Dieses Interview enthält Spoiler zu Episode 9 der vierten Staffel von “The Handmaid’s Tale”.
Elisabeth Moss war bereits der Star und Executive Producer bei „The Handmaid’s Tale“. Aber in dieser Staffel wurde sie auch Regisseurin und leitete drei Episoden, die ein Gespür für Bildsprache zeigen. (Der letzte von ihnen, Episode 9, debütierte am Mittwoch auf Hulu.)
In Episode 3 inszenierte Moss eine packende und weitgehend wortlose Flucht, bei der nur zwei Dienerinnen den Versuch überlebten. In Episode 8 letzte Woche enthüllte sie mit subtilen, impressionistischen Blicken, dass sich eine Figur erhängt hatte. Und in der Episode dieser Woche spielte sie in ihrer Präsentation der Tanten auf das letzte Abendmahl an, vielleicht deutete sie auf einen bevorstehenden Verrat hin.
Obwohl diese Episoden das offizielle Regiedebüt von Moss darstellten, trat sie vor einigen Jahren zum ersten Mal hinter die Kamera, als sie 2015 Alex Ross Perrys Indie-Film „Queen of Earth“ drehte, den sie auch produzierte. Moss und Perry, ein häufiger Kollaborateur, tauschten Regieaufgaben für einen Teil einer Szene ab, was ausreichte, um das Interesse der Schauspielerin an einer Erweiterung ihrer Karriere zu wecken.
“Ich meine, wir haben nur Witze gemacht”, sagte Moss kürzlich am Telefon. „Aber es war tatsächlich das erste Mal, dass ich dachte: ‚Ooh. Ich mag das. Das macht Spaß.'”
Sie hatte zu dieser Zeit keinen Masterplan, wie sie es weiter machen sollte, also begann sie damit, Regisseure zu beobachten, die sie genauer kannte. Bei den Dreharbeiten zu „Top of the Lake: China Girl“ (2017) sah sie sich die Autorin und Regisseurin Jane Campion („The Piano“) als Mentorin und Vorbild für die Leitung eines Sets an. Eines von Campions Geheimnissen war Ruhe zu bewahren.
„Sie hat mir immer beigebracht, dass es ein sehr wichtiger Teil der Regie ist“, sagte Moss. „Wenn ein Regisseur anfängt zu schreien, wenn er ängstlich oder gestresst wirkt oder nicht weiß, was er tut, spürt das jeder am Set.“
Moss suchte auch Rat bei Regisseuren, mit denen sie zusammenarbeitete (Wes Anderson bei „The French Dispatch“, Taika Waititi bei dem bevorstehenden „Next Goal Wins“) oder auf andere Weise begegnete (Martin Scorsese, als er ein Panel für ihren neuesten Film „Shirley “).
„Wenn ich Martin Scorsese am Apparat habe, werde ich ihn natürlich um Regietipps bitten!“ sagte Moss lachend.
Staffel 4 von “The Handmaid’s Tale” bot endlich eine Gelegenheit. Während sie sich vorbereitete, holte sie Rat von häufigen Regisseuren von „Handmaid’s Tale“ wie Daina Reid und Mike Barker ein, die so viel getan hatten, um die Stimmung und Ästhetik der Show zu etablieren. Und sie begann darüber nachzudenken, wie sie Regie führen könnte Sie selbst — wie man über ihren Charakter June als Regisseurin denkt, nicht nur als die Schauspielerin, die sie spielt.
Moss rief letzte Woche aus Chicago an, wo sie als Executive Producer, Regie und Hauptdarstellerin einer neuen Apple TV+-Serie namens „Shining Girls“ tätig ist, und sprach über ihre neuen Verantwortlichkeiten und kreativen Beiträge. Dies sind bearbeitete Auszüge aus dem Gespräch.
Wie hat „The Handmaid’s Tale“ Ihr Regiedebüt ermöglicht?
Es fühlte sich an wie, OK, wenn ich das mache, sollte es an etwas liegen, das ich sehr, sehr gut kenne. Ich bin als ausführender Produzent und als Schauspieler in jedes Element dieser Show involviert, also fühlte es sich an, als wäre es etwas Organisches und hätte die besten Erfolgschancen. Wir dachten darüber nach, mich in Staffel 3 als Regisseur zu engagieren, aber es war einfach zu schwierig. Ich war tatsächlich derjenige, der den Stecker gezogen hat, weil ich meinen EP-Hut aufgesetzt habe und dachte: “Das funktioniert nicht für die Show.” Ich habe nur sehr wenige Tage bei „The Handmaid’s Tale“, an denen ich nicht als Schauspieler am Set bin, und für meine erste Episode als Regisseur wollten wir wirklich sicherstellen, dass wir genügend Vorbereitungszeit haben.
In Staffel 4 dachten wir: „Nun, jetzt ist es an der Zeit.“ Wir konnten meine erste Folge im ersten Block drehen, und dann nach zwei Tagen hatten wir den Pandemie-Shutdown, sodass ich noch sechs Monate darüber nachdenken konnte. Als wir zurückkamen, meldete ich mich freiwillig, um einen weiteren Block von zwei Episoden zu leiten.
Wie hat Ihnen der Rat, den Sie erbeten haben, geholfen, herauszufinden, wer Sie als Regisseur sind?
Etwas, von dem ich viel gehört habe, war, dass die Regie in der Vorbereitung erfolgt. Wenn Sie mit dem Set beginnen, sollten Sie es fast in Ihrem Kopf haben. Sie sollten an einem Ort sein, an dem Sie einfach Spaß daran haben, es mit den Schauspielern erkunden und die Millionen Dinge bekämpfen, die auftauchen, die Sie nicht planen konnten. Ich paraphrasiere hier Martin Scorsese, aber ich habe einen Plan. Selbst wenn Sie den Plan ändern – wenn Sie eine bessere Vorstellung von der Blockade der Schauspieler haben oder was auch immer – Sie haben die Arbeit getan: Worum geht es bei diesem Ding? Was ist die Geschichte, die ich erzähle? Was machen die Charaktere in der Szene? Aus wessen Sicht ist die Szene? Selbst wenn Sie Ihren Plan ändern müssen und ändern müssen, haben Sie all diese Grundlagen gelegt.
Begleiten Sie den Theaterreporter der Times, Michael Paulson, im Gespräch mit Lin-Manuel Miranda, sehen Sie sich eine Aufführung von Shakespeare im Park an und mehr, während wir die Zeichen der Hoffnung in einer veränderten Stadt erkunden. Seit einem Jahr begleitet die Reihe „Offstage“ das Theater durch einen Shutdown. Jetzt schauen wir uns seine Erholung an.
Ich glaube, das ist mir nie klar geworden, bis ich bei einigen Episoden Regie geführt hatte: Ich denke wie ein Regisseur. Ich denke über die Bearbeitung nach. Ich denke an den Schnitt. Ich denke darüber nach, wo wir welche Aufnahmen verwenden werden. Mir war schon immer das globalere Bild einer Szene oder eines Projekts bewusst, anstatt einfach reinzukommen und mich nur auf meine Spur zu konzentrieren. Ich fand es hilfreich zu verstehen, warum wir tun, was wir tun, warum die Kamera dort ist, wo sie ist, was die Szene in der Geschichte ist. Wenn Sie tatsächlich der Regisseur sind, können Sie die Dinge äußern, an die Sie denken. Das macht mir richtig Spaß.
Gab es Ideen, bei denen Sie sich anfangs nicht sicher waren?
Mein Kameramann Stuart Biddlecombe und ich sahen uns den Monolog der Gerichtssaalszene in Episode 8 an und sagten: “Das ist verrückt, aber Gott, es wäre großartig, wenn wir das in nur einer Aufnahme machen könnten.” Wir sahen uns beide an und fragten uns: „Glaubst du, das könnte funktionieren?“ Wir wussten es wirklich nicht. Aufgrund der Covid-19-Protokolle gab es in der Gerichtssaalszene ein Limit von 10 Personen vor der Kamera, sodass visuelle Effekte erforderlich sein könnten, um die Menge zu füllen. Also haben wir all diese Berichterstattung entworfen und gedreht; wir sind nicht dumm. Aber als wir in den Schnitt kamen, funktionierte es am Ende einfach wie ein langer Take. Es war viel wirkungsvoller und emotionaler.
Du hast in Episode 9 zwei besonders bewegende Sequenzen mit dem Herzschmerz von June und Luke (OT Fagbenle) geschaffen, die zu der Wiedervereinigungsromanze von June und Nick (Max Minghella) führen. Im Vergleich dazu wird die Romanze von June und Luke komplett beraubt, und die Romanze zwischen June und Nick wird unglaublich gesteigert, während die Kamera wirbelt.
Ja! Ich bekomme Schüttelfrost, wenn du das sagst, denn das ist genau richtig. Es war das Erste, worüber OT und ich gesprochen haben, dass dies wahrscheinlich das Herzzerreißendste ist, was Luke und June je erlebt haben, als er sagte: „Geh zu deinem anderen Mann.“ Schrecklich! Luke und June sitzen sich im Wohnzimmer gegenüber, und in dieser Szene gibt es nur drei Einstellungen. Unter normalen Umständen würde das als etwas gewagt gelten. Das Gefühl, das es Ihnen vermittelt, ist die perfekte Verbindung von Kinematografie und Geschichte. Es geht nicht darum: „Das sieht toll aus. Sind wir nicht cool?“ Es geht darum, die Geschichte am besten zu erzählen.
Die Romantik ist meine Schuld. [Laughs.] Das ist Stuarts und meine Schuld, ganz und gar. Wir wollten nur „Moulin Rouge!“ drehen. Wir sind so romantische Nerds. Und wie Sie in Episode 3 gesehen haben, hat die Steadicam 360 Grad um sie herum gedreht, wenn sie sich küssen? Du musst uns zügeln. Wir wollen nur das romantischste Ding aller Zeiten drehen.
Die Szene, in der June von diesem Wiedersehen wegfährt, ähnelt Diane Lane im Zug in „Untreu.“ War das beabsichtigt?
Das war nicht unbedingt eine Referenz, aber es ist eine großartige Berufung. Das war Chris Donaldson, mein Redakteur. Die Jump Cuts waren seine Idee. Sie sind fantastisch. Wir verwenden so etwas so sparsam wie möglich, aber es fühlte sich wie die einzige Möglichkeit an, das zu zeigen, was wir zu zeigen versuchten, nämlich die Hochstimmung, die Freude, die Liebe, aber auch die Schuld und die Verwirrung. Versuchen Sie, all das in 10 Sekunden oder so unterzubringen.
Hat dich irgendetwas am Monitor zum Weinen gebracht?
Ich würde sagen, in Episode 3, wenn Luke diese Verandaszene hat, in der er sich Sorgen macht, dass June vielleicht nicht zurückkommen will? Das hat mich umgebracht! Nick in Episode 3, als er sich von June verabschiedet. Fred Waterfords letzte Szene in Episode 9 mit Serena (Joseph Fiennes und Yvonne Strahovski) – dieser Mann befindet sich in einer Position, in der er noch nie zuvor war, wo er tatsächlich Liebe, wahre Liebe für sein kommendes Kind fühlt. Das hat mich erwischt. Janine (Madeline Brewer) und Tante Lydia (Ann Dowd) in Episode 9. Sie drehten es auf 11. Es war einfach außergewöhnlich zu sehen, wie Madeline und Ann beide in diese Richtungen gingen, die sie vorher nicht gegangen waren. Wirklich, ich liebe es, bei Sachen Regie zu führen, bei denen ich nicht mitmache, weil ich dazusitzen und diesen Typen zuschaue, und sie sind einfach so phänomenal anzusehen.
Teile von Dowds Leistung in dieser Saison, insbesondere aber in Episode 9, scheinen den Grundstein für das kommende Spin-off zu legen.“Die Testamente“ oder zumindest die beiden Shows zu verbinden.
Die Arbeit, die ich in dieser Staffel mit Ann Dowd als Regisseurin gemacht habe, beinhaltete aus offensichtlichen Gründen definitiv „The Testaments“. Das haben wir immer im Hinterkopf behalten. Auch wenn nicht unbedingt Dinge in das Drehbuch geschrieben wurden, die sehr eindeutig waren, was Tante Lydias Reise letztendlich sein wird, waren Ann und ich uns dessen sehr bewusst und suchten ständig nach kleinen Momenten, in denen wir es vorschlagen könnten. Es war etwas unter der Oberfläche ihres gesamten Bogens in dieser Saison, und ich denke, es hat ihrer Leistung wirklich eine unglaubliche Ebene verliehen.
Eine Ann Dowd-Performance hat immer neun Millionen Ebenen! Jeder kleine Blick, jede kleine Bewegung, alles, was man an das Kommende anknüpfen konnte, hat es einfach so viel interessanter gemacht. Nachdem ich ihr Regie geführt hatte, ging ich nachts nach Hause und sagte einfach: „Ich kann nicht glauben, dass ich heute so mit Ann Dowd arbeiten konnte. Ich bin der glücklichste Mensch der Welt.“