Ein wiederentdecktes Juwel von Charles Burnett sowie die besten Filme der Woche

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Reiseführers in eine Welt des Einzig Guten Filme.

Vor der Premiere von „Civil War“ des Autors und Regisseurs Alex Garland nächste Woche, am 12. April, sprach ich mit den Stars des Films, Kirsten Dunst und Cailee Spaeny, über ihre Dynamik auf und neben der Leinwand.

In dem Film spielt Dunst Lee, eine erfahrene Fotojournalistin, die versucht, durch das vom Krieg verwüstete Amerika zu einem Interview mit dem Präsidenten zu gelangen, die sich im Weißen Haus versteckt. Sie trifft die aufstrebende Fotografin Jessie, gespielt von Speany, und nimmt sie mit. Während der Film ein provokantes Pulverfass über die Polarisierung ist, die die Menschen auf der ganzen Welt spaltet (sein Albtraumszenario erscheint nur allzu plausibel), ist „Civil War“ auch eine einfühlsame Auseinandersetzung mit dem Erbe und dem, was wir hinterlassen.

Die im Film dargestellte Beziehung zwischen den beiden Frauen, von denen jede etwas voneinander schöpft, spiegelt sich in gewisser Weise in der Freundschaft zwischen Dunst und Spaeny außerhalb der Leinwand wider. Tatsächlich war es Dunst, der der Filmemacherin Sofia Coppola Spaeny für die Titelrolle in „Priscilla“ empfahl.

„Diese Parallelen entsprechen überhaupt nicht dem Gefühl, dass ich mit Cailee darüber sprechen würde, Schauspielerin zu werden oder so etwas“, sagte Dunst über die Verbindungen zwischen ihren Charakteren und sich selbst. „Aber darüber habe ich während der Produktion nicht nachgedacht, weil es irgendwie kitschig ist, so darüber nachzudenken. Zum Beispiel: „Ich bin der Mentor und Sie sind der Mentee.“ Es geht so viel tiefer.“

Spaeny sagt: „Wenn ich andere Schauspieler treffe, vor allem solche, die schon eine Weile in der Branche arbeiten, haben sie eine Art Mauer. Kirsten hat das nicht. Sie trägt ihr Herz auf der Zunge und gibt einem das Gefühl, dass man in ihrer Gegenwart zu 100 % ganz man selbst sein kann.“

Nächste Woche erfahren Sie mehr über den Film.

UCLA Festival of Preservation

Die 21. Ausgabe des alle zwei Jahre stattfindenden UCLA Festival of Preservation wird heute Abend mit der Westküstenpremiere der Restaurierung von Charles Burnetts Film „The Annihilation of Fish“ aus dem Jahr 1999 eröffnet. Nachdem der Film erstmals auf dem Toronto International Film Festival gezeigt wurde, schreckte eine einzige negative Rezension in Variety alle potenziellen Käufer ab und das Projekt geriet ins Stocken. Es wurde nie auf 35 mm, DCP, VHS, DVD, Blu-ray, Fernsehen oder Streaming verbreitet. Nachdem der Film im Laufe der Jahre mehrmals den Besitzer gewechselt hatte, wurden die Rechte und Elemente des Films schließlich teilweise durch das kalifornische Insolvenzgericht zurückgefordert.

Der Film ist eine sanft komische, humanistische Geschichte und handelt von zwei alternden Exzentrikern, Obediah Fish (James Earl Jones) und Poinsettia (Lynn Redgrave), die sich treffen und eine zaghafte Romanze beginnen, als sie Nachbarn in einer von Mrs. Muldroone (Margot) geführten Pension sind Scherz).

Der Abend wird auch eine Feier zu Burnetts bevorstehendem 80. Geburtstag sein, wobei der Filmemacher vor der Vorführung ein Gespräch mit dem Kritiker Elvis Mitchell führt. Burnett, zu dessen Filmen „Killer of Sheep“ aus dem Jahr 1978 und „To Sleep With Anger“ aus den 1990er Jahren gehören, wurde 2017 mit einem Ehren-Oscar ausgezeichnet. In einer Erklärung, in der er die Restaurierung von „The Annihilation of Fish“ ankündigte, sagte Martin Scorsese: „Charles Burnett ist einer der besten Filmemacher dieses Landes. Seine Bilder sprechen mit einer filmischen Stimme, die einzigartig und ganz ihm eigen ist. Viel zu lange war „The Annihilation of Fish“ in der Schwebe. … Ich bin so glücklich, dass die Welt es endlich entdecken kann.“

Als der Film im September 2000 im Rahmen des Silver Lake Film Festivals lief, äußerte sich Kevin Thomas von der Times positiv über den Film und meinte: „Er ist so theatralisch, dass er jeden Moment völlig schief gehen und ins Exzess oder bloße Laune verfallen könnte.“ . Aber der solide Untertext zu Anthony C. Winklers Drehbuch und die Fähigkeit von Regisseur Charles Burnett, Winklers scheinbare Verrückte unerschütterlich als echte Menschen zu sehen, lassen Lynn Redgrave, James Earl Jones und Margot Kidder zunächst einmal aufsteigen. … Poinsettia ist eine Möchtegern-Blanche DuBois, die durch die Liebe mutig und hartnäckig geworden ist, und Redgrave übertrifft ihre Oscar-nominierte Leistung in ‚Gods and Monsters‘.“

Kenneth Turan geht auf eine Reihe weiterer Highlights des diesjährigen Festivals ein und bemerkt: „Es sind nicht nur wunderschöne Neufassungen von Filmen, die man noch nie oder nur in vermindertem Zustand gesehen hat. Die UCLA-Veranstaltung beinhaltet zwangsläufig bemerkenswerte Filme, von deren Existenz man noch nicht einmal wusste, Filme, die unser Wissen über die Ausmaße des riesigen Kinouniversums erweitern.“

Zu den Titeln, die Turan ins Rampenlicht rückt, gehört die stille deutsche Version von „Ein Sommernachtstraum“ aus dem Jahr 1925, die als völlig verschollen galt, bis irgendwo in Oregon ein Abdruck entdeckt wurde, der unter einem mit Maschinenöl überzogenen Kellerboden vergraben war. Außerdem gibt es den Film Noir „No Abras Nunca Esta Puerta/Never Open That Door“ aus dem Jahr 1952 aus Argentinien.

Den Abschluss des Festivals bildet „Smog“, ein italienischsprachiger Film aus dem Jahr 1962, der in Los Angeles gedreht wurde. Turan schreibt: „Die Handlung, in der es um einen Touristen geht, der zwischen Flügen die Stadt erkundet, ist nicht spektakulär, aber die umfangreichen Schwarz-Weiß-Ansichten, wie die Dinge hier vor 60 Jahren aussahen, sind ein Knaller.“ Vielleicht wussten Sie noch nichts von diesem Film, aber ihn anzusehen wird Ihren Horizont erweitern, worauf sich dieses Festival schon immer spezialisiert hat.“

Das erste Los Angeles Festival of Movies ist im Gange

Das erste Los Angeles Festival of Movies begann am Donnerstagabend mit der Los-Angeles-Premiere von Jane Schoenbruns eindrucksvoller Coming-of-Age-Saga „I Saw the TV Glow“.

„Das ist etwas Besonderes“, sagte Schoenbrun zu Beginn der Vorführung. „Es ist der Eröffnungsabend der Eröffnungsausgabe des Festivals. Das ist also Kleinigkeit.“

Das Festival geht das ganze Wochenende über weiter, mit weiteren Höhepunkten wie dem Doku-Fiction-Hybrid „Gasoline Rainbow“, der Restaurierung von Niki de Saint Phalles „Un rêve plus long que la nuit“ aus dem Jahr 1976, präsentiert von Kuratorin Miriam Bale, und der Weltpremiere am Abschlussabend von Conner O’Malley und Danny Scharars satirischem „Rap World“.

Eine echte Entdeckung des Festivals könnte am Samstagnachmittag mit der Los Angeles-Premiere der 4K-Restaurierung von Bridgett M. Davis‘ „Naked Acts“ aus dem Jahr 1996 erfolgen, bei der der Filmemacher persönlich mit Maya S. Cade von Black Film Archives spricht. Der ursprünglich im Eigenvertrieb veröffentlichte Film ist eine Erkundung der Sexualität und Identität schwarzer Frauen und der Schwierigkeiten, ein kreatives Leben zu führen, erzählt durch die Geschichte eines Schauspielers, der sich mit der Frage auseinandersetzt, ob er eine Nacktszene spielen soll.

Am Samstag wird es außerdem ein Gespräch zwischen den Filmemachern Raven Jackson und Kahlil Joseph geben, während am Sonntag ein Gespräch zwischen der Musikerin Kim Gordon und der Autorin Rachel Kushner stattfinden wird.

In unserem Interview im Februar zur Ankündigung des Festivals sagte Mitbegründerin und Co-Produzentin Sarah Winshall: „Wir versuchen, Los Angeles in gewisser Weise wie eine Kleinstadt zu behandeln und ein Festival für eine kleine Gemeinde zu schaffen.“ ist wirklich aufgeregt und leidenschaftlich.“

Weitere Sehenswürdigkeiten

Bertrand Bonellos „Das Biest“

Der französische Filmemacher Bertrand Bonello ist in dieser Gegend zu einem echten Favoriten geworden, da seine Filme oft einen Blick in die Vergangenheit werfen und gleichzeitig ein Gefühl für die Ängste des heutigen Lebens einfangen. Zwei seiner besten Filme, „House of Pleasures“ und „Nocturama“, sind derzeit auf dem Criterion Channel verfügbar.

Sein mitreißender neuer Film „The Beast“ kommt jetzt in die Kinos. Bonello adaptiert lose eine Novelle von Henry James aus dem Jahr 1903 und unterteilt die Geschichte in drei Zeitabschnitte: Paris im Jahr 1910, Los Angeles im Jahr 2014 und zurück nach Paris im Jahr 2044. Die Charaktere Gabrielle (Léa Seydoux) und Louis (George MacKay) bleiben erhalten jedes Mal durch unterschiedliche Umstände voneinander getrennt.

Ich habe mit Bonello, MacKay und Seydoux über eine Geschichte gesprochen, die bald veröffentlicht wird. Die Produktion wurde tatsächlich nur ein paar Tage in Los Angeles gedreht, wobei ein Haus in Südfrankreich ein Haus in den Hollywood Hills ersetzte. Doch selbst für kurze Zeit in LA zu drehen war für Bonello bedeutsam.

Er sagte mir: „Ich habe es wirklich geliebt, weil es wie die Geschichte des Kinos ist. Wenn Sie ankommen und wo auch immer Sie Ihre Kamera hinstellen, erinnert sie Sie natürlich an so vieles. Man ist gewissermaßen mitten im Kino.“

In seiner Rezension von „The Beast“ für The Times schrieb Tim Grierson, dass es „angeblich um künstliche Intelligenz geht, aber in Wirklichkeit geht es um den Schrecken des Lebens.“

Jean-Pierre Melvilles „Le Samour“.Aich’

Ich bin mir ziemlich sicher, dass wir hier schon mehr als einmal über Jean-Pierre Melville und sein meisterhaftes „Le Samouraï“ gesprochen haben. Aber für mich ist es ein Film, der mir einfach nie langweilig wird. Es offenbart sich endlos: eine philosophische Meditation nicht nur über den Gangsterfilm, sondern auch über die eigene Beziehung zum Leben und zur Arbeit. Eine neue 4K-Restaurierung des ursprünglichen 35-mm-Negativs wird diese Woche im Laemmle Royal und Laemmle Glendale eröffnet.

John Woo sagte bekanntlich, dass der Film „dem perfekten Film am nächsten kommt, den ich je gesehen habe“, und es ist leicht zu verstehen, warum. Melville reduziert sein Geschichtenerzählen auf das Nötigste, während er einem Pariser Auftragsmörder folgt, Jef Costello (gespielt von Alain Delon, dessen unfassbar schönes Aussehen wohl nie besser genutzt wird). Jef muss vermeiden, von der Polizei aufgegriffen zu werden, nachdem ein perfekt geplanter Auftrag schiefgeht.

Kenneth Turan schrieb 1997 über den Film: „Trotzdem [his] Mit viel Liebe zum Detail war Melville der Erste, der fast damit prahlte: „Ich achte darauf, niemals realistisch zu sein.“ Sein Hauptanliegen war die Stilisierung, bis hin zu den weißen Handschuhen des Filmeditors, die alle seine Protagonisten, darunter auch Jef Costello, anziehen, bevor sie Verbrechen begehen. Ebenso künstlich ist das Zitat aus „Das Buch von Bushido“, mit dem der Film beginnt: „Es gibt keine größere Einsamkeit als die der Samurai, es sei denn, es wäre der Tiger im Dschungel.“ Es klingt zu perfekt, um real zu sein, und tatsächlich behauptete Melville, er habe es erfunden. Doch das Echte an „Le Samourai“ – die Leidenschaft, die Melville für dieses typisch amerikanische Genre empfand – ist stark genug, um diesen Film zu einem der Glanzstücke des modernen Gangsterfilms zu machen, elegant, romantisch und unvergesslich.“

Alice Rohrwachers „La Chimera“

Obwohl Alice Rohrwachers „La Chimera“ letzte Woche erstmals vor Ort eröffnet wurde, ist er mittlerweile auf weitere Kinos ausgeweitet und gehört mit Sicherheit zu den bisher besten Neuerscheinungen des Jahres. Das wollten wir hier nicht außer Acht lassen.

Der Film spielt im Italien der 1980er Jahre und folgt dem britischen Expat Arthur (Josh O’Connor), der ein Händchen dafür hat, etruskische Artefakte aufzuspüren, die er auf dem Schwarzmarkt verkaufen kann. Er lebt am Rande des Lebens und wird von einer vergangenen Liebe heimgesucht, während er versucht, einen Weg nach vorne zu finden.

In seiner Rezension des Films für die Zeitung schrieb Carlos Aguilar: „In gewisser Weise ermöglicht es dem Betrachter, Zeit und Raum zu durchqueren, ein leuchtendes Bild nach dem anderen. Als überzeugter Humanist macht Rohrwacher Filme, die auf Unsterblichkeit ausgerichtet sind. Wenn ihr neuestes Werk in 2.000 Jahren irgendwie in den Ruinen dessen entdeckt wird, was wir einst Zivilisation nannten, wäre es ein erstaunlich schmeichelhaftes Porträt von uns. … Traurig und doch überschwänglich ist „La Chimera“ ein gewaltiges Kunstwerk, das mit der unaufdringlichen Einladung eines wärmenden Sommermorgens präsentiert wird.“

In einem Interview mit Esther Zuckerman für The Times sagte Rohrwacher: „Vielleicht sind meine Filme nicht perfekt – vielleicht könnte eine Maschine das schaffen, aber das ist nicht das, was ich suche.“ Ich möchte Filme machen, die lebendig und voller Leben sind und die einem ständig etwas Neues zu zeigen, etwas Neues zu erzählen haben, und tatsächlich kann man sie sich immer wieder ansehen und es gibt immer etwas, irgendetwas Leben, das einem durch den Film vermittelt wird.“