Die David Kordansky Gallery hat eine wunderbare Wurmlochausstellung mit dem Titel „Doyle Lane: Weed Pots“ zusammengestellt. Der Zugangspunkt ist der kleine, unscheinbare „Unkrauttopf“, ein häufiger Akzent in modernen kalifornischen Innenräumen ab den späten 1950er Jahren. Lanes Töpfe, die auf ein Rad geworfen wurden, waren selten höher als 3 bis 4 Zoll, hatten ein kugelförmiges oder elliptisches Volumen und hatten meist einen kurzen, schmalen Hals, eine kleine Öffnung und einen gebogenen Rand, der für die Aufnahme eines getrockneten Weedzweigs gedacht war.
Aus diesem scheinbar bescheidenen Anfang heraus schuf der Afroamerikaner Lane (1923-2002) ein schillerndes Universum aus Farben, Formen, Texturen und Proportionen. Er stellte auch Keramikfliesen, Anhängerschmuck, Gemälde und Wandgemälde her, aber der „Unkrauttopf“ ist sein Markenzeichen. Kordanskys großzügige Ausstellung von 100 Töpfen ist Lanes erste Einzelausstellung in New York. Sie ist auch ein Auffrischungskurs im genauen Hinsehen und eine Erinnerung der Macht der Form.
Lane hat den „Unkrauttopf“ nicht erfunden, aber wie diese Ausstellung beweist, hat er ihn perfektioniert. Es war seine Bühne. Aus der Enge heraus entfaltete er seine wundersamen Glasuren, indem er allein mit zwei kleinen Brennöfen in seinem Studio in El Sereno im Osten von Los Angeles arbeitete. Einer der Größten hier hat eine fast zeitlose Qualität; Es könnte archaisch sein, gerade erst in Peru oder China ausgegraben, aber es ist auch zeitgenössisch. Es verfügt über eine Doppelglasur: eine hellmatte grüne Unterglasur und darüber eine spröde gelbe Glasur, fast durchscheinend, die beim Brennen Blasen bildet und Löcher erzeugt, die das Grün freilegen.
Die Ausstellung wurde von dem in Australien geborenen und in Los Angeles lebenden Bildhauer Ricky Swallow organisiert, der Lanes Töpfe 2010 in einem Antiquitäten-Einkaufszentrum in Pasadena entdeckte. Swallow kuratierte 2020 eine kleinere, ähnlich installierte Iteration für Kordanskys Heimatbasis in Los Angeles Die Installation ist luxuriös: Die Töpfe sind in einzelnen Reihen zu je 14 Stück in sieben Vitrinen mit viel Platz aufgereiht. Gehen Sie an beiden Seiten der Vitrinen entlang und Sie werden sehen, dass jedes Stück vollständig rund ist. Auch wenn der begleitende Katalog vielleicht nicht die Monographie ist, die der Künstler verdient, ist er doch der bisher umfangreichste und enthält zahlreiche Informationen über ihn und sein Umfeld.
Doyle Lane (1923-2002) wurde in New Orleans geboren und kam 1946 nach Los Angeles. Er studierte Keramik am East Los Angeles City College und an der University of Southern California und bekam zu seinem großen Glück einen begehrten Job als Glaser Techniker für das Industriechemieunternehmen LH Butcher, wo er acht Jahre lang arbeitete. Dort formulierte und testete Lane Hunderte verschiedener Glasuren und sammelte Erfahrungen und einen Wissensschatz, über den nur wenige andere Künstler-Töpfer der Nachkriegszeit verfügten.
In dieser Ausstellung werden zwei Bereiche von besonderem Interesse deutlich: Zum einen die Leidenschaft für rote und orangefarbene Glasuren, die hier auf fast einem Drittel der Töpfe verwendet werden. Das andere ist eine geschickte Kultivierung des Zufalls beim Glasurbrand, um die Unvollkommenheiten der Rissbildung, die ursprünglich von chinesischen und koreanischen Töpfern am intensivsten verfolgt wurde, oder die weniger bekannten Effekte des Kriechens zu fördern. Dies geschieht, wenn sich beim Brennen eine dicke Glasur auf dem freigelegten Ton zusammenzieht und einzelne kleine Inseln bildet, die Lane für einen besseren Kontrast oft mit Gelb oder Ocker färbt.
Bei einigen Töpfen scheint es, als ob Risse und Kriechen zusammenlaufen könnten, wie etwa bei einer orangefarbenen Glasur auf einem ockerfarbenen Topf. Die Glasur zog sich zusammen, ohne viel Ton freizulegen, und bündelte sich zu einer Art dicht gepacktem Flachrelief und einem Muster, das an Eingeweide erinnert.
Seine Glasuren wirken experimentell, dennoch schien er immer zu wissen, was er tat. Swallow sagte in einem Telefonat, dass Lane seinen Ofen wie ein Instrument benutzte, weil er verstand, wie sich die Platzierung in einem Ofen auf das Ergebnis auswirken konnte, und wusste, wann er einen Brennvorgang unterbrechen musste, der sich selbst überholte.
Die geringe Größe dieser Gefäße erfüllte mehrere Bedürfnisse, vor allem den Wunsch, von seiner Arbeit zu leben, was er auch tat. Sie nutzten seine kleinen Öfen effizient und waren leicht zu transportieren. Lane hatte nur wenige Galerieausstellungen in Los Angeles – und nirgendwo anders. Er verkaufte seine Töpfe in Ausstellungsräumen, die er neben seinem Atelier errichtete, auf Handwerksmessen und gelegentlich von Tür zu Tür. (Lane war entschlossen, von seiner Arbeit zu leben, und hatte dabei großen Erfolg.)
Aber die primäre Funktion der kleinen Größe war ästhetischer Natur: Lane zeichnete sich durch hervorragende Komprimierung aus und ließ etwas Kleines groß erscheinen. Die geringe Größe bedeutete, dass die Begegnungen mit seinen Stücken aus nächster Nähe und in ihrer Gesamtheit und Granularität stattfanden. Nach Lanes Glasuren ist der interessanteste Aspekt dieser Zusammenstellung so vieler „Unkrauttöpfe“ die Art und Weise, wie sie seine Sensibilität für Form, Gewicht und Volumen offenbaren. Töpfe mit runden Silhouetten sind manchmal so rund wie Softbälle. Aber normalerweise schwellen ihre Volumina nach oben oder unten sanft an, was eine ruhige, animierende Ausgewogenheit vermittelt.
Lane sagte einmal, dass viele seiner Farben erst existierten, als er herausfand, wie man sie herstellt. Ihre Originalität ist nur einer von vielen Gründen dafür, dass seine Cannabistöpfe über das Handwerk hinausgingen und zur Kunst wurden. Sie bilden einen medien- und kulturübergreifenden historischen Höhepunkt. Es handelt sich um historische Stücke, die ihre Zeit überdauert haben.
Doyle Lane: Unkrauttöpfe
Bis 4. August, David Kordansky Gallery, 520 West 20th Street, Manhattan; davidkordanskygallery.com; 212-390-0079.