Thomas Ostermeiers deutschsprachiger „Hamlet“ ist endlich in New York angekommen. Vierzehn Jahre hat es gedauert: Die Produktion der Schaubühne Berlin wurde erstmals 2008 beim Hellenic Festival in Athen gezeigt und scheint um die ganze Welt gereist zu sein aber hier. Es ist das Paradebeispiel für die europäische, kanonzerfetzende Ästhetik dieser Zeit – Live-Video, Mikrofone, eine Rock-and-Roll-ähnliche Partitur, die Verpflichtung, ein riesiges Chaos zu verursachen – und es hat dazu beigetragen, Ostermeiers internationalen Ruf zu machen.
Entsprechend groß war die Vorfreude, vor allem auf „Hamlet“-Star, Ostermeiers chaotische Muse Lars Eidinger. Eidingers Stil ist Punk-Muppet – ein DJ und Schauspieler, dessen rabelaisianische Attitüde alles, was er tut, mit vulgärer Elektrizität durchdringt. New York sah Eidinger zuletzt 2017 in „Richard III“ des Regisseurs auf der Bühne, als er den Krummbackenkönig als Heavy-Metal-Gollum spielte und Texte und Jambus mit gleichem Gift spuckte. Aber Hamlet ist keine „Flaschenspinne“ wie Richard; er ist ein bekannter nachdenklicher, nachdenklicher Typ. Wie kann Eidinger, die einzige Kreuzung des Theaters zwischen Krümelmonster und Joey Ramone, zum melancholischen Dänen werden?
Nun, dafür muss er sich schmutzig machen. Jan Pappelbaums Bühnenbild besteht aus einem Hektar Schlamm (den Eidinger manchmal in ekligen Fäusten frisst), einer rollenden Plattform mit einer Banketttafel, die mit Bierdosen und Imbissbehältern bedeckt ist, und einem Vorhang aus Silberketten, der als Projektionsfläche dient. Dieser „Hamlet“ beginnt mit einem Knall außerhalb der Reihenfolge: eine teilweise Wiedergabe der Rede „sein oder nicht sein“, die zwei Akte zu früh von einem mürrischen Hamlet in eine Handkamera geliefert wurde. Der trauernde Prinz, fassungslos über den plötzlichen Tod seines Vaters, filmt sich selbst, seine riesige, körnige Schwarz-Weiß-Nahaufnahme füllt den Bildschirm, während er sich Sorgen darüber macht, was genau die Toten „möglicherweise träumen“ könnten. (Dieser Monolog kehrt dreimal wie ein verdammter Geist zurück, bis Hamlet es schließlich schafft, ihn zu beenden.) Dann richtet er die Kamera auf die anderen Schauspieler – der Bildschirm zeigt uns seine Paparazzo-Aufnahmen seiner verwitweten Mutter Gertrude (Jenny König in riesige Sonnenbrille), schubste ihn weg, und sein usurpierender, mörderischer Onkel Claudius (ich sah Thomas Bading in dicken Michael-Caine-Rahmen in den Siebzigern), der schuldbewusst und ängstlich aussah.
Ich habe diese Show vor mehr als einem Jahrzehnt in Berlin gesehen und seitdem träume ich davon. Insbesondere habe ich von der Betäubung geträumt zweite Szene, die uns die Beerdigung von Hamlets Vater im Regen zeigt. Der tragische Moment wird urkomisch gemacht: Ein Typ steht herum und besprüht alle mit einem Schlauch, der auf „Feinspray“ eingestellt ist, während ein Clown-Schnitt-Totengräber den Sarg des Königs ins Grab jubelt, hineinfällt, herausspringt und dann kontraproduktiv „hilft“. “ gehen die Trauernden über die nasse Erde. Ein aufdringlicher Polonius (Robert Beyer) versucht, einen Regenschirm über Gertrude zu halten, wird aber abgelenkt; Hamlet zieht seine Jacke über den Kopf, damit er wie ein großer schwarzer Daumen aussieht. Die Beerdigung verwandelt sich in ein matschiges Slapstick-Hummeln, und der Bagger begräbt hastig das ganze Durcheinander – König, Sarg und jemandes kaputten Regenschirm. So viel zu Würde, Trauer, Hierarchie, Poesie und Identität. Diese Sequenz enthält Shakespeares größere Botschaft, die er unter all dem Gerede von Königinnen und Prinzen versteckt: Nichts davon ist wichtig. Würmer fressen diesen Körper, egal ob er mit der richtigen Seite nach oben liegt oder nicht.
Wenn Sie Ihre Ausgabe von „Hamlet“ durchblättern, vergessen Sie es. Diese Szene fehlt dort, und in Marius von Mayenburgs deutscher Übersetzung wurden viele der am meisten unterstrichenen Passagen des Stücks gekürzt. (Mayenburg hat auch hier und da eingefügt, einschließlich einiger Texte aus Katja Ebsteins Song „Theater“ von 1980 beim Eurovision Song Contest.) „Hamlet“ ist so ein Sammelsurium, dass ich oft keine Zeilen verpasse, wenn sie weg sind – das passiert selten den ganzen Text – aber Ostermeier schneidet eine Tonne heraus, darunter Festreden wie Polonius’ „To your own self be true“ und ein berühmtes Gespräch, das Hamlet mit einem Totenkopf führt. Das liegt daran, dass wir im Guten wie im Schlechten drinnen sind Hamlets Schädel, gefangen in einem antischen Gehirn, das immer ekstatischer wird, wenn es sich von der Vernunft löst. Mit nur sechs Personen in der Besetzung verschwimmen die Charaktere, von denen viele eine doppelte oder dreifache Aufgabe erfüllen, ineinander – König spielt zum Beispiel auch Ophelia und wechselt mitten in der Szene zwischen den Charakteren, indem er eine Perücke ab- und aufsetzt. Das ist nicht nur Sparsamkeit beim Casting: Hamlet schleudert sowohl Mutter als auch Freundin herum wie Stoffpuppen. Für Hamlet sind alle Frauen gleich, und so sind auch auf der Bühne alle Frauen gleich.
Hamlet tut zunächst so, als ob: Eidinger ahmt, wenn die Figur zum ersten Mal beschließt, das Gericht auszutricksen, verschiedene Beeinträchtigungen nach, indem er Verhaltensweisen annimmt, die von Tourette-Patienten entlehnt sind, wie z. B. Zucken und Flattern und Herausstrecken der Zunge. Das ist unbequem, sogar beleidigend anzusehen, aber im Laufe des Stücks kehrt er zu der extremen, Dreck fressenden Manie zurück, die wir vom Anfang der Show gesehen haben – sein Verstand hat keine „Front“. und ein „Rücken“. Dieser Hamlet kann absolut keinen Falken von einer Handsäge unterscheiden (eine weitere Rede, die kiboshed wurde), und was die Figur als einen Trick des „vorgetäuschten“ Wahnsinns beschreibt, damit sein brudermörderischer Onkel nicht versucht, ihn zu töten, ist eindeutig ein kranker Mann, der sich selbst Lügen erzählt . Hier gibt es nichts von Hamlets üblicher reuevoller, hart erkämpfter Klarheit: Mitten in seinem Schwertkampf mit Laertes (Konrad Singer) versucht er, den viel kleineren Schauspieler zu umarmen, greift nach ihm wie ein Kind, das seine eigene Kraft nicht kennt .
Hamlet ist entfesselt, aus den Angeln gehoben und unregierbar. Ist Eidinger? In Shakespeares Stück geht es um den Unterschied zwischen Sein und Schein, und manchmal habe ich in dieser Inszenierung den Überblick darüber verloren, was wirklich aus dem Drehbuch stammte. Auch nach vierzehn Jahren fühlt sich die Aufführung an, als würde man unter Spannung stehen. Sicher, die anderen Schauspieler sahen nicht so aus, als wüssten sie genau, was Eidinger tun würde, was (bewusst?) beängstigend ist, wenn er ein Schwert oder eine Schaufel in der Hand hat. Auch die Übertitel können nicht mit ihm mithalten. Einige seiner wilden Tricks scheinen geplant zu sein; andere, wie ein Furz in einem günstigen Moment (er lächelt ins Publikum, entzückt darüber, es durchzuziehen) und vereinzelte Kommentare auf Englisch („All the single ladies, whoo!“), tun dies nicht.
Schon die alten Griechen haben so etwas gemacht. Bei Festivalwettbewerben präsentierte ein Dramatiker nach einer Reihe von Tragödien ein Satyrspiel, eine Burleske, in der ein Chor ungezogener, betrunkener, ziegenartiger Nachtschwärmer in einen bestehenden Mythos „eindrang“. Etwas Ausgefallenes und Homerisches würde passieren, und ein Haufen tanzender Ziegenbrüder würde mittendrin herumfallen, ihre Phallusse wirbeln und die erste Reihe angrinsen. Eidinger ist unser Satyr, also ist es nur eine Frage der Zeit, bis er seine eigenen Gänseblümchen herausholt und kurz in einer extravagant schrägen Version von Hamlets Stück im Stück stöbert. Er und Horatio trugen eine blutverschmierte Parodie-Regietheater Version eines Rachemelodrams namens „Die Mausefalle“, das einen nervösen Claudius „auf das Gewissen holen“ soll. Wie sich herausstellt, war Hamlet die ganze Zeit in einem dicken Anzug – er zieht ihn aus, um Höschen, Strümpfe und Absätze zu enthüllen; Horatio stopft Dreck in seine Unterwäsche, um wie ein Priaper auszusehen. Ich sage Ihnen, hören Sie auf, darüber nachzudenken, wie es im Original passiert.