LONDON – „Ich habe sie über eine Dating-App kennengelernt … ich habe sie in einem Pub getroffen“, sagte Ellie Pennick, 24, Direktorin und Gründerin der Guts Gallery, und erinnerte sich am Freitag daran, wie sie einige der jungen Künstler entdeckt hatte, deren Werke sie verkaufte ein Pop-up-Raum in der Nähe der Carnaby Street während der Debütausgabe des London Gallery Weekend.
Pennick, die sich selbst als “queere Nordländerin der Arbeiterklasse ohne Kunsthintergrund” bezeichnet, war eine von mehr als 130 Londoner Händlern, die während dieser dreitägigen Gemeinschaftsinitiative vom 4. bis 6. Juni Live-Ausstellungen veranstalteten, die darauf abzielten, neue Impulse zu setzen die zeitgenössische Kunstszene der britischen Hauptstadt nach Monaten der durch das Coronavirus verursachten Sperrungen.
Da sie sich die Gebühren für das Studium der Bildhauerei am Londoner Royal College of Art nicht leisten konnte und von den vorherrschenden Systemen der Kunstwelt frustriert war, sagte Pennick, sie habe sich entschieden, eine nomadische Händlerin zu werden, die Pop-up-Shows und das Internet nutzt, um ausgefallene neue Talente zu fördern.
„Ich habe mir das Geschäftsmodell angeschaut und festgestellt, dass der größte Kostenfaktor der Platz war. Also dachte ich, ich nehme das raus“, sagte Pennick. Ihre Teilnahme am Gallery Weekend wurde von der renommierten Londoner Händlerin Sadie Coles unterstützt, die ihr eine kleine Ladeneinheit in Soho zur Verfügung stellte.
Pennick stellte 10 Werke von Künstlern aus, die sie „meistert“ (sie bevorzugt den Begriff „repräsentieren“). Sieben davon wurden bei der Eröffnung am Freitag verkauft, angeführt von „6 Red Chillies“, einem expressionistischen Selbstporträt des in London lebenden saudi-arabischen Künstlers Shadi al-Atallah. Dieses Mixed-Media-Gemälde wurde von einem Londoner Sammler für 8.500 Pfund oder etwa 12.000 US-Dollar gekauft.
Galerie-Wochenenden, die Kunstliebhaber dazu anregen, quer durch die Stadt von Ausstellungsraum zu Ausstellungsraum zu wandern, sind zu einer erfolgreichen Formel für Händler in Orten wie Berlin und Zürich geworden, die im Gegensatz zu London nicht die großen Kunstmessen und Auktionen veranstalten, die in der in Vergangenheit waren Magnete für internationale Besucher.
Aber die Doppelschläge von Brexit und Pandemie haben Londons Position als Hauptstadt des europäischen Kunstmarktes beschädigt. Laut Pi-eX, einem Kunstmarktforschungsunternehmen, lagen Ende Mai die 12-monatigen Auktionsverkäufe bei Christie’s, Phillips und Sotheby’s in London bei 1,7 Milliarden US-Dollar, 1 Milliarde US-Dollar weniger als im Jahr 2019. Einige namhafte Galerien in der Stadt haben geschlossen, und Reisebeschränkungen drohen, eine internationale Messe wie die Frieze London im Oktober, wenn sie überhaupt stattfindet, in eine abgespeckte Veranstaltung zu verwandeln.
Jeremy Epstein, Mitbegründer des London Gallery Weekend, sagte: „Galerien und Künstler mussten ihre Beziehung zu ihrem Publikum aktualisieren.“ Er räumte ein, dass eher ein lokales als ein globales Publikum die Veranstaltung besuchen würde, sagte jedoch, dass er hoffe, dass sie in Zukunft eine ebenso wichtige Attraktion für internationale Sammler werden werde wie die Händlerausstellungen, die mit der Frieze zusammenfallen.
Den ausgestellten Ausstellungen nach zu urteilen, betrachten nordamerikanische Künstler London immer noch als wichtiges Tor zur Anerkennung – und Erwerbung – in Europa. Die Malerei, insbesondere die gegenständliche Malerei, dominierte, wie derzeit bei großen internationalen Auktionen.
White Cube übergab seine Galerie im Zentrum von London einer Ausstellung von 20 neueren Werken der in Brooklyn lebenden französischen Künstlerin Julie Curtiss, deren surreal stilisierte Frauenfiguren, die sich oft auf Schuhe und Haare konzentrieren, bei einer Auktion für mehr als 400.000 US-Dollar verkauft wurden .
Das Herzstück der Ausstellung, Curtiss’ erster in London, war eine runde Leinwand aus dem Jahr 2021, “Le Futur”, die verständnislose Figuren an einem Flussufer zeigt, die Georges Seurats pointillistisches Meisterwerk “Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte” aktualisierten.
An einem regnerischen Freitagmorgen zog die White Cube-Show einen stetigen Strom von lokalen Besuchern an, darunter Patsy Prince, eine in London lebende Schauspielerin und Sammlerin.
„Es war ein Albtraum. Wir sind ausgehungert“, sagte Prince. „Ich kann mir online keine Kunst mehr ansehen. Ich möchte es riechen. Ich möchte die Kreativität schmecken. Das ist bei Zoom nicht möglich.“
Curtiss’ Gemälde kosteten zwischen 40.000 und 170.000 US-Dollar und alle hatten Käufer gefunden, so Paul Garaizabal, ein Verkaufsleiter bei White Cube.
Jaclyn Conley, eine kanadische figurative Malerin, die in New Haven, Connecticut arbeitet; Leidy Churchman, ein in Maine ansässiger Maler, dessen Werk von buddhistischer Philosophie durchdrungen ist; und Alvaro Barrington, ein in New York und London lebender Multimedia-Künstler, geboren in Venezuela und beeinflusst von der Rap-Kultur, sind alles Namen, die bei Auktionen noch keinen großen Einfluss haben. Aber ihre Werke wurden in renommierten Museen ausgestellt, und diese Tatsache spricht Käufer an, die der Marktkurve einen Schritt voraus sein wollen.
Neue Werke von Conley, deren Gemälde von Barack und Michelle Obama gesammelt wurden, wurden in der Skarstedt Gallery im Zentrum von London mehrfach angeboten. Nicht weit entfernt fand die Rodeo-Galerie Käufer für alle 12 ihrer 2020-Gemälde von Churchman. Drüben in East London hatte Emalin Abnehmer für alle 12 seiner neuen Werke von Barrington, die während der Sperrung in London entstanden waren und Gemälde in skulpturalen Betonrahmen mit Rap-Texten zeigten. Die Preise bei diesen Shows lagen zwischen 12.000 und 95.000 US-Dollar. Die meisten Werke wurden von Käufern erworben, die die Stücke nicht persönlich gesehen hatten. „Die Leute sind beim Kauf von JPEGs entspannter geworden“, sagte Katy Green, Rodeo-Direktorin in London.
Dank der Wunder des Internets hätten Werke solch begehrter Namen möglicherweise an jedem Galeriewochenende ausverkauft sein können, selbst wenn sie in viel kleineren Außenposten der Kunstwelt untergebracht waren. Wo bleibt also London?
Die britische Hauptstadt ist eine sehr große Stadt mit einer großen Anzahl von Händlern, die über ein weites Gebiet verstreut sind. Anders als kompaktere Zentren wie Berlin, Zürich oder Paris (die letzte Woche eine ähnliche Veranstaltung veranstalteten) ist London keine Stadt, die sich für das Format Gallery Trail eignet. Doch in Wirklichkeit sind diese Events, wie so vieles, was jetzt auf dem Kunstmarkt passiert, zu Live-Digital-Hybriden geworden.
„Der Verkauf erfolgt hauptsächlich online. Sogar unsere Londoner Sammler kaufen über das Internet“, sagte Krittika Sharma, Mitbegründerin von Indigo+Madder, einer Gruppe neuer Galerien, die in den letzten zwei Jahren im Stadtteil Deptford im Südosten Londons, nicht weit von Goldsmiths, entstanden , das College, an dem berühmte britische zeitgenössische Künstler wie Damien Hirst studiert haben.
Bis zum Samstag des Londoner Gallery Weekends hatte Indigo+Madder, das sich auf zeitgenössische Kunst aus Südasien und seiner Diaspora spezialisiert hat, 10 von 13 Multimedia-Gemälden verkauft, die während des Lockdowns des in London lebenden Künstlers Haroun Hayward entstanden. Beeinflusst von elektronischer Musik, afrikanischen und nahöstlichen Textilien und englischer Landschaftsmalerei des 20. Jahrhunderts, kosteten diese akribischen, vielseitigen Bilder zwischen 3.950 und 650 Pfund. Einer an einen Schweizer Sammler verkauft.
Hayward sagte, er sei optimistisch in Bezug auf Londons Fähigkeit, ein lebendiges künstlerisches Zentrum zu bleiben.
„Ich wurde von Entwicklern aus zwei Studios rausgeschmissen“, sagte Hayward, der jetzt von zu Hause aus in East London arbeitet. „Aber London ist ziemlich wild. Es wird immer eine Punk-Ader haben. Die Kinder schaffen es, aber nicht an den Orten, die wir kennen.“