway und die Treppe hinauf ist vorerst geschlossen.) Er hat einladendere Glastüren und geeignete Rampen für Rollstuhlfahrer. Die Westlobby, Lenfest Hall genannt, hat größere Fenster bekommen und die postmodernen Ticketschalter, die von den früheren Architekten des Museums, Robert Venturi und Denise Scott Brown, entworfen wurden, wurden entblößt.
Die Ostwand der Lobby wurde abgerissen und ein Auditorium wurde herausgerissen, um Platz für ein neues zentrales Atrium zu schaffen, das mit demselben honigfarbenen Kalkstein verkleidet ist, den die ersten Architekten des Museums 1928 verwendeten. Hier sehen Sie Gehrys einzige Konzession zur Pracht, in Form einer piranesischen Serpentinentreppe, die ins Untergeschoss führt. Aber auch das wird von dem prächtigen, mit Guastavino-Fliesen geschmückten, gewölbten Gang, der nach Jahrzehnten als Hinterhaus wieder auftaucht, überstrahlt. (Im Moment ist hier unten nichts außer ein paar Skulpturen, einem Souvenirladen und einem kleinen Café; der Macchiato war ziemlich gut.)
Eine Etage höher sind die neuen Galerien, deren Design zufriedenstellend langweilig ist – und wirklich, es spricht Bände über Museumsbauten in den 25 Jahren seit Bilbao, dass wir jetzt von Architektur begeistert sind, die man kaum wahrnimmt. (Einst wurden Gehry und seinesgleichen als Baumeister auf den Titelseiten von Zeitschriften gefeiert; jetzt wollen alle Lacaton & Vassal sein, deren ultra-dezente Renovierungen ihnen den diesjährigen Pritzker-Preis einbrachten.) Dieser chirurgische Ansatz war jedoch immer Gehrys Plan. „Es wäre eine echte Herausforderung, etwas praktisch Verborgenes zu tun, das spektakulär werden könnte“, sagte der Architekt der New York Times im Jahr 2006, als das Museum ihn zum ersten Mal aufnahm. Spektakulär ist nicht das Wort, das ich für das Ergebnis verwenden würde, aber es ist auf jeden Fall klug. Das nehme ich jeden Tag.
Wenn alles fertig ist, wird dies ein sehr umfangreiches Museum sein, dessen Umlauf dem des Musée du Louvre ähneln könnte: ein älterer U-förmiger Palast, dessen drei Flügel zuerst durch lichtdurchflutete Räume darunter erreicht werden. Im Moment hat Philly noch die richtige Größe für einen angenehmen langen Nachmittag. Mit vier Stunden schaffen Sie es durch den größten Teil der Sammlung.
Saint-Gaudens ‘vergoldete Diana herrscht immer noch über die Haupttreppe, und Marcel Duchamps rätselhafter „Étant Donnés“ lädt immer noch Peeper zu seiner Holztür ein. Thomas Eakins’ „The Gross Clinic“, dieses blutige Meisterwerk, befindet sich derzeit hier – das Museum teilt es mit der Pennsylvania Academy of Fine Arts. Die hübsche Rotunde im modernen Flügel enthält immer noch Cézannes letzte und größte „Badende“, obwohl ich mich zu Édouard Manets „Die Schlacht am Kearsarge und in Alabama“ hingezogen fühle: zweifellos das größte Gemälde des amerikanischen Bürgerkriegs, das die maritime Malerei als neu erfunden hat ein aktuelles transatlantisches Medienereignis.
Von zwei großen Wechselausstellungen ist die wichtigere „Senga Nengudi: Topologies“, eine Übersicht über eine der versiertesten Figuren der amerikanischen postminimalen Skulptur und Performance. (Organisiert vom Lenbachhaus in München; dort war es 2019 zu sehen und tourte auch nach São Paulo und Denver.) Nach Studien in Los Angeles und Tokio und frühen Experimenten mit flüssigkeitsgefülltem Kunststoff begann Nengudi 1975 mit der Skulptur aus gebrauchten Strumpfhosen, manchmal durch interne Drähte geformt. Einige erstrecken sich bis zur Decke und scheinen an ihre Grenzen zu stoßen; manche sacken unter dem Gewicht des Sandes zusammen und erinnern an Brüste oder Steine oder Tumore.
Diese fragilen und provisorischen Skulpturen, die zusammen als „RSVP“ -Serie bekannt sind, sind in solchen Zahlen selten zu sehen. das allein macht diese Show zu einem Ereignis. Ihre Wirkung liegt auch in den damit verbundenen Performances, vor allem der Künstlerin Maren Hassinger, die ihren Körper in das elastische Gewebe verstrickt, als wäre die Skulptur eine weitere Tänzerin, gebrochen, aber wiederbelebt. In dieser Ausstellung sehen Sie sowohl frühe fotografische Dokumentationen, ein aktuelles Video, in dem Hassinger mit Nengudis Skulpturen tanzt, als auch eine Reihe von Fernsehmonitoren anderer Performances, die Nengudi und ihre Kollegen in Just Above Midtown, der bahnbrechenden Galerie im Besitz von Black in New York.
In den neuen temporären Ausstellungsgalerien ist „New Grit“, eine Gruppenausstellung von 25 Künstlern aus Philadelphia oder hier lebend. Die Qualität ist gemischt und ein wenig zu eifrig, um aktuell zu sein, aber lokale Künstler sind der richtige Fokus für eine Einweihung. Neben den bekanntesten Namen (Howardena Pindell, Alex Da Corte) ist sein wertvollster Spieler sicherlich David Hartt, dessen neu in Auftrag gegebenes „The Histories (Crépuscule)“ Wandteppiche und Videos sowie Bilder von jamaikanischen Stränden und Eisschollen in Neufundland vereint eine medien- und kontinentübergreifende Wanderung.
Am überraschendsten sind die neuen amerikanischen Galerien, die sich der Kunst von der Kolonialzeit bis zum Bürgerkrieg widmen. Zumindest optisch sehen sie toll aus. Farbige Wände zeigen die umfangreiche Sammlung des Museums von Charles Willson Peale und anderen amerikanischen Malern. Es gibt eine reichhaltige Ausstellung spanischer Kolonialkunst und eine beleuchtende Galerie von Philadelphias kostenlosen schwarzen Uhrmachern, Porzellanmachern und Silberschmieden.
Deutlich gesehen ist es noch ein weiter Weg. Neue Wandtexte unterstreichen die Präsenz der Schwarzen und Indigenen in der Gesellschaft Pennsylvanias sowie die Präsenz der Sklaverei in einer Region, die sich selbst gerne als aufgeklärter empfindet als der Rest Amerikas. (Nicht ohne Grund: 1790 gab es in New York siebenmal so viele Sklaven wie in Pennsylvania.) Dies geschieht jedoch mit einem extremen Fokus auf die individuelle Biographie, indem das Subjekt jedes Porträts für sein persönliches Übel gestrichen und andere Objekte hochgejubelt werden für jede unterstellte Verbindung zur Knechtschaft.
Der Begleittext zu einer Silberschale aus dem 18. Jahrhundert sagt uns zum Beispiel nichts über die Schale, nichts über den Silbermarkt, sondern alles über den Silberschmied, einen John Hastier, und seinen versklavten Handwerker namens Jasper. „Vielleicht hat Jasper diese Schüssel geschaffen“, sinniert das Panel.
Sicher, ich weiß es vielleicht nicht! Aber wer diese eine Schüssel geschaffen hat, ist kaum so wichtig wie die politische und wirtschaftliche Institutionen die seine Entstehung unterstützt hat, und die ästhetischen Formen, die es mit anderen Zeiten, Orten und Kulturen verbinden. Im Moment bekommen wir nur eine neue, moralistische Sprache, die auf dieselbe alte Geschichte gesprenkelt ist – und übrigens, diese Sprache ausschließlich auf die amerikanische Geschichte anzuwenden, kann nur als kurzsichtig bezeichnet werden. In denselben Galerien sah ich, um nur ein Beispiel zu nennen, ein Streitross mit den Abzeichen der Niederländischen Ostindien-Kompanie, die auf mehreren Kontinenten die Sklaverei einführte; das geht ohne Kommentar.
Es wird länger dauern, bis das Museum – eigentlich alle unsere Museen – einen Ansatz entwickelt, der diese Objekte in neue Beziehungen setzt, anstatt sie mit Sternchen anzuhängen, die darauf hinweisen, wer ein netter und wer ein gemeiner Mensch war. Es ist kaum unmöglich! Es bedeutet nur, Objekte und Bilder als mehr als nur biografische Aufzeichnungen zu behandeln, sondern als Vektoren in einem großen und globalen Netzwerk von Bildern und Ideen. Wenn wir von kolonialen Hinterlassenschaften sprechen, stehen Universalmuseen ganz oben auf der Liste der Übeltäter – aber wer weiß, welche neuen Wege und Sichtlinien man mit der richtigen Renovierung erfinden kann?
Philadelphia Museum of Art
Voranmeldung empfohlen, aber nicht erforderlich. 2600 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphia; 215-763-8100, philamuseum.org. Das Museum ist am Gedenktag geöffnet.