Dieser Artikel ist Teil unseres neuesten Sonderabschnitts über Museen, der sich auf neue Künstler, ein neues Publikum und neue Denkweisen über Ausstellungen konzentriert.
Raphael Montañez Ortiz war 1969 ein gefeierter Avantgarde-Künstler, als er einer Gruppe von Eltern, Lehrern und Schülern aus East Harlem half, das El Museo del Barrio zu gründen, ein Museum, von dem er glaubte, dass es lateinamerikanische Künstler willkommener aufnehmen würde als New Yorks etablierte Tempel der bildenden Kunst.
Er verließ El Museo 1971 und nahm seine bahnbrechende Karriere als Künstler wieder auf, während er gleichzeitig eine Tenure-Track-Lehrstelle an der Rutgers University annahm. Jetzt kommen der Mann und das Museum in einer umfassenden Retrospektive der 60-jährigen Karriere von Herrn Montañez Ortiz wieder zusammen.
Die Ausstellung „Raphael Montañez Ortiz – A Contextual Retrospective“ wurde am 14. April im El Museo del Barrio eröffnet und soll bis zum 11. September laufen. Anschließend wandert sie ins Museo Tamayo in Mexiko-Stadt.
Im Idealfall wird die Show einen weithin respektierten Latino-Künstler einer neuen Generation in seiner Heimatstadt wieder vorstellen und das Profil des Museums schärfen, das er gegründet hat, um Latino-Studenten mit der Kunst in Verbindung zu bringen.
Chon A. Noriega, Professor für Film- und Medienwissenschaft an der UCLA School of Theatre, Film and Television, sagte, diese Show zeige beispielhaft, warum spezialisierte Museen wichtig seien, um die Kunstbetrachtung zu erweitern.
„Wir brauchen alle Museen. Wir brauchen jede Art von Museum, die möglich ist“, sagte er.
Die Show teilt die Karriere von Herrn Montañez Ortiz in vier Perioden ein, die sich auf eine reichhaltige Sammlung konzentrieren, deren Titel keine Schläge zieht: „Das Denkmal für die sadistische Holocaust-Zerstörung von Millionen unserer alten Arawak-Taino-Latinx-Vorfahren, begonnen 1492 von Kolumbus und seiner Mission zu , Kolonisieren Sie mit den Conquistadores den Reichtum der Neuen Welt und liefern Sie ihn nach Spanien, ungeachtet der menschlichen Kosten für die weniger als menschlichen Ureinwohner der Neuen Welt.“
Die erste Sektion ist Destruction, die Filme enthält, die er durch willkürliches Schneiden und Zusammensetzen kurzer Dokumentarfilme und Performances, in denen er Klaviere mit einer Axt zerlegt, gemacht hat. Als nächstes folgt Decolonization and Guerilla Tactics, das sich mit dem puertoricanischen Erbe und Aktivismus des in Brooklyn geborenen Künstlers befasst, einschließlich der Gründung des El Museo del Barrio.
Darauf folgt Ethnoästhetik, ein Wort, das er geprägt hat, um den Widerstand gegen kulturellen Ethnozentrismus zu beschreiben. Das letzte ist Physio-Psycho-Alchemy, das zeigt, wie er Meditation und Rituale in Performances integriert. Dieser Abschnitt enthält auch digitale Videos, die er in den 1980er Jahren gemacht hat.
Der Kurator des El Museo, Rodrigo Moura, organisierte die Ausstellung mit der Gastkuratorin Julieta González. „Es ist schon lange in Arbeit“, sagte Mr. Moura. „Ich bin seit drei Jahren im El Museo, und dies ist eine der Shows, die ich gleich nach meiner Ankunft machen wollte. Es ist Teil einer Neubewertung einiger der prägenden Werte und der Geschichte des Museums.
Die Werke von Herrn Montañez Ortiz befinden sich in den ständigen Sammlungen von zwei Dutzend Museen in ganz Europa und den Vereinigten Staaten, so dass die Kuratoren für die Montage der Ausstellung Werke von Institutionen wie dem Museum of Modern Art und dem Whitney Museum of American Art ausleihen mussten New York, die Menil Collection in Houston, das Everson Museum of Art in Syracuse, NY, und das Chicano Studies Research Center an der University of California, Los Angeles. Diese letzte Institution beherbergt die Manifeste und Fotos von Herrn Montañez Ortiz von seinen Auftritten, einschließlich seiner renommierten Teilnahme am Destruction in Art Symposium in London im Jahr 1966.
Neben dem Schüren des Interesses an Herrn Montañez Ortiz, 88, der sich vor kurzem nach 50 Jahren von Rutgers zurückgezogen hat, zuletzt als angesehener Professor für bildende Kunst, sagte Herr Moura, er glaube, dass die Show die Verbindungen von El Museo zur Stadt erneuern werde. „Es ist Teil meines kuratorischen Interesses, eine neue Generation von Museumsbesuchern mit dieser Geschichte von El Museo und in diesem Fall mit der Arbeit seines Gründers wieder zu besuchen und wieder zu verbinden“, sagte er.
Herr Montañez Ortiz absolvierte 1964 das Pratt Institute in Brooklyn, als New York seinen Status als Zentrum der Kunstwelt behauptete und die Menschen sich der Idee öffneten, dass Kunst mehr sein kann als Malerei und Skulptur. Mr. Montañez Ortiz beschäftigte sich damals mit traditioneller abstrakter Malerei und Zeichnung, aber lange Gespräche mit dem dadaistischen Schriftsteller Richard Huelsenbeck, einem frühen Verfechter des jungen Künstlers, halfen Mr. Montañez Ortiz, eine stark intellektualisierte Herangehensweise an das zu finden, was Kunst ausmacht. Er kam zu dem Schluss, dass es nicht den traditionellen Vorstellungen von „Schöpfung“ entsprechen muss und „Zerstörung“ als Mittel beinhalten könnte, um die gewalttätigen Tendenzen der Menschheit widerzuspiegeln.
Mr. Montañez Ortiz schrieb 1962 ein Manifest über „Destruktivismus“ als Kunstform und wurde vier Jahre später zum Destruction in Art Symposium in London eingeladen, wo er Schlagzeilen machte, indem er leidenschaftslos ein Klavier mit einer Axt zerlegte, während das Publikum zusah. Zu anderen Zeiten an anderen Orten zerstörte er Stühle und andere Möbel.
Die Zerstörung strafte die tiefe Spiritualität des Künstlers Lügen, die er dadurch erlangte, dass er in einer puertoricanischen Enklave in der weitgehend jüdischen Lower East Side von Manhattan aufwuchs. „Ich war offen für so viel Spirituelles“, erinnerte er sich in einem Telefoninterview. Er lernte den hohen bischöflichen Glauben seines Vaters, den Katholizismus seiner Mutter und das orthodoxe Judentum seiner Nachbarn kennen und schätzen.
„Was mir wirklich wichtig war, war zu entdecken, dass man im Judentum mit Gott streiten kann und im Christentum besser nicht“, sagte er.
Herr Montañez Ortiz sagte, als er ein Junge war, erzählte ihm ein Rabbiner von einem Liebespaar, das seine Tochter an Polio verlor. Das Paar verbrachte die meiste Zeit seines restlichen Lebens auf einem tête-à-tête-Sofa, wo es die Anwesenheit seines geliebten Kindes spürte. Nach dem Tod der Eltern sagte der Rabbi, dass das Sofa eine Wärme und einen Glanz bewahrt habe, was viele Menschen glauben ließ, dass die Seelen der Familie zurückgeblieben seien. Herr Montañez Ortiz sagte, die Zerstörung von Möbeln sei eine Möglichkeit, „einen Geist als Teil einer Versöhnung freizusetzen“.
Während Museen mehr farbige Frauen und Künstler zeigen als 1969, seien Institutionen wie El Museo immer noch wichtig, sagte Herr Noriega von der UCLA in New York.
„Es ist nicht so, dass sie eine Galerie sehen müssen, die nur Latino-Kunst hat“, sagte er, „aber sie müssen am Ende eines Museumsbesuchs mit dem Gefühl herauskommen, dass wir an der Wand stehen. Und wir gehören in die Welt, denn was an der Wand hängt, ist ein Spiegelbild der Welt.“
Die Botschaft schwingt bei großen Philanthropen mit. Die Ford Foundation gewährte El Museo im Jahr 2020 ein Stipendium in Höhe von 4 Millionen US-Dollar, und ein Jahr später spendete der Autor und Philanthrop MacKenzie Scott 8 Millionen US-Dollar, die größte Einzelspende in der Geschichte des Museums.
Die Zuschüsse trugen dazu bei, die ständigen finanziellen Herausforderungen von El Museo zu lindern, indem sie es der Institution ermöglichten, Programme zu starten, für die sie sonst möglicherweise nicht die Ressourcen gehabt hätte.
„Dies ist eine überfällige Ausstellung für das Museum, denn das letzte Mal, dass es eine Retrospektive oder eine größere Präsentation von Raffaels Werken präsentierte, war 1988, und er hat seitdem fantastische Arbeiten geschaffen“, sagte Mr. Moura.
Es ist nicht einfach für ein Museum, eine Retrospektive eines Künstlers angemessen zu präsentieren, dessen Werk von willkürlich zusammengefügten Filmen über methodisch zerlegte Klaviere bis hin zur Umarmung des Spiritismus und dem Widerstand gegen die kulturelle Entrechtung von Latinos reicht.
„Seine Arbeit profitiert davon, in einem Museumskontext gezeigt zu werden, in dem die Menschen seine Karriere als Ganzes verstehen und die Arbeit aus verschiedenen Momenten betrachten können“, sagte Kevin M. Hatch, außerordentlicher Professor für Kunstgeschichte an der Binghamton University. „Er kam in einer Ära auf, den 1950er und 1960er Jahren, in der Künstler die Grenzen dessen, was als Kunst gelten konnte, wirklich ausreizten. Er ließ viele dieser Künstler konservativ aussehen, weil er die Grenzen ausreizte.“
„Die Kunstwelt hat ihn endlich eingeholt“, fügte Mr. Hatch hinzu, „und ich denke, dies ist wirklich ein schöner Moment für ihn, um die Anerkennung zu erlangen, die er auf seinem Weg vielleicht nicht hatte.“