Heutzutage gibt es in Amerika weniger Theater. Weniger Veranstaltungsorte. Weniger Produktionen. Weniger Auftritte.
Cal Shakes, ein Favorit aus der Bay Area, der Shakespeare in einem Amphitheater im Freien inszenierte, gibt dieses Jahr keine Shows. Das Lookingglass Theatre in Chicago, wo Mary Zimmermans „Metamorphoses“ Premiere hatte, bevor es an den Broadway kam, hat den Programmablauf bis zum nächsten Frühjahr eingestellt. Das Williamstown Theatre Festival, bekannt für seine hochkarätig besetzten Sommershows, hat in dieser Saison keine vollständig aufgeführten Produktionen in seiner Heimat im Westen von Massachusetts.
Die Corona-Pandemie und ihre Folgen haben die Branche in eine Krise gestürzt. Interviews mit 72 erstklassigen regionalen Theatern außerhalb von New York City zeigen, dass sie davon ausgehen, in der nächsten Saison insgesamt 20 Prozent weniger Produktionen zu produzieren als in der letzten vollen Saison vor der Pandemie, die Kinos im ganzen Land oft für 18 Monate oder länger geschlossen hat. Und viele der Shows, die sie programmieren, werden kürzere Laufzeiten, kleinere Besetzungen und einfachere Sets haben.
Das ACT Theatre in Seattle hat die Dauer jeder Show um eine Woche verkürzt. In Los Angeles wird das Geffen Playhouse dienstags, dem langsamsten Abend, keine Vorstellungen mehr ansetzen. Die Arden Theatre Company in Philadelphia rechnet damit, in der nächsten Saison 363 Vorstellungen zu geben, gegenüber 503 Vorstellungen in der Saison vor der Pandemie.
Warum passiert das? Die Kosten sind gestiegen, die staatliche Unterstützung, die viele Theater auf dem Höhepunkt der Pandemie am Leben hielt, ist größtenteils ausgegeben, und das Publikum ist kleiner als vor der Pandemie, ein Nebenprodukt veränderter Lebensstile (weniger Pendeln, mehr Streaming), einiger Bedenken hinsichtlich der Innenstadtviertel, in denen sich viele große gemeinnützige Theater befinden (Sorgen um die öffentliche Sicherheit), und gebrochener Gewohnheiten (viele ehemalige Gäste, insbesondere ältere Menschen, sind nicht zurückgekehrt).
„Es ist unmöglich, über den Zustand des Theaters nicht beunruhigt zu sein“, sagte Christopher Moses, künstlerischer Leiter des Alliance Theatre in Atlanta. „Es ist klar, dass dies die schwierigste Zeit ist, gemeinnütziges Theater zu produzieren, vielleicht in der Geschichte der gemeinnützigen Bewegung.“
Die Zahl der gemeinnützigen Theater in Amerika war in den zwei Jahrzehnten vor der Pandemie erheblich gestiegen, doch viele kleine und mittlere Unternehmen schließen jetzt. Erst letzten Monat gaben das Book-It Repertory Theatre in Seattle, die Triad Stage in Greensboro, NC, und die Unexpected Stage Company in Maryland ihre Schließung bekannt. Chicago, eine Stadt, die stolz auf ihre lebendige Schaufenstertheaterszene ist, hat mindestens ein halbes Dutzend Unternehmen verloren.
„Wir sehen derzeit, dass zwei bis drei Organisationen jeden Monat schließen“, sagte Greg Reiner, Direktor für Theater und Musiktheater beim National Endowment for the Arts.
In einigen der größten Institutionen der Branche kommt es zu erheblichen Entlassungen und Kürzungen: In diesem Monat hat das renommierte New Yorker Public Theater 19 Prozent seiner Stellen gestrichen; Kurz zuvor kürzte das Kraftpaket Brooklyn Academy of Music 13 Prozent und die weitläufige Center Theatre Group of Los Angeles 10 Prozent. Das Dallas Theater Center hat sein Vollzeitpersonal seit letztem Herbst von 70 auf 38 fast halbiert.
Die Pandemie verschärfte viele Trends, die gemeinnützige Theater seit langem vor Herausforderungen stellten, einschließlich des stetigen Rückgangs der Abonnentenzahl – der treuen Zuschauer, die sich im Voraus anmelden, um die meisten oder alle Shows einer Saison zu sehen. Hartford Stage und Kansas City Repertory Theatre haben seit der Pandemie jeweils die Hälfte ihrer Abonnenten verloren, wodurch sie weitaus stärker auf Einzelkartenkäufer angewiesen sind, deren Kaufverhalten unvorhersehbar ist und die tendenziell weniger an unbekannten Werken interessiert sind.
Eine neue Umfrage des National Endowment for the Arts und des Census Bureau ergab, dass im vergangenen Jahr 10,3 Prozent der amerikanischen Erwachsenen ein Musical besuchten, verglichen mit 16,5 Prozent im Jahr 2017; nur 4,5 Prozent besuchten ein Theaterstück, gegenüber 9,4 Prozent.
Gleichzeitig sind die Kosten für Theateraufführungen aufgrund von Inflation, Arbeitsmarktproblemen (der große Rücktritt führte zu einer erheblichen Personalfluktuation, sodass sowohl die Rekrutierungs- als auch die Bindungskosten gestiegen sind) und Bedenken hinsichtlich der sozialen Gerechtigkeit (viele Theaterarbeiter haben erfolgreich argumentiert, dass sie unterbezahlt wurden) erheblich gestiegen. „Während wir auf eine gerechtere Arbeitswelt hinarbeiten, steigen die Kosten für die Produktion von Theaterstücken“, sagte Ross Egan, Geschäftsführer des Asolo Repertory Theatre in Sarasota, Florida.
Auch wenn sie Personal abbauen und weniger Schauspieler und freischaffende Künstler einstellen, sind viele Theater in roter Tinte überschwemmt, nachdem sie die staatliche Hilfe aufgebraucht haben, die ihnen während des Höhepunkts der Pandemie geholfen hat, zu überleben. „Ich bin seit 20 Jahren hier und irgendwann im Frühjahr wurde mir klar, dass dies das größte und größte Defizit in meiner Geschichte sein würde“, sagte Paul R. Tetreault, der Direktor der Ford’s Theatre Society in Washington, D.C
Warum die Shows reduzieren? „Wir haben nicht die Nachfrage danach, warum sollten wir also versuchen, so zu handeln, wie wir es tun?“ sagte Ken-Matt Martin, der vorläufige künstlerische Leiter der Baltimore Center Stage und des Arkansas Repertory Theaters. Und viele gemeinnützige Organisationen veranstalten Shows mit Verlust, da selbst hohe Ticketverkäufe die Produktionskosten nicht decken können und sie auf Philanthropie angewiesen sind, um die Differenz auszugleichen. „Wir alle verlieren Geld durch Produktionen“, sagte Angel Ysaguirre, Geschäftsführer des Court Theatre in Chicago. „Wir verlieren weniger Geld, wenn wir eine Produktion streichen.“
Die Krise hat zu einem neuen Geist der Zusammenarbeit und einer enormen Zunahme von Koproduktionen geführt, bei denen mehrere Theater zusammenkommen, um Shows zu produzieren und sich die Kosten für Bühnenbild, Kostüme und Kreativteams zu teilen. In der Saison vor der Pandemie war nur eine der sechs Vorstellungen der Shakespeare Theatre Company in Washington, D.C. eine Koproduktion; In der nächsten Saison werden mindestens fünf der sechs Shows Koproduktionen sein.
„Es ist eine grundlegende Veränderung“, sagte Simon Godwin, der künstlerische Leiter des Theaters. „Es gibt eine wirtschaftliche Notwendigkeit, aber auch das Gefühl, die Herausforderung, jetzt Theater zu machen, zu teilen.“
Theater suchen nach anderen Möglichkeiten der Kostenteilung. Mehrere in Connecticut prüfen, ob sie ihre Set-Building-Aktivitäten konsolidieren könnten, und eine Gruppe in Chicago diskutiert, ob es möglich ist, Backoffice-Funktionen wie Personalwesen, Finanzen und Marketing zu teilen.
Viele Theater versuchen, durch die Vermietung ihrer Gebäude Geld zu verdienen. Einige finden andere Wege, um Geld zu beschaffen. Northern Stage in White River Junction, Vt., beschloss, eine Alkohollizenz zu erwerben. „Obwohl dies sicherlich unsere Mission unterstützt“, sagte Jason Smoller, der Geschäftsführer des Theaters, „wird es eine nicht unerhebliche Einnahmequelle darstellen und zweifellos das Erlebnis für unsere Gäste verbessern.“
Es gibt unterschiedliche Berichte darüber, wie gut sich die Philanthropie schlägt, aber viele Theaterleiter äußern ihre Besorgnis über die Spendenmüdigkeit nach der Pandemie, und einige sagen, dass Stiftungen sich von der Unterstützung der Künste hin zu Gesundheit, menschlichen Diensten und sozialer Gerechtigkeit verlagern. „Was gerade in den letzten Monaten passiert, ist, dass wirklich große, standhafte institutionelle Spender ihre Prioritäten neu setzen und sich von der Kunstförderung abwenden“, sagte Nora DeVeau-Rosen, Geschäftsführerin des Two River Theatre in Red Bank, New Jersey. „Wir haben in den letzten drei Monaten 11 Prozent unserer institutionellen Unterstützung verloren, und wir gehen davon aus, dass dies so bleibt.“
Gemeinnützige Theater, von denen viele danach streben, neue Werke und künstlerisch abenteuerliche Stücke zu produzieren, schneiden weit weniger gut ab als Broadway-Tourneeproduktionen, bei denen es sich oft um Moloch- und Jukebox-Musicals handelt. Auch die gemeinnützigen Theater hinken dem Broadway selbst hinterher, wo die Besucherzahlen inzwischen bei 91 Prozent des Niveaus liegen, das sie zur gleichen Zeit vor der Pandemie hatten.
Es gibt eine Handvoll gemeinnütziger Organisationen, die sagen, dass es ihnen gut geht, mit unterschiedlichen Theorien darüber, warum: Einige haben die Dauer ihrer Schließung während der Pandemie minimiert; andere verweisen auf populistische Programmentscheidungen; und einige befinden sich in mittelgroßen Städten mit einem weniger wettbewerbsintensiven Markt für darstellende Künste und starker Unterstützung durch die Bürger.
Weitaus mehr sagen jedoch, dass sie vor ernsthaften Herausforderungen stehen. „Das Finanzmodell der meisten regionalen Theater ist eindeutig in Schwierigkeiten“, sagte Stuart Carden, der künstlerische Leiter des Kansas City Repertory Theaters.
Einige Intendanten glauben, dass die Programmgestaltung zum Teil daran schuld ist – dass einige Theater das Publikum abgeschreckt haben, indem sie Sendungen ausgewählt haben, die zu deprimierend oder predigerisch politisch sind. „Einige Theater haben vergessen, was das Publikum will – sie wollen lachen, fröhlich sein und weinen, aber manchmal treiben wir es zu weit“, sagte Timothy J. Evans, Geschäftsführer des Northlight Theatre in Skokie, Illinois. Aber zahlreiche Theater sagen, dass sie mit ausgefallenen oder herausfordernden Titeln immer noch zumindest gelegentlich Erfolg haben.
In Kansas City sagte Carden, das Verhalten des Publikums sei unbeständig gewesen: Eine neue Sherlock-Holmes-Komödie von Kate Hamill mit dem Titel „Ms. Holmes & Ms. Watson – Apt. „2B“ übertraf die Erwartungen bei weitem, aber eine Inszenierung von Marco Ramirez‘ gefeiertem Theaterstück „The Royale“ über einen Boxchampion, der mit Rassismus konfrontiert wurde, „verkaufte sich kaum.“
„Es gab so viel Kummer und Schmerz, dass viele Menschen auf der Suche nach einer freudigen Erfahrung und einer garantiert guten Zeit sind“, sagte Carden.
In Kalifornien verzeichnete das Pasadena Playhouse eine große Nachfrage nach einer Reihe von Sondheim-bezogenen Shows, hatte dann aber Probleme mit Martyna Majoks „Sanctuary City“ zum Thema Einwanderung. „Es war in jeder Hinsicht ein künstlerischer Höhepunkt, aber wir konnten die Aufmerksamkeit der Leute nicht wecken“, sagte Danny Feldman, der künstlerische Leiter des Theaters.
Unterdessen suchen Theaterleiter nach Zeichen der Hoffnung oder zumindest des Glaubens.
„Ich hatte viele dunkle Nächte der Seele – wer wird überleben und wie wird das Feld überleben?“ sagte Taibi Magar, einer von zwei künstlerischen Leitern der Philadelphia Theatre Company. „Aber dann wache ich an manchen Tagen auf und erinnere mich daran, dass diese Kunstform Tausende von Jahren alt ist und so viele schreckliche Momente überstanden hat. Es wird sich bewegen und in die nächste Phase übergehen.“