Gute Dinge passieren fast immer, wenn Museen Außenstehende einladen, Ausstellungen aus ihren ständigen Sammlungen zu organisieren. Dies war sicherlich bei der jährlichen „Selects“-Ausstellung im Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum der Fall. Zu den jüngsten Gastkuratoren der Reihe, die sich nun in ihrer 20. Ausgabe befindet, gehörten der Architekt David Adjaye, die Künstlerin Maira Kalman und die Musikerin Esperanza Spalding.
Der diesjährige Gast ist Duro Olowu, der nigerianisch-britische Anwalt, der zum Modedesigner, autodidaktischen Kurator und Musterbeispiel für globalen Kosmopolitismus wurde. Für seine exzellenten, feinkörnigen „Duro Olowu Selects: Works From the Permanent Collection“ wählte Olowu das Thema Muster und Wiederholung – so gut er es könnte.
Als Designer bevorzugt Olowu fließende Kleider und Roben aus kontrastierenden Mustern verschiedener floraler oder geometrischer Stoffe. Seine kuratorischen Fähigkeiten zeigten sich erstmals in seinem gleichnamigen Laden in London, der für seine dichten, verlockenden Wunderkammer-Arrangements bekannt wurde. Dazu gehörten nicht nur seine Entwürfe, sondern auch zeitgenössische Kunst sowie Schmuck, Keramik, Textilien und andere Einrichtungsgegenstände und vieles mehr – alt und neu, europäisch und afrikanisch.
Olowu zeigte seinen ökumenischen Geschmack in Gruppenausstellungen, die er 2012 und 2014 in der New Yorker Galerie Salon 94 organisierte. Anfang 2020 orchestrierte er die ehrgeizige „Seeing Chicago“, eine überschwängliche Multimedia-Ausstellung, die das Museum of Contemporary Art dieser Stadt mit gezeichneten Werken füllte hauptsächlich aus seiner Sammlung, aber auch aus anderen, sowohl öffentlichen als auch privaten, in der Stadt.
Im Cooper Hewitt arbeitete Olowu mit seiner Kuratorin für zeitgenössisches Design, Alexandra Cunningham Cameron, unterstützt von Amanda Forment Hirsch und Claire Quong, und wählte fast 80 Artikel aus, von Möbeln und Keramik bis hin zu italienischen Quasten aus dem 17. Jahrhundert und winzigen „Geizhals“-Geldbörsen aus dem 19. Jahrhundert ein starker Rücken aus Textilien. Alles ist in der speziellen „Selects“-Galerie im ersten Stock des Museums untergebracht. Es hilft, dass das Ausstellungsdesign – unter der Leitung von Roger Diener von Diener und Diener Architekten – durchsichtige Kunststofftrennwände verwendet, obwohl die darauf in Weiß gedruckten Etiketten schwer lesbar sein können.
Olowus Auswahl betont die Allgegenwart von Mustern, die Art und Weise, wie sie im Laufe der Zeit und zwischen Kulturen fließen und mutieren, sowie die Art und Weise, wie sie verwendet werden – als Dekoration, als Struktur und in sich wiederholenden Herstellungsmethoden, die vom Weben, Stricken und Knüpfen bis zum Drucken reichen und Bronzeguss. „Die gebaute Umgebung wird durch Muster geformt und verschönert“, sagt er in einem prägnanten Wandtext und nennt seine Show eine „herrlich unregelmäßige Auswahl von Objekten“.
Interessanterweise beinhalten Online-Definitionen von unberechenbar „zufällig“, „unvorhersehbar“, „mangelnde Konsistenz“ und „nicht gleichmäßig oder regelmäßig im Muster“. Muster sind ein zu großes Thema, um in dieser Größenordnung geordnet untersucht zu werden. Olowus Auswahl geht einzeln und in Clustern vor und springt von hier nach dort und manchmal zurück.
Eines der einzigartigsten Objekte der Ausstellung beschäftigt sich mit Mustern auf allen Ebenen – Dekoration, Struktur, Herstellung. Das ist der „Knotted Chair“ von 1996 des niederländischen Designers Marcel Wanders: eine Art Sling Chair aus geflochtener Schnur um einen Karbonfaserkern in traditioneller Makramee-Technik, dessen Schlaufen und Knoten sich in einem Muster aus Rauten in Ovalen fortsetzen. (Das Muster, das dies auf der Rückseite hinterlässt, ist ein weiteres Problem.) Der Stuhl scheint wie ein Einzelstück zu sein, bis Sie zu einem Kleid kommen, das 2009 von der Argentinierin Lydia Novillo entworfen und hergestellt wurde; Es verwendet Chaguar-Fasern in miteinander verbundenen Schleifen und Häkeln. Sein Haut-zu-Kleidungs-Verhältnis scheint im Vergleich zu den aktuellen Standards der Exposition auf dem roten Teppich relativ zurückhaltend zu sein.
Olowu beginnt die Show, indem er demonstriert, dass das Muster alles andere als gutartig ist, und darauf hinweist, dass die materielle Kultur oft die Geschichte des Kapitalismus, des Kolonialismus und des Rassismus widerspiegelt. Auf den Punkt kommt „Cadastral Shaking (Chicago v1)“, eine Neuanschaffung der Künstlerin und Architektin Amanda Williams, die aus einer Karte von Chicago besteht, die nach farbcodierten Stadtteilen unterteilt ist, um Immobilienwerte sowie Redlining (rosa Bereiche) anzuzeigen ) und sein Fehlen (gelbe, grüne und blaue Bereiche). Williams hat die Karte tatsächlich geschüttelt, bis sie einem unordentlichen Haufen Puzzleteile ähnelt. Disruption ist eine passende Antwort auf viele Muster, auch innerhalb der Show selbst.
Zum Beispiel umfasst eine Gruppe von Perlenaccessoires, die auf kleinen Tischen in der Mitte angeordnet sind, Musterstücke und Accessoires für Perlenarbeiten – eine Zulu-Halskette aus der Wende des 20. Jahrhunderts, ein Gürtel aus dem Kenia der 1970er Jahre und ein Brillenetui aus China des 19. Jahrhunderts. Darunter befindet sich die kleine „The Middle Passage – African Holocaust Brooch“ (1993-96) aus gegossenem Silber von Phyllis Bowdwin. Seine Form ist die eines Sklavenschiffs; seine Muster aus winzigen Figuren zeigen die unmenschliche Ansammlung menschlicher Fracht auf diesen Schiffen.
Wenn Design selten rein dekorativ ist, ist Ruth Asawas Weiß-auf-Weiß-Lithografie „The Chair“ von 1965 ein weniger düsteres Beispiel. Dieses große Spitzenbild, das neben drei kleinen Paneelen aus Wiener-Werkstätte-Spitze installiert ist, zeigt einen Korb- oder Rattanstuhl, der von einer mosaikartigen Fläche aus winzigen Quadraten wie von einer Aura umgeben ist.
Olowu macht Punkte innerhalb von Punkten. Er präsentiert scheinbar Beispiele für unregelmäßige Muster – unterschiedlich geometrisch, fotografisch und handgezeichnet – die auf Albumcovern erscheinen, die von Josef Albers („Provocative Percussion, Vol. III“ von Enoch Light and the Light Brigade), Tibor Kalman ( „Remain in Light“ von Talking Heads) und Laini Abernathy („Sun Song“ von Sun Ra). Die relativ unbekannte Abernathy, die 2010 starb, war eine Chicagoer Künstlerin, Grafikdesignerin und Aktivistin, die, wie das Label feststellt, als erste schwarze Frau gilt, die ein Jazz-Albumcover entworfen hat.
Einige von Olowus ergänzenden Punkten, insbesondere die kulturelle Aneignung und Wiederaneignung, werden visuell entdeckt, bevor die Etiketten die Punkte verbinden, insbesondere in den unwiderstehlichen Studien zur vergleichenden Textilherstellung, die zwei Ecken der Galerie mit den nicht-westlichen Beispielen füllen kommen normalerweise voraus. Hier finden Sie einen afghanischen Kriegsteppich, strotzende Panzer und andere Waffen sowie einen handgewebten Stoff von der Elfenbeinküste aus dem Jahr 1964, der zu den größten Objekten der Ausstellung gehört. Sein schwarz-weißes Schachbrettmuster wurde mit drei oder vier untergeordneten Schussmustern in Rot, Grün und Orange sowie Schwarz und Weiß kompliziert. Es ist eine wunderbare Sache, streng und zurückhaltend, aber Muster ganz nach unten.
Duro Olowu Selects: Werke aus der ständigen Sammlung
Bis 28. August bei Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, 2 East 91st Street, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org.