Im Oktober 1973 brachte die Arena Stage in Washington ihre Produktionen von “Inherit the Wind” und “Our Town” nach Moskau und Leningrad, um “die ersten amerikanischen Theateraufführungen auf der sowjetischen Bühne in Erinnerung zu behalten”, so die New York Times.
Ein Teenager namens Dmitry Krymov war von „Our Town“ so überwältigt, dass er am nächsten Tag zurückkehrte. Er wuchs zu einem der besten Theatermacher der Welt auf und „Our Town“ spielt eine zentrale Rolle in seinem wunderbar anregenden Erinnerungsstück „We Are All Here“, das Krymovs Beziehung zu Grover’s Corners im Laufe seines Lebens nachzeichnet. und Spitzen in einem emotionalen Bauchschlag, der gleichzeitig als visueller Meisterstück fungiert, wobei die Besetzung auf einer langsam ansteigenden Brücke aufgereiht ist.
Die gute Nachricht ist, dass ich Anfang dieses Monats Krymovs Show sehen konnte. Die weniger gute Nachricht ist, dass ich es online gesehen habe.
Kurz gesagt, das war es im vergangenen Jahr für Fans von grenzüberschreitendem und grenzüberschreitendem Theater: verbesserter Zugang, verkürzte Erfahrung.
Das Publikum in New York (und anderen Städten, in denen regelmäßig internationale Unternehmen ansässig sind) hat seit langem Theaterideen, -techniken und -ästhetiken entdeckt, die sich grundlegend von denen in den USA unterscheiden können.
In der Tat können amerikanische Theaterbesucher von der Vorstellung einer anderen Kultur von der Kunstform überrascht sein. Wenn der Dramatiker, ob tot oder lebendig, in den USA regiert, steht in Europa der Regisseur im Mittelpunkt.
Aber wie Krymov 1973 erfuhr, ist es auch unglaublich aufregend, sich verschiedenen Möglichkeiten zu öffnen.
Das Hauptproblem ist, dass das Reisen im vergangenen Jahr noch schwieriger war als zwischen den Vereinigten Staaten und der Sowjetunion in den 1970er Jahren. Das Teilen eines physischen Raums war schon immer ein Schlüssel zu den abenteuerlicheren Erlebnissen, die uns dazu bringen, unsere künstlerischen Annahmen in Frage zu stellen: Die Auswirkungen einer Show von Romeo Castellucci aus Italien, Ariane Mnouchkine aus Frankreich oder Krystian Lupa aus Polen sind nur in der Realität zu spüren Leben.
Wenn Sie im Raum sind, können Sie sehen, wie Mnouchkine die Idee des Theaterraums neu konfiguriert, indem Sie bewegliche Sets auf Rollen platzieren oder die Schauspieler für eine Aufführung in voller Sicht des Publikums vorbereiten.
Im Raum fühlen sich die tektonischen Klanglandschaften von Scott Gibbons, die ein wesentlicher Bestandteil der Castellucci-Produktionen sind, so an, als würden sie auf Ihre Brust drücken. Das Publikum, das 2014 beim FringeArts-Festival in Philadelphia das „Four Seasons Restaurant“ betrat, erhielt Ohrstöpsel, und nein, die Lautstärke der Kopfhörer zu Hause zu erhöhen, ist einfach nicht dasselbe (Sie können es mit einer anderen Castellucci-Show versuchen, „Inferno“) vollständig auf Vimeo).
Im Raum können Sie sich von dem übergroßen Umfang und der Art und Weise beeindrucken lassen, wie sich Live- und Video-Perspektiven in Ivo van Hoves „The Damned“ vermischen.
Und im Raum können Sie die Reaktion eines Publikums auf den Moment begeistern. Es ist möglicherweise noch aufregender, wenn Sie in der begeisterten Minderheit in einem Meer von Hassern im „Rite of Spring“ -Stil sind: Ich kann immer noch die Sitzklatschen wieder aufspringen hören, als wütende Gönner mitten in Jan Lauwers ‘Berserker zurückblieben. King Lear “an der Brooklyn Academy of Music, und das war vor 20 Jahren.
Aber einfach so hat die Pandemie die Grenzen geschlossen: Wir müssen auf absehbare Zeit auf Outré-Tableaus verzichten, die Unternehmen besuchen. Das plötzliche Verschwinden internationaler Theatertouren machte in Amerika im vergangenen Jahr keine Schlagzeilen: Unsere schockierten Bühnen gingen in den Überlebensmodus über, und eine dringend benötigte Diskussion über Rassismus im Theater hatte Vorrang.
Natürlich missbillige ich nichts davon – die Abrechnung war überfällig -, aber ich konnte den dumpfen Schmerz nicht leugnen, den ich für das empfand, was fehlte.
Zumindest wurde es etwas gemildert, als wir von einem Blick auf Übertitel zu einem Blick auf Untertitel wechselten, als sich die digitalen Schleusen öffneten und Theater auf der ganzen Welt damit begannen, sowohl Shows in ihrem Repertoire als auch neue Projekte zu streamen.
Krymovs „We Are All Here“ zum Beispiel war nur eine von 15 Untertitelaufnahmen, die ich an fünf Tagen beim diesjährigen Golden Mask Festival gemacht habe. Diese waren Teil der Showcase-Sektion des in Moskau ansässigen Festivals namens Russian Case, die Werke für Tourbuchungen anbietet.
Einige von ihnen waren sogar auf einem Bildschirm zu sehen, wie Mihhail Plutahhins hypnotisches „The Observers“, das aus Handlern bestand, die wortlos Gegenstände bewegten, die aus Zwangsarbeitslagern auf diese und jene Weise auf einem Tisch gerettet wurden.
Yury Butusovs Inszenierung des Florian-Zeller-Dramas „The Son“ war so bizarr, dass es für sich genommen überzeugend war – die histrionischen Zeilenlesungen der Schauspieler waren erfrischend frei von jeglichem Versuch, sie zu psychologisieren. Der beliebte Schriftsteller Vladimir Sorokins „Spin“ wurde von Yury Kvyatkovsky in einem Glashaus inszeniert, wo wir eine reiche Familie ausspähten, die über Überwachungskameras einen dekadenten, saftigen Brunch genoss.
Nicht alles hat funktioniert, besonders die Shows, in denen das illustrierte Regietheater (oder das Regietheater) Amok läuft, wie die unverständliche, von der Commedia dell’arte beeinflusste Produktion „Pinocchio. Theater.”
“Investigation of Horror”, das eine Soiree avantgardistischer Philosophen der 1930er Jahre nachbildete, mit Echtzeit-Kartoffelschalen und intensiven Debatten, sah manchmal wie eine “Saturday Night Live” -Parodie aus. Nachdem ich in einer Nachbesprechung über Zoom nach dem Festival zugegeben hatte, von einer modernen Adaption von Dostojewskis „Der Idiot“ verwirrt zu sein, beruhigte mich ein anderer Zuschauer mit den Worten: „Ich bin Russe, ich habe das Buch gelesen und ich hatte keine Idee, was los war. “
Keine der russischen Fallshows, die ich gesehen habe, war von der in den Vereinigten Staaten am häufigsten vorkommenden naturalistischen Tendenz. Ich habe nie einen Blick auf Charaktere erhascht, die verzweifelt auf einer Couch plauderten, die im Mittelpunkt stand.
Kommen Sie und denken Sie darüber nach, es gab überhaupt nicht viel verzweifeltes Geplauder.
In ihrer Einführung zu „Investigation of Horror“ schrieb die russische Fallkuratorin Marina Davydova: „Das Beobachten von Beziehungen zwischen Charakteren wird langweilig – es ist viel interessanter zu beobachten, wie sich Ideen entwickeln.“
Dies galt sogar für die traditionellsten Produktionen, die immer eine Wendung hatten, wie „Der Sohn“ und sein Outré-Expressionismus, oder das brillante Bioplay „Gorbatschow“ des lettischen Regisseurs Alvis Hermanis mit der virtuosen Jewgeni Mironow in der Titelrolle als Michail Gorbatschow und Chulpan Khamatova als seine Frau Raisa wechseln Kostüme und Perücken in voller Sicht, wenn ihre Charaktere im Laufe der Show altern.
Und Russian Case war nur der Höhepunkt eines Jahres, in dem ich mich mit nicht englischsprachigem Theater beschäftigte.
Alles begann im vergangenen Frühjahr, als große Unternehmen sich bemühten, Katalogproduktionen online zu stellen, sobald ihre Veranstaltungsorte geschlossen waren – viele von ihnen hielten sich an die traditionellen Vorhangzeiten und mieden On-Demand, was für amerikanische Zuschauer Termin-Matineen bedeutete.
Plötzlich wurde es einfacher, Arbeiten von Regisseuren zu sehen, die wir im Laufe der Jahre kennengelernt haben. Die Berliner Schaubühne hat in ihrem Archiv nach Shows in voller Länge gesucht, darunter eine gesunde Auswahl des künstlerischen Leiters Thomas Ostermeier – ein Genuss für diejenigen von uns, die für seine Live-Produktionen loyal zum St. Ann’s Warehouse und zur Brooklyn Academy of Music gewandert sind. Zum jetzigen Zeitpunkt strahlte das renommierte Odéon-Théâtre de l’Europe in Paris noch eine Untertitelaufnahme einer zeitgenössischen Version von Molières „Die Schule für Frauen“.
Die ehrgeizigste Institution dürfte die Comédie-Française gewesen sein, ebenfalls in Paris, die im Frühjahr 2020 eine Reihe wöchentlicher Archivaufnahmen (ohne Untertitel) anbot. Endlich konnte ich die Produktion von Jean Giraudoux von 1974 sehen. Ondine “mit einer jugendlichen Isabelle Adjani, die eine Kult-Anhängerschaft hat; Ich lachte alleine vor meinem Computer und sah mir eine flotte Inszenierung der Feydeau-Farce „Le Système Ribadier“ an.
Die virtuelle Programmierung der Comédie-Française hat sich im vergangenen Jahr aufgrund geänderter Vorschriften weiterentwickelt, und diese 341-jährige Grande Dame hat beneidenswerte Begeisterung gezeigt. Als die persönlichen Proben erneut genehmigt wurden, setzte das Unternehmen seine Truppe mit neuen Initiativen wie der Tischleseserie „Théâtre à la Table“, die immer ausgefeilter geworden ist (und im Gegensatz zu den vollständigen Aufnahmen auf YouTube bleiben wird), in großem Umfang ein.
Diejenigen, die mit „The Seagull“ vertraut sind, könnten von der dynamischen Lesart der Comédie-Française unter der Leitung von Guillaume Gallienne als Trigorin und Elsa Lepoivre als Arkadina in Versuchung geführt werden (sie spielten auch die schrecklichen Liebhaber Friedrich und Sophie in „The Damned“ in der Park Avenue Armory). .
Die Auswahl des Ausgangsmaterials zeigt auch Erfindungsreichtum, wie bei einer fantastischen Nachstellung von Delphine Seyrigs „Sois Belle et Tais Toi“ („Sei hübsch und halt die Klappe“), einer vorausschauenden feministischen Dokumentation aus dem Jahr 1981, in der Schauspielerinnen wie Ellen Burstyn, Maria Schneider und Jane Fonda sprachen über Sexismus in der Filmindustrie.
Andere Unternehmen, insbesondere das Internationaal Theatre Amsterdam – das Unternehmen unter der Leitung von van Hove, dessen Inszenierung von „The Things That Pass“ Sie am 25. April sehen können.
Kurz vor meinem Eintauchen in Russland war ich am Rande meiner Couch, als der britische Regisseur Robert Icke „Ödipus“ für das Amsterdamer Theater aufnahm. Obwohl es keinen Zweifel am Ergebnis gab, hatte die Produktion moderner Kleider die Intensität eines Thrillers und ich ertappte mich dabei, wie ich laut „nein nein nein nein nein“ schrie, als die Charaktere wie Asteroiden, die in ein schwarzes Loch gezogen wurden, auf ihr Schicksal zusteuerten durch eine unwiderstehliche Gravitationskraft.
Es gab sogar aktuelle Online-Festivals wie „Stories From Europe“, bei denen Untertitelaufnahmen von Mitgliedern des Theaternetzwerks mitos21 präsentiert wurden. Für ein paar Tage im Januar konnten wir so tun, als wären wir im Berliner Ensemble, im Moskauer Völkertheater oder im Teatro Stabile Torino. Im dunklen Winter fühlte sich diese Flucht kostbar an, ein Fenster in eine Welt voller Möglichkeiten und nicht in Einschränkungen.
In einem Artikel für The Times über diese Reise in die Sowjetunion im Jahr 1973 zitierte der stellvertretende Direktor der Arena Stage, Alan Schneider, einen Bericht in der Zeitung Literaturnaya Gazeta. “Wahrlich”, hieß es, “der Austausch von Theatererfahrungen, von Theatergruppen ist einer der besten Beweise für die Bereitschaft der Menschen, in Frieden zu leben und gegenseitiges Verständnis zu suchen.”
Wenn dieses Verständnis vorerst online stattfinden muss, soll es so sein. Das Glas ist mindestens halb voll.