Der größte Erfolg der neuen Verfilmung von „The Color Purple“ ist ihr Ton: Er spielt sich wie eine Legende, gefiltert durch die Freude und den Schmerz des Erzählens. Es ist ein Musical, adaptiert aus Alice Walkers Roman und aus Marsha Normans Buch für das Bühnenstück (das ebenfalls ein Musical ist und den neuen Film mit den meisten seiner Lieder versorgt). Die Einwürfe und Vermischungen der Musiksequenzen im Drama verleihen der Geschichte erzählerische Distanz und emotionale Unmittelbarkeit; Diese innere Distanz vermittelt scheinbar die eigentliche Vorstellung von Anpassung, das Gefühl von Geschichten, die nacherzählt, neu interpretiert und erneut erlebt werden. Der Regisseur des Films, Blitz Bazawule, der erst seinen zweiten Spielfilm dreht, nach seiner ultra-low-budgetierten dramatischen Fantasie „The Burial of Kojo“ aus dem Jahr 2018, fängt die Geheimnisse und Wunder im Leben seiner Charaktere ein, das voller Extreme ist voller Kummer und Freude, mit tiefen Bindungen der Liebe, mit bleibenden Traditionen, mit kollektiven Erinnerungen, die das ganze Land umspannen und in die Knochen eingebrannt sind.
Bazawule beginnt den Film mit einem Symbolkonflikt – der Draufsicht eines Mannes zu Pferd, der ein Banjo in der Hand hält, langsam über einen hartgepflasterten Feldweg schlendert und an zwei Mädchen in weißen Kleidern vorbeikommt, die in einem Baum sitzen und verspielt singen, am Sonntagmorgen. Ich mache mir Sorgen darüber, zu spät zur Kirche zu kommen – als kurz darauf eine Gruppe von Frauen in der Nähe im Gegenlicht die Straße entlang geht und ein ausgelassenes Lied mit Gospel-Anklängen singt. Von Anfang an weist Bazawule auf die Konflikte zwischen säkularer und religiöser schwarzer amerikanischer Kultur, zwischen Geist und Fleisch sowie zwischen der Welt von Männern und Frauen hin – und zwar durch einen entscheidenden Verweis auf eines der großen Kunstwerke in diesen Bereichen sehr thematisch, Julie Dashs Film „Daughters of the Dust“ aus dem Jahr 1991. Bazawules Adaption von „The Color Purple“ spielt hauptsächlich in einer kleinen Stadt an der Küste von Georgia; Die Geschichte erstreckt sich über fast vierzig Jahre, von 1909 bis 1947, und viele ihrer Bilder sind eine visuelle und tonale Hommage an Dashs Film (ihren bislang einzigen Hollywood-Spielfilm) – Frauen am Strand, in weißen und hellen Spitzenkleidern, inmitten von Seren und kahle Bäume, die sich spontan zu Formationen von hieratischer Pracht versammeln. (Sogar das Bild der beiden Mädchen, das Teil der ausgedehnten und stürmischen ersten Einstellung des Films ist, ist eine Anspielung auf ein ähnliches Bild aus Dashs Film.) Mit „Daughters“ ordnet Dash die intimen Dramen der schwarzen Amerikaner in einen mächtigen historischen Bogen mit metaphysischen Dimensionen ; Mit „Color Purple“ würdigt Bazawule Dashs Werk als Meilenstein in dieser Geschichte und als grundlegende Inspiration für seine Herangehensweise an das historische Drama.
Die Geschichte bleibt nah an der, die man sowohl aus dem Roman als auch aus Steven Spielbergs Film von 1985 kennt. Die jugendliche Celie Harris (Phylicia Pearl Mpasi) wurde von ihrem (angeblichen) Vater Alfonso (Deon Cole) vergewaltigt und bringt ihm zwei Kinder zur Welt, die er ihr gewaltsam wegnimmt, mit Andeutungen, dass er sie getötet hat. Ihre einzige Begleiterin ist ihre fleißige Schwester Nettie (Halle Bailey), deren Geschichtenerzählen Erinnerungen an ihre verstorbene Mutter (Aunjanue Ellis-Taylor) wachruft. Der Mann auf dem Pferd zu Beginn des Films, Albert (Colman Domingo), der sich Mister nennt, heiratet Celie und misshandelt sie brutal, körperlich und emotional; Alfonso versucht Nettie zu vergewaltigen, die zu Celie flüchtet. Als Mister versucht, Nettie zu vergewaltigen, wehrt sie sich und er wirft sie von seinem Grundstück und schwört, die beiden Schwestern für immer getrennt zu halten. Die Handlung geht weiter bis ins Jahr 1917 – Celie wird als Erwachsene von Fantasia Barrino gespielt – und Misters Sohn Harpo (Corey Hawkins) heiratet eine scharfsinnige, unabhängig denkende Frau namens Sofia (Danielle Brooks), doch das Paar trennt sich bald (Celie trägt eine gewisse Schuld daran). Harpo verwandelt ihr Haus in eine Juke-Lokale, und als Misters einstige Geliebte Shug Avery (Taraji P. Henson), eine Blues-Sängerin, in die Stadt zurückkehrt, tritt sie im Club auf. Sie hilft Celie auch dabei, Misters Misshandlungen zu widerstehen, indem sie Celie mit nach Memphis nimmt. Die beiden Frauen werden ein Liebespaar. Doch in den Jahren der Qual, die Celie ertragen muss, wird ihr der Kontakt zu Nettie verzweifelt entzogen. Sie hat auch Anzeichen und Vorahnungen, dass ihre beiden Kinder tatsächlich am Leben sind, hat aber wenig Hoffnung auf eine Wiedervereinigung mit ihnen.
Bazawules Film beschränkt sich nicht auf die komplexen und oft düsteren politischen und intimen Umstände von Celie und ihrem erweiterten Familien- und Freundeskreis im ländlichen Süden des frühen 20. Jahrhunderts. Hinter der wimmelnden Geschichte steckt noch viel mehr – unter anderem das erschreckende Ergebnis von Sofias Widerstand gegen die Beleidigungen einheimischer weißer Granden; Shugs Entfremdung von ihrem Vater, dem Pfarrer der Gemeinde (David Alan Grier), weil er die Kirchenmusik zugunsten des Blues aufgegeben hatte; Harpos außereheliche Beziehungen; Celies Überlegungen zu Gewalt, um Herrn zu entkommen; die Macht eines Fluches, die Enthüllung lange unterdrückter Familiengeheimnisse und die wiederhergestellte Verbindung zwischen schwarzen Amerikanern und dem modernen Afrika. Das Drehbuch von Marcus Gardley entfaltet die Geschichte unter Berücksichtigung ihrer thematischen und metaphorischen Dimensionen – die umgebenden Bedrohungen durch Lynchmorde und den Einsatz brutaler Inhaftierung als rassistische Herrschaft in der Jim-Crow-Ära; die mystische und quasi-metaphysische Beziehung zur Natur, die Teil des Landlebens ist; die starke kollektive Erinnerung an die Versklavung, die von Generation zu Generation weitergegeben wird; die Verbindung der amerikanischen weißen Vorherrschaft mit der europäischen Kolonialpolitik und die Deformation bürgerlicher Institutionen, um sie aufrechtzuerhalten.
Mit den raffinierten Ausschmückungen seiner scharfsinnigen Regie bringt Bazawule Vorfälle und ihre Auswirkungen deutlich zur Geltung; Er zeigt eine Eleganz und einen Überschwang, die lange Schatten haben, und umrahmt raue Sachlichkeiten und intime Gesten mit inbrünstigem Einfühlungsvermögen und lyrischer Anmut. Szenen der Fantasie und Fantasie – wie wenn sich Misters Haus mit mehreren Celies füllt und wenn sie sich einen Film mit Shug (mit einer rein schwarzen Besetzung, Teil des aufkeimenden schwarzen Kinos der Ära) ansieht und sie sich auf der Leinwand vorstellt – spielen sich ab Innere Monologe in Aktion. Was die Musiknummern angeht, geht Bazawule weit über die Konventionen der jüngsten Hollywood-Normen hinaus und verleiht ihnen den Stil, der zu ihrer Energie passt. Er ist ein langjähriger Musiker (tritt als Blitz the Ambassador auf) und seine Verfilmung der Produktionsnummern (choreografiert von Fatima Robinson) verwandelt sie in eine Art visuelle Musik, reich an rhythmischer Vielfalt, kontrapunktischer Bewegung und sogar so etwas wie Phrasierung – besonders in Mehrere Gesangs- und Tanzspektakel mit langen und anmutigen Einstellungen, bei denen die Komplexität nicht in bloß zur Schau gestellter Virtuosität (wie in Spielbergs „West Side Story“), sondern in dynamisch-lyrischer Geometrie mit scharfen Linien und geschwungenen Kurven liegt.