EDINBURGH – Ruhe ist kein Wort, das normalerweise mit August in Edinburgh in Verbindung gebracht wird, wo das International Festival und der größere, mehr zusammengewürfelte Fringe normalerweise einen kulturellen Trubel versprechen. Aber die Pandemie hat hier, wie auch anderswo, die Realitäten neu angepasst, wie seit meiner Ankunft letzte Woche klar war, vorbereitet für ein Wirbelsturm-Wochenende des Spielens.
Vorbei waren die Theaterhoffnungen, die die Besucher eifrig zuknöpfen, und mit ihnen die Flut von Fliegern, die schnell einen Rucksack beschweren können. In diesem Jahr gibt es Hunderte von Shows im Gegensatz zu Tausenden, und viele davon sind online. Es war, als würde sich die schottische Hauptstadt an dem Titel einer Show orientieren, die ich hier sah: „Still“.
Dieses Stück von Frances Poet, das im Traverse Theatre als Teil des Fringe aufgeführt wird, ist eine faszinierende Studie über fünf Menschen, deren Leben von Verzweiflung zusammengefädelt sind, unter denen Mercy Ojelade als werdende Mutter mit unerträglichem Kummer hervorsticht. Unter der Regie von Gareth Nicholls, dem Betreiber der Traverse, bietet es eine zerbrochene Landschaft von Edinburgher Einwohnern, die durch Schmerzen miteinander verbunden sind, auch wenn die Stimmung in der Stadt eine Neuanpassung an das Leben nach der Sperrung war: Die meisten Coronavirus-Beschränkungen wurden am August in Schottland aufgehoben 9, drei Wochen später als in England.
Dies bedeutet, dass Restaurants und Bars voll geöffnet waren, während sich die Theater immer noch an die Protokolle zur sozialen Distanzierung halten, die bei der Planung von Shows und beim Ticketverkauf galten. Mehr als einmal war ich von leeren Sitzreihen umgeben: „Still“ zum Beispiel kann im größten Zuschauerraum des Traverse Theaters, der normalerweise mehr als 200 fasst, vor 67 Personen pro Vorstellung spielen.
Als Zusammenarbeit zwischen Irlands Landmark Productions und dem Galway International Festival entspringt „Medicine“ dem abenteuerlustigen, absurden Geist von Enda Walsh, der Dubliner Schriftstellerin, deren bahnbrechendes Stück „Disco Pigs“ 1997 am Edinburgh Fringe explodierte: Walsh schrieb später solche Musicals wie die von David Bowie aufgenommenen „Lazarus“ und „Once“, für die letztere 2012 einen Tony Award gewann.
Das Erscheinen einer als Hummer verkleideten Frau (nicht fragen) zu Beginn in “Medizin” weist die Show auf eine Therapiesitzung hin, die sich in einer namenlosen psychiatrischen Einrichtung abspielt.
Die Hauptfigur ist der Pyjama-tragende John (Domhnall Gleeson, der „Star Wars“- und „Harry Potter“-Alumnus in prächtiger Form), der als Teil des Spiels dazu geschaffen ist, vergangene Traumata noch einmal zu durchlebenF eine zweifelhafte psychologische Abrechnung, die diese bedrängte Gestalt noch ängstlicher aussehen lässt. Sie haben das Gefühl, dass jede Heilung nicht ganz nach Plan verlaufen ist, und Sie beginnen zu denken, dass seine Therapeuten, beide namens Mary, genauso gut da sein könnten, um ihn zu foltern. Walsh ist gleichzeitig sein eigener Regisseur und balanciert die anarchische Energie des Stücks mit seiner vorherrschenden Traurigkeit.
In diesem Jahr können sich diejenigen, die drinnen Theater spielen, in einer Vielzahl von Outdoor-Shows trösten – ein mutiger Vorschlag in einer Stadt, die für ihr unberechenbares Wetter bekannt ist. (Ich habe überwiegend klaren Himmel erlebt, was keineswegs die Edinburgh-Norm ist.)
Bei „Aye, Elvis“, Morna Youngs süß-sentimentalem Stück über eine Elvis-Imitatorin (ein Spiel von Joyce Falconer), die ihren Tribute-Act bis nach Graceland mitnehmen will, sitzen die Zuschauer in eigenständigen Kapseln auf einem Parkplatz hinter der Traverse , mit Edinburgh Castle, das hoch oben aufragt. Aber unsere Aufmerksamkeit war zu Recht auf Falconers obsessive Schottin Joan und ihren Schelte einer Mutter (Carol Ann Crawford, deren jeder Kraftausdruck ein brillantes Timing hat) gefesselt.
Am folgenden Nachmittag saß ich auf einem gepolsterten Baumstumpf in einem Wald als einer von 35 Zuschauern für den äußerst unterhaltsamen „Doppler“ der Grid Iron Theatre Company. Inszeniert und adaptiert von Ben Harrison, nach einem Roman des norwegischen Schriftstellers Erlend Loe, erzählt das Stück von einem reuelosen Misanthropen (einem leidenschaftlichen Keith Fleming), der seine Familie verlässt, um in einem Zelt zu leben, von Elchfleisch zu leben und in seiner eigenen Galle zu baden .
Doch Isolation erweist sich als schwer fassbar, da die Titelfigur des Stücks von einem Strom von Familienmitgliedern besucht wird. Seine Gereiztheit wird durch einen trockenen Humor („Man kann nicht von Elchen allein leben“) gesäuert, der den Ton variiert, auch wenn die üppige Einstellung einen eigenen Reiz ausübt.
Zurück in der Stadt und drinnen ist eine methodistische Kirche der unerwartete Ort für ein umweltfreundliches halbstündiges Musical, „WeCameToDance“, eine Idee der Food Tank-Initiative in Baltimore, die als „interaktives, interplanetares musikalisches Abenteuer“ bezeichnet wird.
Was heißt das, könnten Sie sich fragen? Betrachten Sie es als einen Tanzkurs, der von sechs freundlichen, athletischen Frauen geleitet wird, die sich für einen besseren, umweltbewussteren Planeten einsetzen und gleichzeitig ein intensives Aerobic-Training leiten. Die bewusst schwer einzuordnende Show, Co-Regie und Choreografie von Ashley Jack, bietet eine familienfreundliche Mischung aus Bewusstseinsbildung und Fitnesstraining, die eine dringende politische Botschaft vermittelt und gleichzeitig am Puls der Zeit ist.
Die Show, die dreimal täglich vor einem sorgfältig distanzierten Publikum von 50 aufgeführt wird, dessen Mitglieder die ganze Zeit auf den Beinen bleiben, fühlt sich wie eine Blaupause für etwas Ehrgeizigeres an und wurde zur Teilnahme an der Klimakonferenz der Vereinten Nationen im benachbarten Glasgow im November eingeladen.
Bei „Dead Funny“, der rauen Solo-Performance der Drag-Künstlerin Myra DuBois, die ich im Rahmen einer britischen Tournee mit einem Stand im Londoner Garrick Theatre am 6. September in Edinburgh gesehen habe, war nicht viel für wohltätige Zwecke gedacht Zelt, die einstündige Show stellt Myra fest in die Tradition von Barry Humphries’ beeindruckendem Alter Ego, Dame Edna Everage: Nachzügler werden verspottet und Myra spart ihr Lob für sich selbst – „Meine Pronomen“, sagt sie jubelnd, „ bin ich, ich, ich.“
Als ich mir das letzte in einer Reihe von Shows ansah, die eine Tugend der Distanz machten, musste ich nach denen suchen, die von Myras räuberischem Auge gefangen wurden, während sie das Publikum nach Beute absuchte. Aber selbst sie fand Platz für ein abschließendes Dankeschön an ihr Publikum dafür, dass sie ihre Tat in diesen unsicheren Zeiten angenommen hat. Myras stranguliertes Gegacker wich Großzügigkeitsbekundungen („sei nett“, forderte sie unerwartet dieselben Theaterbesucher auf, die sie so schnell gescholten hatte), neben einer Anerkennung der Stärke der Zahl – auch wenn sie erschöpft sein mag – ohne die Live-Auftritte nicht überleben können .