Jeder großartige Film ist eine Ausnahme, und weiterhin erscheinen zuverlässig außergewöhnliche neue Filme, die unerwartete Wege in die Zukunft der Kunst aufzeigen. Mittlerweile werden jedoch weniger gute neue Filme regelmäßig wöchentlich veröffentlicht. Die Spitzen bleiben erfreulich hoch, doch der Rückgang ist stark, viel stärker als in den Jahren vor der Pandemie, denn das Filmgeschäft steckt in der Krise, und diese Krise stellt auch eine Bedrohung für herausragende Filme dar. Listen sind ein Gedächtnisstütze, und die Liste, die ich in dieser Videodiskussion mit den besten Filmen anbiete, die ich dieses Jahr bisher gesehen habe, ist vor allem eine Möglichkeit, diese Filme vor dem Vergessen zu retten. Die drei Filme, über die ich dort spreche, haben zusammengenommen an den US-Kinokassen knapp vier Millionen Dollar eingespielt. (Über die Zahlen eines Films wird nicht berichtet, wahrscheinlich weil sie vernachlässigbar sind.) Auf lange Sicht spielt die Kinokasse keine Rolle; Aber Karrieren entstehen kurzfristig, und es gibt jetzt ein besonderes Grab, in dem Filme, die an der Kinokasse scheitern, nachträglich versiegelt werden: Allgegenwärtigkeit, per Streaming, das den Zugang ohne Aufmerksamkeit ermöglicht.
Diese Filme waren wahrscheinlich nie Blockbuster, aber es ist nur die aktuelle Krise des Filmgeschäfts, die sie in eine abgeschiedene Isolation verbannt. Wie ich bei der Besprechung der diesjährigen Oscar-Verleihung festgestellt habe, haben Franchise-Filme mit einer festen Fangemeinde den Studiofilmen mit großen Veröffentlichungen schon lange das Leben geraubt, und das sogenannte Prestige-Fernsehen hat das Kinopublikum für ehrgeizige Arthouse-Veröffentlichungen tief erobert . Fast drei Millionen Menschen sahen das Finale von „Succession“; Es ist mehr als der Ballyhoo, der ihre Aufmerksamkeit erregt und von diesen drei Filmen und anderen ähnlich gelungenen jüngsten Veröffentlichungen abgelenkt hat – es sind auch ästhetische Unterschiede in der Kunst, die untrennbar mit den unterschiedlichen Geschäftsmodellen ihrer Schöpfung verbunden sind.
Die scheinbar drastisch unterschiedlichen Phänomene (der meisten) Superheldenfilme und (der meisten) anspruchsvollen Fernsehdramen haben tief verwurzelte praktische Gemeinsamkeiten, die zu sehr ähnlichen künstlerischen Ergebnissen führen. Sie sind nämlich ähnlich führungsorientiert und übermanagt, da es darum geht, eine große Anzahl von Charakteren durch sorgfältig ausgearbeitete, aufwendig ineinander verschlungene und unendlich ausbaufähige Handlungsstränge zu jonglieren. (Der Bericht meines Kollegen Michael Schulman über Marvel-Filme in der Ausgabe dieser Woche von Der New Yorker, geht auf faszinierende Details über die Komplexität ihrer Top-Down-Produktionen ein.) In Franchise-Filmen sind es die Studioleiter, die die Macht ausüben, und in Fernsehsendungen sind es die Showrunner, die die wesentliche kreative Rolle der Regisseure dominieren und an sich reißen, was das bestimmende Wesen von ist die Kunst des Kinos – und zwar nicht nur in den Bildern und der Anleitung der Schauspieler, sondern auch in der Gestaltung der Geschichte. (Im Gegensatz zum Mythos des talentierten Studiofilmers, der die Kunst einfach in die Zwischenräume von vom Produzenten diktierten Drehbüchern einfügt, spielten die großen Hollywood-Regisseure im Allgemeinen auch eine bedeutende Rolle im Drehbuch – auch ohne einen Stift in der Hand oder einen Abspann auf dem Bildschirm Die besten sind in der Praxis Autoren-Regisseure.)
Natürlich würde das Superheldenfilmpublikum niemals die Kunsthäuser für unabhängige und internationale Filme füllen; Vielmehr ist es die Zuschauerzahl der Prestige-TV-Serien, die das Publikum von den Filmen abhält, die in diesem Jahr bislang ganz oben auf meiner Liste stehen. Die Frage ist, warum sich das Publikum von solchen Filmen dem Fernsehen zugewandt hat. Die Antwort ist nur zum Teil wirtschaftlich – die relative Billigkeit, Streaming-Dienste für unzählige Stunden an „Inhalten“ zu abonnieren, verglichen mit der Investition von fünfzehn bis zwanzig Dollar in einen nur anderthalb Stunden langen Film die einfache Tatsache, dass man das Haus verlassen und seinen Zeitplan einhalten muss. Noch wichtiger ist die ästhetische Komponente – die Tatsache, dass Arthouse-Filme oft weniger Kunst boten, als sie sollten.
Schuld an der Abneigung gegen neue Arthouse-Veröffentlichungen sind nicht die Macher des Fernsehens oder das Publikum, das sich dafür entscheidet, sondern eine langjährige Schar mittelmäßiger Filmemacher und ihre großen Macher – Produzenten, die lange Filme ins Kino brachten auf Inhalt und wenig Stil, in der Erwartung, dass sie verkaufbar wären. Und das waren sie oft auch. Aber sie konditionierten das Publikum an niedrige künstlerische Erwartungen – sorgfältig ausgearbeitete Geschichten, effizient und energisch erzählt, aber mit wenig Originalität in Form und Stil und mit einer Ästhetik, die kaum dazu diente, das zu liefern, was im Drehbuch steht (oder, wie ich solche Filme oft nenne, Bilder). der handelnden Schauspieler). Und genau diese Erwartungen wurden damals vom Fernsehen bereitwillig und in größerem Umfang erfüllt. Arthouse-Filmproduzenten verwässerten ihre Produktionen und gewöhnten ihr Publikum an genau das Wasser, das sie nur hinzufügten, aber nicht produzieren konnten. Indem sie ein möglichst breites Publikum anstrebten, stellten sie schließlich sicher, dass es praktisch überhaupt kein Publikum gab.
Es versteht sich von selbst, dass dies nicht das immense Talent und das ernsthafte Engagement der vielen Künstler in Frage stellen soll, die an diesen Filmen und anderen großen Shows arbeiten. Das Problem besteht lediglich darin, dass die Managementmethode selbst ihnen im Weg steht und ihren Ausdruck ebenso sicher einschränkt wie das System der Franchise-Filme. Schulman hat in seinem Marvel-Bericht ein Killerzitat zu diesem Thema von einem namentlich nicht genannten ehemaligen Marvel-Manager, der sagte: „Wenn man weiß, wie der Spielplan aussieht, hat man bei Marvel am Ende eine Menge kreativer Freiheit, denn wir sind es.“ Arbeiten innerhalb der Box.“ Auch das Serienfernsehen zwingt seine Regisseure meist in eine Schublade – und wie bei Film-Franchise-Boxen geht es auch hier um eine Einschränkung der künstlerischen Freiheit, sei es durch das Diktat der Exekutive oder durch Selbstbeschränkung im Voraus. Diese Kisten sind die luftdichten Kammern, in denen gutes Filmemachen stirbt.
Denn im Gegensatz zum Schibboleth ist das Gute nicht der Feind des Großen – es ist der Lehm des Großen. Vor einem Dutzend Jahren wurde eine Generation von Filmemachern und Schauspielern geboren – als ein stetiger Strom innovativer Independentfilme, viele davon mit sehr geringem Budget, produziert und veröffentlicht wurde. Nicht alle dieser Filme waren historische Meisterwerke (einige waren es tatsächlich), aber sie spiegelten eine neue Form des künstlerischen Bewusstseins und neuer Praktiken wider, die die Branche insgesamt nährten, als die Leute, die daran arbeiteten, nach Hollywood vordrangen. Heute besteht die Möglichkeit, seinen Lebensunterhalt in der Branche zu verdienen, größtenteils darin, sich dem Franchise-Filmschaffen zu unterwerfen oder in den Schlund des Fernsehens einzusteigen.
Das Gute – die gerechte und ordnungsgemäße Ordnung der Dinge – ist in der Kunst ebenso bedeutsam wie in der Politik. (Frederick Wisemans Dokumentarfilme „In Jackson Heights“ und „City Hall“ liefern tiefgreifende Darstellungen letzterer.) In Filmen wie in der Gesellschaft insgesamt fördern gute Regeln Ausnahmen, Toleranz, Vielfalt, Neugier – das Gegenteil von Abgeschlossenheit, von engstirniger Fangemeinde , der Passivität – gerade weil sie sich nicht anmaßen, starre Normen durchzusetzen. Mehr denn je sind großartige Filme, unabhängig von expliziten politischen Themen oder Themen, Akte des Widerstands. Es ist also auf seine Art, sie zu beobachten. ♦